Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

El siguiente cuadro “Paisaje con ganado”, obra de Aelbert Jacob Cuyp (1620-1691), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1657. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Albert Jacob Cuyp fue uno de los paisajistas holandeses más destacados del siglo XVII. El más famoso de una familia de pintores, alumno de su padre Jacob Gerritsz Cuyp (1594–1651/52), es conocido principalmente por sus vistas holandesas compuestas al amanecer o al atardecer, aunque como todos los pintores de la época, cultivó también otros géneros como el retrato, las escenas de interior y los bodegones.

El siguiente cuadro “Una mujer mayor alimenta un perro”, obra de Gabriel Metsu (1629-1667), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1658. Tiene unas medidas de 44 x 33 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Gabriël Metsu fue un pintor neerlandés de la época barroca, autor de algunas obras de tema bíblico y de numerosas escenas de género, algunas de las cuales pueden ser interpretadas también como retratos.

En la ejecución de su pintura pronto abandono los temas religiosos. Probablemente observó que el arte sagrado era poco apropiado para su temperamento, o encontró que era un campo en el que había mucha competencia, y se orientó hacia otros temas para los cuales estaba mejor preparado. Así será conocido sobre todo por sus cuadros de género y escenas de interior.

El siguiente cuadro “Paisaje con caballo y ganado”, obra de Aelbert Jacob Cuyp (1620-1691), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Las pinturas de los paisajes de Cuyp combinan la luz dorada de cielos italianos con un paisaje holandés contemporáneo. El contacto con artistas de Utrecht, que había pasado un tiempo en Roma, lo inspiró para utilizar una amplia gama de colores. Se especializó en tierra, mar y riachuelos, a menudo incluyendo grupos de ganado y señales reconocibles. También pintó retratos ecuestres. La mayor parte de su obra fue adquirida por las familias ricas de su ciudad de Dordrecht nativa. A mediados del siglo XIX muchas de sus mejores pinturas estaban en colecciones británicas. La claridad de sus composiciones y su calidad de la luz era muy admirado por los paisajistas británicos.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta”, obra de Davidsz de Heem (1606-1683), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1675. Tiene unas medidas de 40.5 x 32.6 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Aunque el autor de esta obra todavía no se conoce con exactitud, aunque está cerca de los primeros trabajos de Davidsz de Heem, es uno de los pintores más dotados del siglo XVII holandés especializado en naturalezas muertas. De hecho, durante la limpieza en el año 1955, se eliminó una firma falsa de Heem. El artista hizo uso hábil de la luz que se vierte desde una ventana, lo que se refleja en el vidrio de vino adornado holandés (conocida como “Roemer”). Las uvas parecen brillar, ya que cada fruta tiene un punto brillante en el que la luz se refleja en su piel. El limón con un vivo y profundo color amarillo; las ciruelas moradas son ligeramente más oscuras en su reflexión sobre la placa de peltre –es una aleación compuesta por estaño, cobre, antimonio y plomo. Es maleable, blando y de color blanco con alguna similitud a la plata– que aparecen en la escena.

El siguiente cuadro “Interior del cuerpo de guardia”, obra de Gerbrand van den Eckhout (1621-1674), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1657. Tiene unas medidas de 70.8 x 62.5 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo

Gerbrand van den Eeckhout pertenece a la pintura edad de oro holandesa, fue el estudiante favorito de Rembrandt. También fue un grabador, un poeta aficionado, un colector y un asesor en el arte.

Eeckhout no se limita a copiar los sujetos en sus retratos, intenta tomar las formas, las figuras, los vestidos y los efectos pictóricos de la persona. Es difícil formar un juicio exacto de las cualidades de Eeckhout al comienzo de su carrera. Sus primeras piezas son, probablemente, aquellas en los que se reproduce con mayor fidelidad las peculiaridades de Rembrandt. Exclusivamente el suyo es un tinte de color verde en las sombras que estropean la armonía de la obra, una vulgaridad de tintes, discordante en una superficie uniforme y un toque más rápido de lo sutil.

El siguiente cuadro “Gabinete de arte”, obra de Willem (Guillam) van Haecht, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630. Tiene unas medidas de 73 x 104 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro es uno de los más importantes del pintor van Haecht en donde se muestra la obra de Anthony van Dyck se representa en sus paredes sus obras dentro del Gabinete de Arte, entre las obras más destacadas podemos ver en el frente de la primera fila el famoso cuadro “Matrimonio místico de Santa Catalina”.

La obra es una copia de las que hacia La galería de Cornelio van der Geest para mostrar como era la Galería de Arte de Rubens. Otro de los lienzos similares de este autor es Mauritshuis, Alejandro Magno visitando el estudio de Apeles.

El siguiente cuadro “Retrato Marchese Ambrogio Spinola”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1627-1628. Tiene unas medidas de 121.9 x 96.5 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El retrato corresponde a un general genovés al servicio del archiduque Alberto y la archiduquesa Isabel de España. Van Dyck le debe haber pintado poco después del regreso a Italia en 1627 y antes de que Spinola se fuera a Madrid el 3 de enero 1628, para no volver nunca a los Países Bajos. Existen varias versiones similares a esta imagen, incluso un dibujo preparatorio relacionadas con el manejo y de la pintura sugieren que este trabajo fue realizado en el estudio.

El siguiente cuadro “Mercurio cogiendo a Psique en el cielo”, obra de Sir Peter Paul Rubens y el taller (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625. Tiene unas medidas de 72 x 99 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Rubens, un artista excepcional, académico y diplomático, disfrutó de una carrera larga, prolífica y exitosa a nivel internacional. Pintó temas de la Biblia y de la mitología clásica, retratos, paisajes y temas alegóricos. Después de pasar ocho años en Italia, regresó a Amberes en 1608, donde estableció un taller floreciente. Por lo general pintando a gran escala, y se destacó en la descripción de episodios dramáticos a través de amplias figuras en posturas dinámicas, colores suntuosos y una iluminación brillante. Rubens empleó a muchos asistentes para satisfacer la demanda de su trabajo, que provenía de los clientes ricos en el país y en el extranjero, incluidos los reyes de España, Francia y Gran Bretaña.

El siguiente cuadro “Adoración de los pastores”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625. Tiene unas medidas de 73.8 x 92.4 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Peter Paul Rubens poseía una amplia formación humanista y tuvo siempre un profundo interés por la Antigüedad clásica. Dominaba diversas lenguas, incluido el latín, y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas. Fue además ennoblecido tanto por Felipe IV de España como por Carlos I de Inglaterra.

Pasamos a la Sala X dedicada al arte holandés del periodo entre 1635-1700. La pintura del siglo de oro de estilo barroco termina en el año 1700 cuando acabó la autoridad de los Habsburgo españoles con la muerte Carlos II, pasando a depender el territorio por el Tratado de Utrecht de la rama austriaca. Flandes, entendido así en un sentido amplio, abarca todas las provincias meridionales de los antiguos Países Bajos, a grosso modo la actual Bélgica, que en aquella época, tras la escisión de las Provincias Unidas del Norte y el asedio de Amberes, permanecieron bajo el dominio de los Austrias españoles y conservaron la fe católica.

El siguiente cuadro “Cristo en la casa de Marta y María”, obra de Johannes Vermeer (1632-1675), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1654-1655. Tiene unas medidas de 158.5 x 141.5 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Esta es sin duda la más grande y una de las pinturas más antiguas que sobreviven de Vermeer. También es su única obra conocida de un tema bíblico. Evangelio de San Lucas nos habla de la visita de Cristo a la casa de las hermanas. Cristo alabó la voluntad de María a sentarse y escuchar sus enseñanzas, a diferencia de Marta, que estaba más preocupada con la limpieza. El juego fuerte de la sombra y la luz, la caracterización de las figuras y el amplio manejo de la pintura fueron probablemente inspirada en la obra de artistas de Utrecht, que a su vez fueron influenciados por el arte de Caravaggio. Dado el tamaño inusual y el objeto es probable que la pintura fuera un encargo específico.

