Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Confirmación”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644-1648. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin muestra esta escena en un entorno paleocristiano. La ceremonia se lleva a cabo en las catacumbas romanas, aunque en la escena los personajes usan una vestimenta con el traje contemporáneo. Poussin incluso se aseguró de que los peinados de las mujeres correspondían a los de bustos romanos contemporáneos. Las figuras de la línea de la derecha antes de que el sacerdote, son representados casi como una procesión. Los niños y los adultos se confirman en la misma ceremonia, y las mujeres marcan el comienzo con sus niños tímidos de frente para recibir el sacramento. La confirmación fue para reafirmar la fe de un individuo, que fue anunciada por primera vez en su bautismo. El cura los unge con el crisma (aceite bendito). Esta escena, a pesar de su contexto cristiano temprano, habría sido fácilmente reconocible para los contemporáneos de Poussin como algo que experimentaron en sus propias vidas.

El siguiente cuadro “El Sacramento del Matrimonio”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644-1648. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin ilustra el Sacramento del Matrimonio, mostrando el compromiso de ficción entre la Virgen María y José. El matrimonio se considera un sacramento en la fe cristiana (un signo externo de la gracia interior), pero es diferente de los otros sacramentos, ya que implica el consentimiento mutuo de las dos partes. La unión de la pareja está regulada divinamente por Dios. En esta imagen, Poussin representa a José colocando el anillo en el dedo de la Virgen. José aún mantiene la corona de flores, lo que le había distinguido de los otros hombres como el pretendiente más adecuado para María. Esta pintura fue muy admirada por el artista Bernini cuando la vivió en París en la década de 1660. En particular, le gusta la mujer con velo misterioso detrás de la columna en el extremo izquierdo de la composición y comentó sobre la falta de vestimentas ceremoniales del cura.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Penitencia”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin representa el episodio bíblico en el que María Magdalena se arrepiente de sus pecados y pide perdón lavando los pies de Cristo. Se cree que han lavado sus pies con sus lágrimas y los secó con su cabello largo de color rojo antes de besarlos y los ungía con aceite. La escena tuvo lugar en una fiesta en la casa de Simón y el fariseo, y Poussin retrata a los invitados sentados en los sofás romanos (triclinia) en torno a una gran mesa de banquetes. El uso del auténtico comedor romano permitió Poussin construir una composición simétrica. Incluso contrapesada con las figuras de Cristo y de María a la izquierda, con una escena en la extremo derecho que muestra a Simón, tiene sus pies lavados convencionalmente por un criado. Esta imagen es la más dramática y elaborada de los siete sacramentos de Poussin.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Ordenación”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Cristo tiene las llaves simbólicas del cielo antes de presentarlas a Pedro su principal discípulo y “la roca” en el que se va a construir la iglesia. La gran letra “E” en la columna de la derecha libre puede referirse a “Ecclesia” (la Iglesia). Los otros discípulos reconocen este momento significativo a través de sus variados gestos y expresiones. Poussin planea cada detalle para garantizar una composición equilibrada y más apropiada a su estado de ánimo. Fue el primer artista en pintar los siete sacramentos o ritos de la Iglesia cristiana como una serie de imágenes individuales, lo que hizo dos veces. Esta obra pertenece a la segunda serie de 1644 a 1648, pintado para Paul Freart de Chantelou.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Eucaristía”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

El lienzo representa el momento en que Cristo da la Eucaristía. La Iglesia católica afirma que la institución de la eucaristía por Jesucristo, tal como lo relatan los evangelios sinópticos, se realizó cuando tomando en sus manos el pan, lo partió y se los dio a sus discípulos diciendo:

Tomad y comed, este es mi cuerpo, que será entregado por vosotros. Del mismo modo, tomó el cáliz y se lo dio a sus discípulos diciendo: Tomad y bebed todos de él, porque esta es mi sangre, sangre de la alianza nueva y eterna, que será derramada por vosotros y por muchos para el perdón de los pecados. Haced esto en conmemoración mía.

El siguiente cuadro “El Sacramento de Extremaunción”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin representado este Sacramento de la bendición final con la escena en movimiento de un soldado romano cristiano moribundo ungido con óleo santo por un cura. La figura del grupo se asemeja a una escultura en relieve clásica en su énfasis horizontal, mientras que la perspectiva central de la sala ofrece un escenario como el establecimiento. Poussin hizo uso de una etapa de modelo con figuras de cera para planificar algunas de sus composiciones y estudiar el juego de luces y sombras. Aquí la luz de la vela complementa la intensa emoción de la escena. Fue una de las primeras pinturas terminadas en la segunda serie del artista de los Siete Sacramentos (1644-1648) creados por Paul Freart de Chantelou.