El siguiente cuadro “La orilla de un río”, obra de Jacob van Ryuisdael (1628-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1649. Tiene unas medidas de 14 x 20.2 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Ruisdael fue uno de los más notables e influyentes pintores de paisaje en la Holanda del siglo XVII. Se especializó en temas de paisajes de época para incluir escenas de bosques, ríos y cascadas, así como escenas de playas y dunas, vistas panorámicas. Obviamente, en base a un estudio minucioso de la naturaleza, las pinturas de Ruisdael siempre aparecen creíbles y naturales sobre todo atendiendo a su composición, el tratamiento de la luz y el color natural. Con frecuencia muestran escenas típicamente holandesas, celebrando así la riqueza de los paisajes de Holanda. El trabajo del pintor abarca la pintura paisajística del siglo XVIII y XIX en Gran Bretaña. La admiración por sus pinturas, grabados y dibujos inspirados por los estudios de paisaje Gainsborough, Wilson, Constable y Turner.

El siguiente cuadro “Paisaje con cazadores”, obra de Jan Weenix (1642-1719), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1697. Tiene unas medidas de 14 x 20.2 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Este enorme lienzo representa un paisaje arbolado, el escenario de las actividades de caza, visto a través de una abertura que sirve como un estante para la exhibición de una naturaleza muerta. Las habilidades del artista en la prestación de los diferentes materiales y texturas, y donde se representan personajes animados e inanimados (incluyendo la estatua de Pan, el antiguo dios de los bosques), es claramente evidente. Los perros proporcionan la clave de tema alegórico de la pintura, que es el sentido del olfato. Fue una de las cinco obras (cada una representando un sentido) que forman un esquema decorativo en la casa de Ámsterdam de un rico patrón portugués.

El siguiente cuadro “Interior de la iglesia de san Bavón, Haarlem”, obra de Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1648. Tiene unas medidas de 174.8 x 143.6 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Este punto de vista del interior de la catedral gótica de Haarlem es uno de los más grandes pinturas de Saenredam. Hizo una serie completa de al menos once imágenes que muestran la iglesia desde diferentes puntos de vista, de los cuales esta es, con mucho, la más grande. El trabajo de la Galería Nacional se basó en un boceto preliminar y un dibujo a escala más preciso lo que demuestra su estudio detallado de la arquitectura, pero también indica que Saenredam ejerce licencia artística en el acabado del cuadro. Se distorsiona deliberadamente las proporciones de los pilares y la bóveda para aumentar la sensación de escala monumental. Se incluyó su firma y la fecha en la columna de la izquierda, más bien como si fuera un graffiti, junto con un dibujo garabateado, posiblemente representando a San Bavón.

El siguiente cuadro “Paisaje con una vista Valkhof Nimega”, obra de Aelbert Cuyp (1620-1691), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655-1660. Tiene unas medidas de 113 x 165 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Pasamos a la Sala XI titulada la revolución Rococó en el periodo de 1700-1815. La pintura rococó se desarrolló a lo largo del siglo XVIII por toda Europa partiendo de Francia, cuna de este estilo de origen aristocrático y se dividió en un principio en dos campos nítidamente diferenciados: como parte de la producción artística, es un documento visual intimista y despreocupado del modo de vida y de la concepción del mundo de las élites europeas del siglo XVIII, en tanto también como una adaptación de elementos constituyentes del estilo a la decoración monumental de las iglesias y palacios, sirvió como medio de glorificación de la fe y del poder civil.

El siguiente cuadro “Reunión de Antonio y Cleopatra”, obra de Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1747. Tiene unas medidas de 66.8 x 38.4 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este colorido boceto al óleo sobre lienzo se hizo en preparación para la elaboración del fresco de Tiepolo sobre el mismo tema en el Palazzo Labia, Venecia. Muestra al comandante romano Marco Antonio saludando a Cleopatra, la reina de Egipto. El boceto está cerca en la composición y los detalles al fresco, aunque el Marco Antonio planteado aquí es más apasionado se sustituye por una postura más vertical en el trabajo final. Los esquemas decorativos de Tiepolo están llenos de aire y de la luz donde se reflejan la influencia del pintor veneciano del siglo XVI de Veronese. Su pincelada rápida y fluida contribuye al carácter vivo del boceto e ilustra su virtuosismo aparentemente sin esfuerzo.

El siguiente cuadro “Retrato de John Canpebell, 4º duque de Argyll”, obra de Thomas Gainsborough (1727-1788), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1767. Tiene unas medidas de 235 x 154.3 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

El retrato de cuerpo entero de Gainsborough del cuarto Duque de Argyll le muestra vestido con una magnifica túnica que le identifica su categoría social, un tema perfecto para una pincelada del deslumbramiento del artista. El Duque se apoya una mano en la corona y en la otra sostiene la batuta del Maestro hereditario de la Casa del Rey. Lleva la cadena espléndida de la Orden del Cardo. Él heredó el ducado cuando tenía sesenta y siete años, después de haber tenido una distinguida carrera como soldado. En 1745 defendió el oeste de Escocia contra las fuerzas del príncipe Charles Edward Stewart, y en 1746 logró el duque de Cumberland como comandante en Escocia.

El siguiente cuadro “Marie-Laetitia Bonaparte”, obra de Francois Baron Gèrard (1770-1836), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1800-1803. Tiene unas medidas de 210.8 x 129.8 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este retrato de cuerpo entero señorial de la madre de Napoleón, conocida como Madame Mère, la muestra suntuosamente vestida y sentada en un gran apartamento con una vista a las Tullerías en París. Ella venía de una familia de la Toscana y nació en Córcega. Un busto esculpido de su hijo como cónsul, cerca en el personaje tallado por Louis-Simon Boizot en 1800, confirma su condición. Napoleón fue el segundo varón mayor de sus trece hijos, ocho de los cuales sobrevivieron. El retrato fue llevado a Italia por su nieta, Mathilde, sobrina de Napoleón, cuando se casó en la familia florentina Demidoff.

La siguiente escultura “La Venus de Medici”, obra de Innocenzo Spinazzi (1726-1798), realizado en mármol blanco, esta datado en 1784. Tiene unas medidas de 163.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Innocenzo Spinazzi fue un escultor italiano rococó del siglo XVIII que estuvo activo en Roma y Florencia. Era hijo de un orfebre. Fue aprendiz de Giovanni Battista Maini. Desde Roma, se trasladó a Florencia en 1769 como escultor oficial del Gran-duque Pedro Leopoldo para completar algunos fragmentos antiguos de mármol.

El siguiente cuadro “James Dawkins y Robert Wood. El descubrimiento de las ruinas de Palmira”, obra de Gavin Hamilton (1723-1798), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1758. Tiene unas medidas de 309.9 x 388.6 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

En 1751, James Dawkins y Robert Wood exponen en una expedición para estudiar los restos de la antigua ciudad de Palmira en Siria. Los dos hombres estaban fascinados por la exploración. En este tiempo hubo un gran interés en el descubrimiento del mundo antiguo. Las conclusiones y dibujos de hombres como Dawkins y Wood ayudaron a informar el gusto por el estilo neoclásico que se extendía por Europa. Aquí, Hamilton muestra a los hombres con sus acompañantes turcos cuando se acercan a Palmira. Se presenta como una escena de la historia clásica, con los dos exploradores vestidos con togas. James Dawkins murió en 1757, y esta pintura fue encargada por su hermano Henry, en conmemoración de sus estudios importantes en Palmira.

La siguiente escultura “Lorenzo Ganganelli, el Papa Clemente XIV”, obra de Christopher Hawetson (1737-1798), realizado en mármol blanco, esta datado en 1772. Tiene unas medidas de 163.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Nacido con el nombre de Giovanni Vincenzo Antonio Ganganelli, posteriormente lo cambió por el de Lorenzo al profesar como fraile franciscano, era el menor de los cuatro hijos de Lorenzo Ganganelli, doctor en medicina, y de su esposa Ángela Serafina María Mazza.

Estudió en un colegio de los jesuitas de Rímini y luego en la escuela de los Hermanos Piaristas de Urbino. Ingresó en la orden de los Franciscanos Conventuales en Mondaino, provincia de Forlí. En 1731 obtuvo el doctorado en teología en la Universidad La Sapienza de Roma. Definidor de su orden en 1741, renunció por dos veces al generalato de la misma. Fue un excelente teólogo, pero también músico, poeta y un consumado jinete.

El siguiente cuadro “Las Mujeres Waldegrave”, obra de Sir Joshua Reynolds (1723-1792), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1780. Tiene unas medidas de 143 x 168.3 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Reynolds fue particularmente hábil en la elección de las posturas y acciones que sugiere el carácter de una niñera para crear una composición sólida. Aquí, las tres hermanas, las hijas de la segunda Earl Waldegrave, se muestran en colaboración trabajando en una pieza de costura. La actividad conjunta une a las chicas. A la izquierda, el mayor, lady Charlotte, tiene una madeja de seda, que la hermana media, Lady Elizabeth, mira una tarjeta. A la derecha, el más joven, Lady Anna, esta con un bastidor de costura, utilizando un gancho para que encaje en una red tensa.

El siguiente cuadro “La honorable señora Graham”, obra de Thomas Gainsborough (1727-1788), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1775-1777. Tiene unas medidas de 237 x 154 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este es uno de los mejores retratos de cuerpo entero de Gainsborough siguiendo la tradición de Van Dyck. El traje y los accesorios se hacen eco deliberadamente la moda del siglo XVII y realzan la belleza elegante de la honorable señora Graham (1757-1792). Era hija de la honorable Cathcart María, hija de noveno barón de Cathcart, quien fue embajador de Catalina la Grande. Se casó con el propietario Perthshire, Thomas Graham en 1774, y compraron la casa en Lynedoch cerca de Methven, Perthshire en 1787. El retrato fue muy aclamado cuando se exhibió en la Real Academia en 1777. Thomas Graham, devastado por la muerte prematura de su esposa en 1792, regaló la pintura a su hermana. Que fue legada a la National Gallery por uno de sus descendientes, a condición de que nunca salga de Escocia.

La siguiente escultura “Las hermanas Campbell”, obra de Lorenzo Bertolini (1777-1850), realizado en mármol blanco, esta datado en 1821-1822. Tiene unas medidas de 170 x 92 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este grupo escultórico muestra Emma y Julia, las dos hijas menores de Lady Charlotte Campbell, hermana del Duque de Argyll, y su primer marido Coronel John Campbell, de Shawfield. El escultor Bartolini describe las niñas en la acción de “bailando un vals”, ejecutando el resultado con la habilidad transmitida por sus poses elegantes, de puntillas y cortinas suavemente flotando. Por encargo de su hermano mayor, el mármol terminado fue enviado desde Livorno a Edimburgo, y se instaló en el comedor en el castillo de Inveraray, el asiento de los duques de Argyll. La base está inscrita con una dedicación al escultor Inglés John Flaxman, cuyos grabados de temas homéricos Bartolini admiraba enormemente. Esta es la pieza más importante de la escultura italiana tallada para un patrón de Escocia en el siglo XIX.

El siguiente cuadro “Aquiles lamenta la muerte de Patroclo”, obra de Gavin Hamilton (1723-1798), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1763. Tiene unas medidas de 227.3 x 391.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Aquiles se niega a la actitud tomada por sus compañeros griegos, él se lamenta por el cuerpo muerto de su asistente devoto y amigo, Patroclo, que fue matado por los troyanos. El enorme tamaño de la pintura de Hamilton transmite una sensación de su ambición de representar episodios de Homero “La Ilíada” en un modo que represente una abrumadora épica. Sus composiciones heroicas fueron diseñadas para transmitir la gama dramática y emocional del poema épico, basado en la traducción de Alexander Pope. Hamilton pintó seis cuadros, cada uno encargado por un cliente diferente. Éste, el más fino de la serie, fue hecho para Sir James Grant entre 1760 y 1763, y se fija una audiencia internacional a través de los grabados de Cunego.

El siguiente cuadro “El encuentro de Moisés”, obra de Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1730. Tiene unas medidas de 202 x 342 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

El cuadro representa el impacto dramático de la pintura de Tiepolo se ve aumentada por su gran tamaño, coloración suntuosa y el carácter teatral. El tema del Antiguo Testamento se hace aún más inmediato a través de aspecto contemporáneo de las figuras y los detalles similares a la vida, tales como la representación de Moisés, que se muestra al revés. La pintura fue originalmente aún mayor, pero una parte, que muestra un alabardero y un perro en un paisaje del río, fue retirada de la derecha, posiblemente en el siglo XIX (ahora en una colección privada). Andrea Rincón, probablemente, encargó la obra para su Palazzo Corner della Regina en el Gran Canal, Venecia.

La siguiente escultura “Busto grotesco de una mujer mayor”, obra de Antonio Montauti (1685-1740), realizado en mármol blanco, esta datado en 1730. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Antiguamente había una demanda de este tipo de bustos a finales del siglo XVI y que se originan en el círculo de Miguel Ángel, pero parece cierto que en este caso fueron ejecutados más tarde, probablemente de principios del siglo XVIII. Varios investigadores han sugerido una atribución provisional de Montauti, que estuvo activo en Florencia y luego en Roma; comenzó como una medalla de bronce y escultor, y sólo parece haberse dedicado a esculpir mármol durante un período relativamente corto de tiempo desde mediados de los años 1720.

El siguiente cuadro “La apoteosis de san Jerónimo y san Pedro Alcántara”, obra de Giovanni Battista Pittoni (1687-1767), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1725. Tiene unas medidas de 275 x 143 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

El cuadro representa a San Jerónimo en una nube es guiado hacia el cielo por un ángel de la guarda. Su mano se descansa en un cráneo, que simboliza la fugacidad de la vida terrenal. La pintura fue hecha para un altar en la nave de la iglesia veneciana de Santa Maria dei Miracoli. La iglesia fue dirigida por monjas franciscanas y en primer plano es un fraile franciscano que puede ser identificado como el reconocido predicador español del siglo XVI, San Pedro de Alcántara. Se hace hincapié en el carácter espiritual del evento, experimentando la visión de San Jerónimo hacia el interior. El retablo, que fue pintado hacia 1725, se arqueó originalmente en la parte superior.

El siguiente cuadro “El Médico”, obra de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1779. Tiene unas medidas de 95.8 x 120.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Un médico sentado en compañía de dos estudiantes calienta sus manos sobre carbones calientes. Este gesto y el árbol sin hojas que se pinta detrás de ambos, conecta con el invierno, que puede ser el tema general de la imagen. Es un dibujo animado (diseño de tamaño completo) para un tapiz destinado a una habitación en el palacio real de El Pardo. Era para ser colgado por encima de una puerta que da cuenta de los colores llamativos, la composición ordenada y con un punto de vista bajo, dando protagonismo al plato de carbones y a los libros del doctor. Goya ya había producido diseños para tapices para el mismo palacio, que ilustra pasatiempos contemporáneos, las costumbres y modas.

Pasamos a la Sala XII-XIII se titula La pintura es un espectáculo en el periodo 1785-1870. Sus tablas son enormes y espectaculares dedicadas a las exposiciones públicas.