La sala VII del museo se titula Rubens y Van Dyck (1610-1640). Lo dos artistas del siglo Sir Peter Paul Rubens y Sir Anthony van Dyck fueron los pintores flamencos más destacado de la época. Ambos eran pintores activos en Amberes, Italia e Inglaterra; Rubens también trabajó en España. Los dos artistas fueron nombrados caballeros por el rey Carlos I; Rubens en 1630, Van Dyck dos años más tarde.

Rubens y Van Dyck tanto producen cuadros de historia con temas religiosos y mitológicos, a menudo realizan pequeños bocetos al óleo para desarrollar las composiciones y estudios de figuras individuales, retratos de cuerpo entero de los aristocráticas por Van Dyck, perfeccionadas durante su estancia en Génova en el norte de Italia (1621-1627), también tenían una gran demanda y tuvo un enorme impacto en el desarrollo del retrato en Gran Bretaña.

El siguiente cuadro “San Sebastian camino del martirio”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1620-1621. Tiene unas medidas de 230 x 163,30 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

El tratamiento de este tema es muy diferente al que habitualmente se representa, ya que San Sebastián se representa comúnmente traspasado por flechas. Según la leyenda, era un miembro de la guardia imperial del emperador romano Diocleciano, quien fue condenado a muerte por ser cristiano. Aquí Van Dyck no representan el mismo martirio, sino el momento antes de producirse, cuando el santo estaba siendo preparado para su fin espantoso. El artista pintó varias versiones del tema en torno al 1620-1621. En esta versión, el joven es más atlético y se distingue de las otras figuras, su mirada hacia el cielo enfatizado por el paño rojo dramático. La pintura ha sido recientemente restaurada.

El siguiente cuadro “El banquete de Herodes”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635-1638. Tiene unas medidas de 208 x 264 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

La hija de Herodías, Salomé, había bailado tan bien que Herodes había prometido concederla cualquier deseo. Impulsada por Herodes, Salomé pidió la cabeza de Juan el Bautista. Esta fue la venganza de Herodías para la crítica abierta al Bautista de su matrimonio con Herodes. Aquí Salomé presenta la cabeza de San Juan Bautista a Herodes. Herodes se contrae de nuevo con horror. A su izquierda, Herodes empuja la lengua del Bautista con un tenedor. Rubens transmite el momento dramático a través de las acciones y expresiones de sus grandes personajes dando vida por medio del tamaño de las figuras, sus ricos colores y contrastes en negrilla de la luz y la sombra. El cuadro fue pintado probablemente para Gaspar de Roomer, un comerciante flamenco con sede en Nápoles, e inspiró una serie de artistas italianos.

El siguiente cuadro “Retrato de un noble italiano”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1626. Tiene unas medidas de 237,6 x 154.3 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Van Dyck produjo numerosos retratos de hombres vestidos con armadura durante su estancia en Génova, en la década de 1620. Por el casco de la armadura y la guerrera de este hombre de cercanías podría significar que él es un soldado, mientras que las espuelas y fusta indican que él es un jinete hábil. Tradicionalmente, los retratos de armas fueron utilizadas por los reyes y nobles como manifestaciones externas de la fuerza, el mando y la riqueza. De 1625 a 1626, la República de Génova estaba en guerra con la Casa de Saboya, y durante este período de Van Dyck pintó muchos hombres ricos genoveses en la armadura militar. Tales retratos pueden entenderse no sólo como un símbolo de lealtad, sino también como una muestra de la riqueza y del gran alcance que tenia su estatus social.

El siguiente cuadro “Reconciliación de Jacob y Eseú”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1624-1628. Tiene unas medidas de 42.5 x 40,3 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Este animado boceto al óleo ilustra la historia del viejo testamento de Jacob hace las paces con su hermano gemelo Esaú, muchos años después de que él había robado a Esaú su primogenitura. Es el modelo o el diseño final a partir de una serie de estudios preliminares realizados para la realización de una gran pintura (en el Alte Pinakothek, Munich). Dichos trabajos se muestran a menudo al patrón de una pintura encargada para su aprobación. En el taller extraordinariamente ocupado de Rubens, los bocetos ayudaron a los clientes como una guía, ya que luego trabajaban en esta pintura siguiendo el diseño del maestro. Un trabajo como este era muy apreciado porque era en su totalidad obra del propio Rubens.