El siguiente cuadro “La entrada al Cuiraing en la isla de Skye”, obra de Waller Hugh Paton (1746-1828), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1873. Tiene unas medidas de 111.80 x 162.80 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Esta pintura es un ejemplo espectacular de la obra paisajística madura de Paton. Se muestra el Cuiraing (o Quiraing en el uso moderno), un notable corrimiento de tierra en la península de Trotternish de Skye. Paton había visitado la zona durante una gira por Skye en 1866 e hizo una serie de bocetos y acuarelas. Aquí, el pico dentado del alta pináculo 30,7 metros conocido como la aguja. Paton describe el Quiraing como un lugar horrible, a pesar de que se había convertido en un destino para los artistas como para los turistas. Paton exhibió este vasto cuadro en la exposición 1873 Royal Scottish Academy.

El siguiente cuadro “Rentistas en el desierto”, obra de Sir Edwin Landseer (1802-1873), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1868. Tiene unas medidas de 122 x 265 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Los animales y el paisaje juegan un papel tan importante como puntos de información de esta pintura de historia inusual. Fue encargado por el distinguido geólogo Sir Roderick Impey Murchison, Presidente de la Real Sociedad Geográfica. Se modeló para la figura de su bisabuelo Coronel Donald Murchison, el cobrador de la renta que lleva un peto debajo de la chaqueta. Coronel Murchison estaba desafiando la ley en nombre del Conde jacobita de Seaforth, exiliado en París después de la derrota del ejército del Viejo Pretendiente en la batalla de Sheriffmuir en 1715. Los arrendatarios del conde mantienen oculto al grupo de los casacas rojas en todo el lago.

La siguiente escultura “Hebe rechazada”, obra de William Calder Marshall (1813-1894), realizado en mármol, esta datado en 1837. Tiene unas medidas de 137 cm de altura. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

En la mitología griega, Hebe era la personificación de la juventud, descrita como hija de Zeus y Hera. Según la Ilíada, Hebe era la ayudante de los dioses: llenaba sus copas con néctar, ayuda a Hera a enganchar los caballos a su carro y bañaba y vestía a su hermano Ares. Según la Odisea, se casó con Heracles tras la apoteosis de éste, siendo sustituida en sus labores por el joven príncipe troyano Ganimedes. Sin embargo, tradiciones posteriores contaban que había sido madre con él de dos hijos, Alexiares y Aniceto.

El siguiente cuadro “Salto del Niágara, desde el lado americano”, obra de Frederic Edwin Church (1826-1900), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1867. Tiene unas medidas de 257.5 x 227.30 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Estamos ante un gran lienzo que capta magníficamente el drama de Niagara Falls, uno de los lugares más famosos de su país. Esta pintura, sobre la base del dibujo de una Iglesia realizado en Niagara en julio de 1856 y en una fotografía en sepia tocó con el color, fue encargado por el comerciante de arte de Nueva York, Michael Knoedler en 1866. En un principio puede haber sido destinado para la Exposición Universal de París, como iglesia fue seleccionada para representar a los Estados Unidos allí. Fue comprado en 1887 por John S. Kennedy, quien lo presentó a su Escocia natal. Es el único ejemplo importante del trabajo de la Iglesia en una colección pública europea.

El siguiente cuadro “La familia Hunter Blair”, obra de David Allan (1744-1796), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1785. Tiene unas medidas de 122 x 249 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

David Allan nació en Alloa, asistió a la Academia Foulis en Glasgow durante siete años. En 1767 se trasladó a Roma, donde vivió durante diez años; este fue el período más exitoso de su vida. En Roma Allan pintó cuadros ambiciosos históricos, retratos, caricaturas y escenas de género. A su regreso a Londres en 1777, pasó dos años tratando de establecerse a sí mismo. Sin éxito y enfermo, regresó a Escocia, donde se especializó en la pintura de los grupos familiares. También produjo ilustraciones de libros y fue nombrado maestro de la Academia de los Custodios en Edimburgo.

El siguiente cuadro “El General Sir David Baird descubriendo el cuerpo del sultán Sahib Tippoo”, obra de Sir David Wilkie (1785-1841), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1839. Tiene unas medidas de 348.5 x 267.90 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Este enorme cuadro fue encargado después de la muerte de Sir David Baird por su esposa la señora Baird como un monumento privado. Tardó cuatro años en completarse, y por semejanza póstuma del general. Baird había estado en la India con el ejército británico en 1779, y poco después de su llegada, fue hecho prisionero por Haidar Ali, el gobernante de la India de la Mysore Unido. Encarcelado por cuatro años, no quedó en libertad después de la firma del tratado de Mangalore. Baird permaneció en el ejército, volviendo a la India en 1791 para participar en la tercera fase de la Guerra Anglo-Mysore. Baird se vengó al derrotar al hijo de Haidar Ali, Tippoo Saib, en Seringapatam en 1792. Aquí, Baird se plantea simbólicamente por encima de la mazmorra en la que había estado preso.

El siguiente cuadro “Alejandro III de Escocia rescatado de un ciervo”, obra de Benjamin West (1738-1820), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1786. Tiene unas medidas de 366 x 521 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Estamos ante el lienzo más grande del museo, representa el estilo heroico y monumental de West. Se ilustra una leyenda en la que el primer jefe del clan Mackenzie salva la vida del rey escocés. Colin Fitzgerald se muestra a punto de lanza de un ciervo feroz que se había cebado con el rey de Escocia, Alejandro III, durante una expedición de caza. West incluye otros personajes con caballos y perros cuyas poses y gestos llamativos dinamizan el dramático momento. Francis Humberston Mackenzie se convirtió en jefe del clan Mackenzie en 1783 y encargó la pintura para conmemorar, en lugar visible, su ilustre antepasado.

El siguiente cuadro “Interior de la Galería Nacional de Escocia”, obra de Escuela de pintura escocesa, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1867. Tiene unas medidas de 50.5 x 61 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

El cuadro muestra como era la Galería Nacional en sus comienzos diseñada por William Henry en 1859. La escena del interior muestra algunos de los mejores cuadros y esculturas en su situación en la galería, además de estudiantes y profesores.

El siguiente cuadro “Retrato Anne Emily Sophia Grant”, obra de Sir Francis Grant (1803-1878), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1857. Tiene unas medidas de 223,5 x 132,3 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Afectuosa representación de Sir Francis Grant de su hija Margarita fue pintado en febrero de 1857, y la primera muestra en Escocia en el Royal Scottish Academy en 1859. Este retrato está en excelentes condiciones, y muestra al artista a la altura de sus habilidades. Fue pintado justo antes de la boda de Margarita con el Coronel William Markham.

El siguiente cuadro “Retrato Coronel Alastair Ranaldson Macdonell”, obra de Sir Henry Raeburn (1756-1823), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1812. Tiene unas medidas de 241,9 x 151,1 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Macdonell de Glengarry aparece, en este retrato, como la imagen perfecta de un jefe de la Montañas. Sin embargo, el apego romántico de Macdonell a los usos y costumbres de la cultura gaélica no le impidió desalojar a sus inquilinos para limpiar sus tierras para la cría de ovejas. El escritor Walter Scott era un amigo cercano, y probablemente estaba pensando en Macdonell cuando creó el personaje del jefe del clan jacobita.

El siguiente cuadro “Interior de la Galería Nacional de Escocia”, obra de Stanley Cursiter (1887-1979), realizado en papel, esta datado en 1938. Tiene unas medidas de 36,5 x 25,4 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Cursiter fue la último distinguido académico de la Royal Scottish para ser nombrado director de la Galería Nacional, una tradición que se remonta a la inauguración de la Galería Nacional (ahora Scottish National Gallery) en 1859. Esta es una serie de estudios pintados por Cursiter como Director (1930-1948), para la exploración de las ideas alternativas de combinaciones de colores interiores para poder colgar ciertos cuadros. Las columnas corintias y cúpulas poco profundas diseñado por Cursiter se retiraron en 1988, restaurando el interior en su aspecto original.

Pasamos a las Salas XIV al XVI, se encuentran en un apartado del piso superior, se accede por una escalera de caracol decorada con bustos clásicos. En las salas se muestran una gran variedad de obras de pequeño formato representativas de los más grandes artistas europeos del siglo XVIII y XIX.

El siguiente cuadro “La Crucifixión de San Pedro”, obra de Pierre-Hubert Subleyras (1699-1749), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1740. Tiene unas medidas de 46,7 x 31 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro es un pequeño boceto al óleo representa los primeras ideas de Subleyras para un retablo sugerido (nunca se llego a materializar) que representa la crucifixión de San Pedro, para ser colocado en la basílica del Vaticano.

El siguiente cuadro “Vista de la plaza de San Marcos, Venecia”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1775-1780. Tiene unas medidas de 55,2 x 85,4 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro de estilo vedute donde aparece la Plaza de San Marcos está dominado por la Basílica de San Marcos, con sus cúpulas y los mosaicos brillantes y el campanille. Guardi puede haber usado una cámara óptica, una caja de visión óptica en la que los espejos reflejan la escena exterior, para ayudar con la perspectiva dinámica de la plaza. Los edificios a ambos lados son las viejas y nuevas oficinas del gobierno veneciano: el Vecchie Procuradurías y Nuove. El pintor utiliza una la luz brillante y fuerte sombra para animar la escena y se rellena con una variedad de figuras descritas con unas pocas pinceladas directas.

El siguiente cuadro “La curación del ciego”, obra de Sebastiano Ricci (1659-1734), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1712-1716. Tiene unas medidas de 55,2 x 85,4 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro es de pequeño diseño algo poco inusual en la pintura de Sebastiano Ricci, manifiesta una equilibrada composición, de colores vivos cuenta con una arquitectura monumental y animado detalle. El lienzo fue propiedad del médico del rey Jorge II, el Dr. Richard Mead, y pudo haber sido pintado como un regalo, tal vez de un paciente agradecido.

El siguiente cuadro “San Giorgio Maggiore, Venecia”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1770. Tiene unas medidas de 49,5 x 40 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

San Giorgio Maggiore, una de las tres grandes iglesias diseñadas por el arquitecto Andrea Palladio en Venecia, está situado en un lugar prominente en una pequeña isla a través del Bacino di San Marco enfrente del palacio del Doge y la plaza de San Marcos. Fue construido entre 1566 y 1589, aunque la fachada no se completó hasta 1611.

El siguiente cuadro “Riva degli Schiavoni, Venecia”, obra de Antonio Canaletto (1697-1568), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1712. Tiene unas medidas de 44,45 x 74,93 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

La Riva degli Schiavoni es un encantador y animado paseo que se encuentra frente al mar en la cuenca de San Marcos en Venecia. El edificio fue construido en el siglo IX a partir de sedimentos de dragado y fue empleado para retener a los hombres eslavos que trajeron de carga a Venecia desde el otro lado del mar Adriático.

Los puestos de mercado que se agolpan en la zona probablemente tuvieron su inicio en el siglo XV, cuando los eslavos y griegos se trasladaron a la zona y se alinearían el paseo para vender su carne y pescado seco cerca del muelle. Hoy en día, los puestos están todavía presentes, aunque la carne y el pescado ya no son las mercancías actuales de venta. Lo que los visitantes encontrarán hoy en día es una variedad de aperitivos, pastas, dulces de todo tipo, y un montón de recuerdos de Venecia.

El siguiente cuadro “Santa María Della Salute, Venecia”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1770. Tiene unas medidas de 50.5 x 40.90 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Al fondo del cuadro se representa la elegante iglesia de Santa María de la Salud, con sus distintivos contrafuertes de la bóveda, se encuentra en la entrada oriental del Gran Canal y es la obra maestra de su arquitecto, Baldassare Longhena. Su construcción se inició en 1631, pero no se completó hasta 1687, después de la muerte del arquitecto. Se trata de una obra de madurez característica de Guardi, cuyos puntos de vista de Venecia pobladas por figuras vivas contrasta con la claridad cristalina de los paisajes urbanos de la atmósfera Canaletto.

El siguiente cuadro “Vista del Molo con la columna de san Teodoro, Venecia”, obra de Antonio Canaletto (1697-1568), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1712. Tiene unas medidas de 44,45 x 74,93 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Esta obra inspiro a muchos copistas eran pintores dedicados a replicar la obra de artistas que llegaron a gozar de gran popularidad. Durante el siglo XVIII se inició entre la aristocracia inglesa la costumbre de viajar a Italia en busca de las fuentes de la cultura clásica, lo que se conoció como el Grand Tour. El interés que produjeron entre los turistas ingleses, entre ellos el cónsul Joseph Smith, las vistas de Venecia realizadas por Canaletto, impulsó un mercado creciente.

El siguiente cuadro “Retrato Lesson Book”, obra de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1757. Tiene unas medidas de 62,50 x 49,00 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

En el cuadro se ve a un joven memorizando un libro y, literalmente, es un cuadro de concentración. Aunque Greuze pintó este cuadro cuando finalizaba su estancia en Italia y muestra la fuerte influencia de la pintura holandesa del siglo XVII. El pintor afirma el carácter tridimensional del niño en un espacio convincente a través de detalles tales como la manga y el libro se solapa el borde de la mesa. La obra consigue poner de manifiesto una serie de texturas como: la piel, el pelo, chaqueta, cuello y puños de la camisa del niño.

El siguiente cuadro “Una chica con un canario muerto”, obra de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1765. Tiene unas medidas de 53,30 x 46,00 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Esta pintura ovalada es típica de un modelo perfeccionado por Greuze, que juega en las emociones del espectador. Aquí se nos invita a simpatizar con la joven que esta pasando el duelo por su canario muerto. Tales sujetos tenían un gran atractivo para los contemporáneos de Greuze y la pintura atrajo mucha atención crítica cuando se exhibió en el Salón de 1765. Greuze hace hincapié en la expresión facial de la niña y también los contrastes de textura entre el pañuelo, las flores, la jaula de madera y el canario muerto. El Greuze esmalte amarillo que se usa se ha vuelto transparente con la edad por lo que el canario se muestra en blanco, y lo que debería ser follaje verde se ha vuelto azul.

El siguiente cuadro “Retrato de Mary Degg”, obra de Allam Ramsay (1713-1784), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1760. Tiene unas medidas de 73 x 63,5 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

María Degg era la hija del capitán William Degg, un oficial del ejército británico, y Catherine Meighen. La madre de María murió pocos meses después del nacimiento, y su padre se volvió a casar posteriormente durante su servicio en Irlanda. El 1 de enero de 1756, María se casó con Lord Robert Manners, y pocos días después de su boda, ella y su nuevo marido se presentaron al rey. María fue descrita como una gran belleza. Un retrato imponente de ella después de su muerte fue pintado por Sir Thomas Lawrence en 1826 y también se encuentra en la colección de la Galería Nacional de Escocia.

El siguiente cuadro “Baño de damas”, obra de Jean-Baptiste Pater (1695-1736), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1720. Tiene unas medidas de 58,6 x 71 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Jean-Baptiste fue un pintor francés de estilo rococó. Nacido en Valenciennes, era el hijo del escultor Antoine Pater y estudió con él antes de convertirse en un estudiante del pintor Jean-Baptiste Guía. Pater luego se trasladó a París, convirtiéndose brevemente en un alumno de Antoine Watteau en 1713. Watteau, a pesar de tratar mal a Pater, tenía una influencia significativa sobre él.