El siguiente cuadro “La Familia Lomellini”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1627. Tiene unas medidas de 237,6 x 154.3 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Como un joven artista, Van Dyck pasó seis años en Italia, entre 1621 y 1627. llegó al rico puerto de Génova, donde pintó suntuosos retratos de la nobleza local. Este es el retrato más grande y más ambicioso de Van Dyck de la época, fue pintado para la familia Lomellini. Giacomo Lomellini en ese momento era el Dux de Génova (jefe de gobierno de la ciudad) a partir de 1625-1627. Él no aparece aquí, porque los retratos del dogo en la oficina estaban prohibidos para evitar la promoción personal. Los dos hijos mayores de Giacomo se muestran de pie junto a su segunda esposa y sus dos hijos. Es una imagen magnífica de orgullo y prestigio de la familia y se anticipa a los retratos de la familia real de Van Dyck de Carlos I.

El siguiente cuadro “Un estudio de una retrato (San Ambrosio)”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1616-1617. Tiene unas medidas de 49.6 x 38.10 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Las pinceladas vivaces y una fuerza convincente de la cara de este hombre de edad avanzada indican que se trata de un estudio realizado directamente de una persona viva. Casi podría ser un retrato acabado, pero es un estudio preparatorio, que se utiliza para la cabeza de San Ambrosio en un gran retablo. Rubens a menudo hizo estudios detallados de las figuras individuales para las grandes composiciones, además de bocetos de todo el diseño. Estos podrían ser utilizados por él mismo o copiados por los asistentes del taller que trabajan en la pintura final.

Pasamos a las Salas VIII y IX donde se exponen obras de artistas neerlandeses y flamencos del periodo que abarca desde 1590-1720. La exposición principalmente se centra en los géneros de pintura particulares: retratos, paisajes y naturalezas muertas.

En 1588 las siete provincias protestantes del norte de Holanda se separan de las del sur, gobernadas por la monarquía española católica. Esta nueva república holandesa, de la que Holanda era la provincia más grande, creció rápidamente, con el tiempo dominando el comercio mundial con su flota de transporte marítimo. El éxito económico alimentó la edad de oro del arte holandés y permitió a mucha gente poder comprar obras de arte.

Tanto al norte como al sur de la línea divisoria, los artistas de este período cada vez más se especializan en géneros específicos de pintura. A pesar de que los artistas en los Países Bajos del norte y sur desarrollaron temas y estilos distintos, hubo mucho intercambio entre los dos países, y muchos pintores trabajaron en ambas áreas.

El siguiente cuadro “Decapitación de San Juan Bautista”, obra de Taller de Hendrick ter Brugghen (1588-1629), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1620-1630. Tiene unas medidas de 166 x 218cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Aquí podemos ver unos de los temas favoritos de Ter Brugghen fueron figuras de medio cuerpo de bebedores o músicos, pero también produjo imágenes religiosas a gran escala y retratos de grupo. Llevaba consigo la influencia de Caravaggio, y en sus obras hay un dramático uso de la luz y la sombra, así como sujetos con una gran carga emotiva. Aunque murió joven, su obra fue bien recibida y tuvo gran influencia en otros. Su tratamiento de temas religiosos puede verse reflejado en la obra de Rembrandt.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta con fruta y caza”, obra de Abraham van Beyeren (1620-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1660. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

En este “pronkstilleven” (estilo de naturalezas muertas ostentosas) donde van Beyeren representa una gran variedad de objetos de lujo, como el tazón de porcelana, las copas venecianas, mortero de bronce, y el faisán y dos liebres. Son expresiones de la riqueza, así como una demostración de virtuosismo pictórico del artista.

El siguiente cuadro “Caballero tocando el laúd a una dama”, obra de Jan Steen (1629-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1626. Tiene unas medidas de 38.2 x 32.4 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Steen es conocido por sus escenas ingeniosas y caóticas de la vida cotidiana diseñadas para educar y entretener. A menudo transmiten un mensaje moral conectada con proverbios holandeses, y sus propias pinturas dieron lugar a arreglos domésticos desordenados. También pintó retratos y escenas bíblicas y mitológicas. Él nació en Leiden, y vivió en varias ciudades de los Países Bajos. Estaba en Haarlem desde 1661 hasta 1670, donde produjo algunas de sus mejores pinturas.

El siguiente cuadro “La práctica del canto”, obra de Gerard ter Borch (1617-1681), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655. Tiene unas medidas de 73.80 x 79.60 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro representa a una mujer joven que está de espaldas a nosotros tiene un libro de canciones entre las manos. La relación entre ella y las figuras sentadas puede ser intencionalmente un tanto ambigua. El gran interés del hombre que acompaña a la chica sugiere que su papel podría ser un pretendiente en lugar de tutor. La mujer de más edad disfruta de una copa puede haber sido fundamental en la organización de la “lección”. La composición restringida complementa la sutileza otorgando una intriga en la escena y también hace hincapié en los complementos del ropaje como: satenes y sedas brillantes de la ropa de los personajes. Es uno de al menos tres versiones de un mismo tema.

El siguiente cuadro “Retrato de Francois Wouters”, obra de Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1600-1601. Tiene unas medidas de 115 x 86.1 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El retratado se ha identificado como Francois Wouters era un gran fabricante de cerveza y además llegó a ser alcalde de Haarlem. El cuadro presenta una composición equilibrada tanto en la cara entre sí y el mundo más allá del marco de la imagen. Hals debía de haber pintado estos retratos en la década de 1640. Su magnífico manejo del pincel, el uso sutil de los tonos negros, cuidando modular el color, y la fuerte caracterización de los personajes hacen de estos cuadros algunos de los mejores retratos del periodo de Hals.

El siguiente cuadro “Paisaje boscoso”, obra de Meindert Hobbema (1638-1709), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1662-1663. Tiene unas medidas de 93.7 x 130.8 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Este es un ejemplo excepcional de paisajes boscosos de Hobbema, representa la pintura en que se había especializado el artista. Estas obras parecen estar basadas en lugares reales, pero fueron compuestas cuidando de su imaginación. El primer plano de la sombra se abre a una distancia media brillantemente iluminada, y desde allí los caminos llenos de baches conducen a un horizonte lejano. La escena está animada por el grupo de figuras. Este tipo de sujeto resultó ser muy popular entre los coleccionistas británicos durante los siglos XVIII y XIX.

El siguiente cuadro “Retrato de Susanna Bailly”, obra de Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1645. Tiene unas medidas de 115 x 85.8 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Hals empleaba una pincelada fuerte y el uso sutil de blanco y negro son evidentes en la deslumbrante variedad de tonos y texturas que emplea sobre el traje de la dama. (Van Gogh más tarde se maravilló de la gama de “veintisiete negros” de Hals.) La señora era Susanna Bailly segunda mujer de Francois Wouters, era una mujer de buena posición que vestía a la última moda. En el momento de este retrato fue pintado, con grandes pañuelos.

El siguiente cuadro “Flores con naturaleza muerta”, obra de Jan van Huysum (1682-1749), realizado en óleo sobre cobre, esta datado en 1718. Tiene unas medidas de 80.1 x 61.40 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Se trata de un ramo de flores un tanto extravagante se compone de flores de diferentes que representan las estaciones del año, incluyendo las distintas variedades de tulipanes y rosas, y también se describen ejemplares de mariposas y otros insectos. Jan van Huysum fue el mejor pintor holandés de flores del siglo XVIII. Recibió encargos de prestigio de casas reales y aristócratas de toda Europa.

El siguiente cuadro “Retrato de un grupo familiar”, obra de Nicolaes Maes (1634-1693), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655. Tiene unas medidas de 50.5 x 38 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Esta pintura es el típico trabajo a pequeña escala de Maes de mediados de la década de 1650. El retrato es de un grupo familiar en un entorno exterior, están sentados en una terraza con una vid subiendo por la pared detrás de ellos. A pesar de que el niño lleva faldas, pero es de hecho un niño. Los niños usaban calzones a las cinco o seis años. Tiene un caballo de juguete, un juguete típicamente masculino. La iluminación espectacular y el colorido de la escena son indicativos de que la formación previa de Maes con Rembrandt. Una firma falsa de Rembrandt fue retirado de la imagen cuando se limpió en 1952.