El siguiente cuadro “Retrato Teniente-Coronel George Lyon”, obra de Sir Henry Reaburn (1756-1823), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1788. Tiene unas medidas de 90,6 x 70,6 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

La modelo lleva el uniforme militar de los 11 Dragones Ligeros. No llegaría a alcanzar el rango de Teniente Coronel hasta 1798. Él tiene una cartera sobre sus rodillas, y esta dibujando como oficial del ejército, un logro fundamental para la grabación de fortificaciones y posiciones estratégicas.

El siguiente cuadro “Retrato Mary Nisbet”, obra de François-Pascal Simon Gerard (1770-1837), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1804. Tiene unas medidas de 64.38 x 54.60 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro representa a María Nisbet lleva un vestido de terciopelo azul que destaca de su piel clara. El artista ha definido cuidadosamente la delicada gola del cuello alto de encaje, los toques de oro en la decoración bordada y su joyería fina. El retrato fue pintado probablemente en París, donde el esposo de María, Thomas Bruce, era el séptimo conde de Elgin, fue embajador británico. Ella intercedió con éxito en su nombre cuando fue encarcelado en 1803, después de que Napoleón revocó el Tratado de Amiens, poniendo fin a la paz temporal entre Gran Bretaña y Francia.

Pasamos a las Salas XVII-XVIII, está dedicada al arte de los impresionistas franceses. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.

El siguiente cuadro “Iglesia de Vetheuil”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1878. Tiene unas medidas de 65.20 x 55.70 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Claude Monet en 1878 alquilo una casa en Vetheuil para tratar a su esposa Camille aquejada de una grave enfermedad. Camille murió al año siguiente, pero Monet permaneció en Vétheuil hasta 1881. Esta es una vista tomada desde el oeste de la iglesia románica del siglo XIII que domina el pueblo. Fue pintada poco después de la llegada de la familia Monet. Aunque el pintor se sentía atraído por la iglesia debido no por su aspecto pintoresco o su arquitectura, sino por los efectos ópticos de la luz y de tiempo en el edificio en diferentes momentos del día. Obsesivamente persiguió este estudio de luz para el resto de su carrera, y fue para volver a la pintura de fachadas eclesiásticas con su célebre serie de la catedral de Rouen, en la década de 1890.

El siguiente cuadro “Dique Molesey, Hamton Court”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1874. Tiene unas medidas de 51.10 x 68.80 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Sisley le gustaba pintar el agua, en este cuadro hace una captura espléndidamente de la espuma que se crea gracias a la fuerza del río que se desliza sobre el muro del primer plano o brota más allá a través de la barrera. La presa rompe el flujo del río Támesis para crear una cuenca de flotación y para dirigir el agua hacia la presa de Molesey. El pintor representa la vista de aguas arriba del puente de Hampton Court, al oeste de Londres, con la isla de Ash y la orilla norte del Támesis. El grupo de bañistas incluido en la parte izquierda ofrece el interés humano y un sentido de la escala, mientras se combina perfectamente con la escena del río.

El siguiente cuadro “Niño Pobre”, obra de Jules Bastien- Lepage (1848-1884), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882. Tiene unas medidas de 132.10 x 89.50 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Un muchacho joven mira directamente en la pintura está vestido con ropas harapientas y grandes botas desatadas. Su aire relajado encaja con el título que es una abreviatura de la jerga francesa: “Il n'y a pas Meche” que significa: No hacer nada. El látigo es un signo, y el cuerno colgado en la espalda sugieren que era un niño barcaza que habría controlado los caballos que tiran de la barcaza. La pintura fue hecha por los comerciantes de arte de Londres Arthur Tooth and Sons y fue incluido en la exposición conmemorativa del artista celebrada en París en 1885.

El siguiente cuadro “Paisaje sobre el Sena y Suresnes”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1880. Tiene unas medidas de 65.3 x 46.4 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Sisley pintó esta escena del río Sena en Suresnes a principios de 1880, cuando aún vivía en las cercanías de Sèvres. Pintó otras dos versiones de este punto de vista, tal vez a modo de despedida a la zona, ya que quería pasar por la localidad de Veneux-Nadon cerca de Moret-sur-Loing. Suresnes estaba cerca de París, justo al oeste del Bois de Boulogne. Sisley concentra todos los efectos de la luz opaca y el frío de la atmósfera de invierno en el paisaje. La vasta extensión de cielo gris, nublado sólo es interrumpida por las columnas de humo de las chimeneas de la fábrica a la izquierda. El pintor estaba fascinado por los aspectos fugaces de la luz y la atmósfera en este momento, y fue, sin duda, atraído por la escena, ya que le permitió representar elementos transitorios tales como las nubes y el humo.

El siguiente cuadro “Barcos en un puerto”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1873. Tiene unas medidas de 71.20 x 54.00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Monet pintó probablemente este trabajo en su ciudad natal de Le Havre, donde trabajaba en 1873. Las escenas portuarias eran mucho más pintadas por su amigo Boudin, pero mientras que Boudin estaba más interesado en topográfica con vistas marinas, Monet se ha centrado aquí en tan sólo tres naves y sus reflejos en el agua. En esta pintura, el casco del barco situado en medio está siendo objeto de reparaciones a su popa. Un número de trabajadores vestidos con monos azules están situados alrededor de una plataforma flotante de madera, lo que les permite preparar el enorme barco para la navegación marítima. Monet pintó varias vistas del puerto entre 1872-73, uno de los cuales era su famoso “Impresión: Amanecer”, que dio lugar a la expresión referida al arte: “Impresionismo”.

El siguiente cuadro “Un río y una garganta en la montaña”, obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1872-1873. Tiene unas medidas de 81,40 x 64,70 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Desde mediados de los años 1860 Courbet produjo una serie de paisajes que muestran la espectacularidad de su ciudad natal de Ornans en las montañas del Jura. La ubicación exacta de este cuadro no ha sido identificada, pero es de suponer el curso superior del río Doubs o uno de sus afluentes, como el Loue o la Conche. Courbet fue fascinado por las enormes cascadas y gargantas profundas que se formaron en las rocas de piedra caliza. Él viajo hasta las montañas para pintar al aire libre, utilizando su burro Jérôme para llevar sus materiales. La vista inflexible de Courbet de la naturaleza y la técnica audaz, haciendo uso frecuente de la espátula, tuvo una influencia importante en la próxima generación de paisajistas, en particular los jóvenes impresionistas.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer campesina”, obra de Vincent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885. Tiene unas medidas de 46.40 x 35.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa la cara de una mujer campesina lleva un tocado que enmarca su rostro, y se destaca del fondo oscuro de esta imagen pequeña. Pertenece a una de una serie de estudios de Van Gogh realizadas en relación con una pintura más grande “Los comedores de la patata” (Vincent van Gogh Museum, Ámsterdam), completado, en mayo de 1885. En gran parte autodidacta Van Gogh, en estas primeras pinturas de campesinos holandeses. La pintura refleja un color oscuro y sombrío que refleja su estado de ánimo, además de las duras vidas de sus modelos. Los pintó mientras vivía con sus padres en Nuenen, Holanda del Sur.

El siguiente cuadro “En el Amstel”, obra de Jacob Maris (1837-1894), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885. Tiene unas medidas de 94.00 x 125.40 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Maris realizó su primera visita a Ámsterdam poco después de su regreso a Holanda desde París. Él parece estar fascinado por los puntos de vista de los edificios a lo largo del río, y cómo se reflejan en el agua. Durante este período, Ámsterdam fue objeto de importantes transformaciones: viejos canales fueron rellenados para trazar calles, los puentes se redujeron para dar cabida a los nuevos tranvías, y la vista de la ciudad desde el río estaba siendo destruida por la construcción de la nueva estación central de trenes (1882-1889), que redujo la ciudad fuera de las aguas abiertas. Maris era conocido por su enfoque casual casi de precisión topográfica, sin embargo, parece haber ignorado deliberadamente la invasión de la vida moderna en la ciudad, y se concentró en cambio en una visión más tranquila y nostálgica de los edificios más antiguos.