El siguiente cuadro “Una mujer en la cama”, obra de Rembrandt van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1647. Tiene unas medidas de 81.1 x 67.80 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro representa a una mujer como abre una cortina suponen que la imagen pintada parece una verdadera tentación. La ilusión se ve reforzada por la fuerte iluminación dirigida desde el contraste de las sombras profundas a la izquierda. Mientras Rembrandt pudo haber utilizado una persona de su círculo más íntimo como una modelo, la pintura no era necesariamente un retrato. El tocado de oro, ropa de cama rica y la proximidad a una pintura de la maestra de Rembrandt, Lastman, indican que la persona era probablemente Sara, la esposa de Tobías. Según el Antiguo Testamento apócrifo Libro de Tobías, este fue derrotado con éxito un demonio que había matado a sus siete maridos anteriores en su noche de bodas.

El siguiente cuadro “La profetisa Ana en el templo”, obra de Rembrandt van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro habla de la presentación en el Templo ante la profetisa, Ana, hija de Fanuel, de la tribu de Aser. Era una mujer muy anciana. De joven había vivido siete años casada y tenía ya ochenta y cuatro años de edad. No se apartaba del templo ni de día ni de noche, sirviendo a Dios con ayunos y oraciones. Cuando José y María entraban en el templo para la presentación del niño, se acercó Ana, dando gracias a Dios y hablando del niño a todos los que aguardaban la liberación de Israel.

Una vez que José y María cumplieron todo lo que prescribía la ley del Señor, se volvieron a Galilea, a su ciudad de Nazaret. El niño iba creciendo y fortaleciéndose, se llenaba de sabiduría y la gracia de Dios estaba con él.

El siguiente cuadro “Puente de Piedra”, obra de Adam Pynacker (1620-1673), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1654. Tiene unas medidas de 77 x 63.2 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Pynacker era el hijo de un comerciante de vino, que era un miembro de la vroedschap, o regencia de la ciudad. Viajó a Italia donde había vivido durante tres años. En 1658 se convirtió al catolicismo para casarse con Eva María de Geest, Wybrand de Geest hija. En Schiedam bautizó a sus dos hijos, pero a partir de 1661 hasta su muerte, vivió en el Rozengracht en Ámsterdam.

El siguiente cuadro “Seis mariposas y una polilla en una rama de rosas”, obra de William Gouw Ferguson (1632-1695), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1690. Tiene unas medidas de 20.5 x 26 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Ferguson llegó a ser bien conocido por sus pinturas de naturaleza muerta, en sus escenas muestra a aves de caza muertas. Esta pintura de mariposas vivas y una polilla, es un tanto rara porque Ferguson presenta criaturas que siempre están vivas y en un entorno naturalista. Ninguna otra pintura hecha por él de este tipo ha sido encontrada. Las mariposas han sido identificadas como Small Heath, azul común, Prado Brown, Almirante rojo, Pequeño blanco, y una señora pintada. La única polilla es un del tipo amarillo grande.

El siguiente cuadro “Interior con un joven violinista”, obra de Gerrit Dou (1613-1675), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1637. Tiene unas medidas de 310.1 x 23.70 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro muestra a un joven que ha dejado de tocar momentáneamente al ser interrumpido. El pintor se deleitaba evidente en el juego de luces y sombras, y la presentación de texturas superficiales, especialmente materiales reflectantes. El músico está rodeado de libros, instrumentos y un globo, que aluden al aprendizaje.

El siguiente cuadro “Un colegio de niños y niñas”, obra de Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670. Tiene unas medidas de 81.7 x 108.6 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Este cuadro es una de los muchos que hizo el autor con escenas cambiantes del mismo aspecto. La composición se basa libremente en el fresco de Rafael de “la escuela de Atenas” en el Vaticano, que representa a los más grandes eruditos de la antigüedad. Basando esta escena rebelde en la famosa reunión de grandes, Steen hizo una broma visual, que también se hizo eco en el detalle incidental. Los adultos parecen ignorar el mal comportamiento de sus alumnos. A la derecha hay una lechuza, símbolo tradicional de la sabiduría y el atributo de la diosa Atenea. Aquí un niño ofrece un par de gafas que aluden al proverbio holandés “¿De qué sirven las gafas o la luz, si la lechuza no quiere ver?”. Esto podría aplicarse a los alumnos y profesores