El siguiente cuadro “La Ola”, obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1869. Tiene unas medidas de 46.00 x 55.00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Gustave Courbet durante su vida artística estuvo fascinado por el poder del mar. Pasó el verano de 1869 en la costa de Normandía, pintó varios cuadros de las olas rompiendo en la orilla. La pequeña escala de su tela no inhibió su capacidad de transmitir la vasta extensión del cielo de tormenta y el mar. Courbet aplicada en la pintura densamente usando cepillo y vigorosos golpes de la paleta-cuchillo que complementan la vigorosa oleada de la onda. El motivo de la onda solo se inspiró en impresiones del color japoneses, que eran ampliamente estudiados en París en la década de 1860.

El siguiente cuadro “Los árboles en la nieve”, obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1865. Tiene unas medidas de 72.30 x 91.50 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Courbet primero comenzó a pintar escenas de nieve en el invierno de 1856 a 1857, pero fue sólo en la década de 1860 que desarrolló un fuerte interés por este tema. Estaba, sin duda inspirado por el paisaje de su natal Condado Franco, que sufrió particularmente fuertes caídas de nieve en el invierno de 1866-1867. El motivo del primer plano de dos árboles de haya se repite en una serie de pinturas de Courbet a partir desde 1858 hasta 1866. Es muy probable que esta imagen muestre un paisaje imaginario, en lugar de representar un paisaje real, en el que se reutilizaron elementos del paisaje favorito como las hayas. Las escenas de nieve de Courbet fueron una fuente de inspiración para los impresionistas, especialmente Sisley, Monet y Pissarro.

El siguiente cuadro “Jardín en la cocina del Hermitage, Pontoise”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1874. Tiene unas medidas de 72.70 x 84.20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro está dominado por la luz del sol de otoño que impregna el lugar donde trabajan los cultivos en las huertas. El tema de Pissarro contemporáneo, es el uso de colores brillantes, evita los tonos oscuros y la pincelada sin embargo es fluida, rompe con todas las características de la pintura impresionista. La imagen está fechada en 1874, el año de la primera exposición impresionista. Pissarro y familia regresaron a Pontoise, al noroeste de París, en 1872.

La siguiente escultura “Gran Arabesco”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en bronce, esta datado en 1882. Tiene unas medidas de 40.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Degas observa con frecuencia los bailarines de la Ópera de París, y estaba fascinado por su gracia y disciplina. En esta escultura, Degas trabaja sobre la figura de una bailarina practicando el “penchée arabesque”, una posición que requiere un gran control. La bailarina debe mantenerse constante en un pie mientras levanta la otra pierna tan alta y tan recta como sea posible. Degas hizo el modelo de cera original entre 1882 y 1895. Tras la muerte de Degas, Adrien Hébrard-Aurélien hizo de bronce la figura, y se designa a cada uno una letra del alfabeto entre A y T. Este molde se inscribe con la letra “G” y el número 17. Este número se refiere a la tirada; todos los moldes hechos de HEBRARD sobre los modelos de las bailarinas de Degas se numeran del 1 al 37.

El siguiente cuadro “Montones de heno”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1891. Tiene unas medidas de 65,00 x 92,00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Los colores complementarios aplicados en este lienzo son naranja y azul que enriquecen las formas sólidas y las sombras de los montones de heno en la nieve. Se detuvieron en un campo justo al oeste de la casa de Monet en Giverny, donde estableció sus famosos jardines con los lirios de agua. Monet convenció al agricultor de la zona para dejar las pilas para el otoño y el invierno relativamente suave de 1890 para que pudiera pintar una serie de cuadros. Él combinó el trabajo fuera de las puertas de su casa con algunos de estudio y produjo al menos treinta pinturas de los montones de heno en diferentes luces. Su lírica, casi abstracta, la calidad influyó en muchos artistas posteriores.

El siguiente cuadro “La señora Agnew de Lochnaw”, obra de John Singer Sargent (1856-1925), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892-1893. Tiene unas medidas de 127 x 101 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa el cuerpo de la Señora Agnew tiene una mirada directa y una pose informal, enfatizado por la tela que fluye y la faja de su vestido lila garantiza un impacto notable del retrato. Andrew Noel Agnew, un abogado que había heredado el título de barón y las fincas de Lochnaw en Galloway, encargó esta pintura de su joven esposa, Gertrudis Vernon (1864-1932), en 1892.

El siguiente cuadro “Álamos en el río Epte”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1891. Tiene unas medidas de 81.80 x 81.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Los álamos elegantes en las orillas del río Epte, visto contra un cielo azul de un verano irregular, se fusionan con su imagen reflejada en una red de pinceladas de colores brillantes. Esta es una obra de la célebre serie de Monet de pinturas hechas de álamo entre la primavera y el otoño de 1891, el año después de que se había instalado en Giverny. Usó un barco como estudio flotante y capturó maravillosamente los efectos brillantes de la luz del sol sobre el agua. Los árboles estaban listos para ser vendidos para la madera, pero Monet, en asociación con un comerciante de madera, los árboles comprados en una subasta para que pudiera continuar pintándoles.

La siguiente pintura “Mujer secándose”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1890. Tiene unas medidas de 64.40 x 62.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Durante los años 1880 y 1890, Degas hizo una serie de desnudos femeninos solitarios visto desde atrás. Muchos de estos grandes pasteles estaban densamente trabajados utilizando fuertes fondos de color contra el que se recortaba la figura. Los colores pastel habían sido tradicionalmente un medio de menor importancia, pero los experimentos audaces de Degas ampliado en gran medida su potencial. Aquí, los trazos de tiza agitados dan la impresión de que Degas estaba trabajando a gran velocidad, lo que hace que la superficie de la composición parece parpadear. A pesar de la aparente informalidad del sujeto, el modelo se habría planteado a propósito. Se la puede haber sacado de la vida en el estudio, o han trabajado mediante una fotografía, ya que esta postura se repite en otras obras.

La siguiente escultura “Una madre con niño”, obra de Auguste Rodin (1840-1917), realizado en mármol, esta datado en 1906. Tiene unas medidas de 60,96 x 48,26 x 30,48 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

En 1885, cuando Rodin hizo esta escultura, que estaba demostrando un renovado interés en el tema de la maternidad. Rodin tenía poco contacto con su primer hijo (nacido en 1866) de su amante Rose Beuret. Cuando llegó a hacer esta escultura, ya estaba en pleno proceso de una nueva historia de amor con el joven artista Camille Claudel. Se ha sugerido plausiblemente que ella dio a luz a dos niños de Rodin, lo que puede explicar su interés por la madre y el niño que sujeta en este momento. El pintor a menudo produce una serie de variaciones sobre un tema en particular.

La siguiente pintura “Visión de un sermón”, obra de Paul Gauguin (1848-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1888. Tiene unas medidas de 52.20 x 91.00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro fue realizado en 1888 en Pont-Aven, Bretaña, es una de las más famosas obras de Gauguin. Las mujeres bretonas, están vestidas con el traje regional, están escuchando un sermón basado en un pasaje de la Biblia. Génesis (32: 22-32) relata la historia de Jacob, que, después de vadear el río Jaboc con su familia, pasó toda la noche luchando con un ángel misterioso. En una carta que el artista escribió a Van Gogh, dijo: Para mí el paisaje y la lucha sólo existen en la imaginación de las personas que rezan después del sermón.

La siguiente pintura “Retrato de Diego Martelli”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1879. Tiene unas medidas de 110.40 x 99.80 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro de Degas representa a su amigo Diego Martelli. El punto de vista convencional parece enfatizar el voluminoso tamaño de Martelli, especialmente en lo que se equilibra precariamente en un taburete de madera. Los objetos de la mesa, probablemente, pertenecían a la crítica del arte florentino que era partidario de un grupo de artistas italianos conocidos como los Macchiaioli, algunos de los cuales fueron influenciados por el impresionismo. Degas incluye a menudo los objetos en sus retratos que expresan algo sobre la vida de la modelo. La parte inferior de un mapa circular multicolor de París es visible en la pared del fondo. Un ligero bosquejo del lápiz de Martelli está en la colección de la Galería Nacional de Escocia

La siguiente escultura “La bañera”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en bronce, esta datado en 1889. Tiene unas medidas de 22,20 x 45,70 x 42,00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Esta pequeña escultura de bronce muestra a una muchacha joven que se lava suavemente a sí misma en un cuenco poco profundo. Degas empezó modelando la figura en cera de color rojo oscuro y yeso. Después de la muerte de Degas, este molde fue descubierto en su estudio y fundido en bronce. La Galería Nacional de la versión de Escocia es uno de los veintidós moldes que se hicieron.

La siguiente pintura “Tres tahitianos”, obra de Paul Gauguin (1848-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1899. Tiene unas medidas de 73 x 94 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa las figuras de tres cuartos que destacan contra un fondo vivo de gran colorido. Dos mujeres que flanquean un hombre joven, visto desde atrás. Pueden ser ofreciéndole una elección, posiblemente entre el vicio, simbolizada por la manzana, y la virtud, simbolizado por las flores. Esta sugerencia se vincula con el carácter alegórico de muchas de las pinturas tahitianas de Gauguin en el que las ideas de diferentes culturas se fusionan. Gauguin utiliza las mismas dos mujeres jóvenes como modelos en otras pinturas realizadas en la misma época, durante su segundo periodo en Tahití 1895-1901.

La siguiente pintura “Luzerne, Saint Denis”, obra de Georges Seurat (1859-1891), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1884-1885. Tiene unas medidas de 65.30 x 81.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro tiene una forma de trabajar especial de Seurat con el uso de pinceladas cortas, sin mezclar, fuertemente coloreados ha creado una obra viva y vibrante. Los edificios y casas rurales distantes se ven a través de un campo de alfalfa (Luzerne), marcada en todo momento por las flores rojas de la amapola. Esto es parte de la amplia llanura, que en el siglo XIX, todavía separaba París de Saint-Denis (ahora un barrio al norte de la capital). Es un ejemplo fascinante de la técnica de la pintura de Seurat había desarrollado, llamado “divisionismo” o “puntillismo”.

El siguiente cuadro “Prado en Giverny”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885. Tiene unas medidas de 76.20 x 91.44 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Monet, que rompió con las técnicas pictóricas establecidas, supo captar los efímeros efectos de las horas del día, la atmósfera y las estaciones sobre el color y la luz. Su arte, al igual que un prisma, descomponía el color en elementos individuales y nunca utilizaba el negro o los tonos grisáceos. Pintaba con frecuencia los mismos lugares para representar los cambios de luz y las condiciones atmosféricas.

El siguiente cuadro “Grandes árboles”, obra de Paul Cézanne (1839-1906), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1902. Tiene unas medidas de 81 x 65 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Estamos ante una obra tardía de Cézanne, esta composición presenta un primer plano de árboles, ricos en color y con una estructura casi geométricas. El árbol delgado en posición central llama la atención en la pintura entre los troncos oscuros y entrelazadas ramas de arriba. Cézanne establece los intervalos espaciales entre los árboles, mientras que su integración en una red colorida por pinceladas, que hace hincapié en la superficie plana de la pintura. Áreas de lona blanca pueden haber sido dejado deliberadamente sin pintar para contribuir al personaje lleno de luz, y la propia lírica de la imagen.

El siguiente cuadro “Tres olivos”, obra de Vincent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1889. Tiene unas medidas de 51,00 x 65.20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

La pincelada retorciéndose de los colores estridentes contribuye al fuerte impacto de la pintura. Van Gogh estaba fascinado por las estructuras retorcidas y cambiantes de los colores de olivos. También era plenamente consciente de su asociación con la historia de la pasión de Cristo y el episodio de Cristo en el huerto de Getsemaní en el Monte de los Olivos. Este cuadro es uno de al menos catorce lienzos de olivos de Van Gogh pintado mientras estaba en el asilo de Saint-Remy, y su carácter intenso bien puede reflejar estado agitado de la mente del artista.

Pasamos a las salas de la parte baja del museo Sala B1-B7, se trata de una exposición dedicada completamente al arte de la pintura escocesa que abarca el periodo desde el siglo XVII al siglo XX.

El siguiente cuadro “Retrato de Helen Sowerby”, obra de Sir James Guthrie (1859-1930), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882. Tiene unas medidas de 161,00 x 61,20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro es un retrato de cuerpo entero que refleja la fascinación contemporánea con grabados japoneses. Margaret Helen Sowerby era la hija mayor de JG Sowerby, presidente de Ellison fábrica de vidrio de Sowerby en Tyneside, el mayor productor del mundo de artículos de vidrio prensado. Parece que Guthrie fue introducido en Sowerby por su amigo y compañero “Glasgow Boy” Joseph Crawhal.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer mayor”, obra de John Alexander (1686-1765), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1736. Tiene unas medidas de 161,00 x 61,20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

La fecha de 1736 está inscrita en el reverso de la tela este retrato coincide con la fecha en que Alexander llegó a Escocia tras su regreso a Gran Bretaña desde que se marchó a Italia en 1720. Su mecenazgo aristocrático permaneció concentrado en el noreste de Escocia, que le obligaba a operar desde su estudio en Edimburgo como retratista itinerante a lo largo de la década de 1720 y la década de 1730. En 1933. Se ha identificado provisionalmente el personaje retratado como Helen Taylor, también conocida como Lady Braco, es apoyado por la comparación con un retrato que se hizo ella en la vejez y fue pintado por William Mosman en 1738.

El siguiente cuadro “Retrato de Anna Harker”, obra de David Allan (1744-1796), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1779. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

David Allan fue un pintor escocés, conocido sobre todo por temas históricos. Nacido en Alloa, cuando dejó la academia de pintura de Foulis en Glasgow (1762), después de siete años de estudio exitoso, obtuvo el mecenazgo de Lord Cathcart y de Erskine de Mar, en cuya finca había nacido. Erskine le posibilitó viajar a Roma (1764), donde permaneció varios años ocupado principalmente en copiar a los antiguos maestros.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos del museo “Reverendo Dr. Robert Walker patinando sobre Duddingston Loch”, obra de Sir Henry Raeburn (1756-1823), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1795; tiene unas medidas de 76.20 x 63.50 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Este patinador tan sereno se piensa que es el reverendo Robert Walker, ministro de la Iglesia de Canongate y miembro de la Sociedad de patinaje de Edimburgo. El club es el más antiguo de su tipo en Gran Bretaña, por lo general se reunió en los lagos congelados de Duddingston o Lochend en las afueras de Edimburgo. La pose de Walker, mientras se desliza a través del hielo, se ve sin esfuerzo, pero habría sido reconocido por sus compañeros patinadores como una maniobra difícil y sofisticada. Esta pequeña imagen, que muestra una figura en acción, es muy diferente a otros retratos conocidos por Raeburn.

El siguiente cuadro “Lutero en Erfurt”, obra de Sir Joseph Noel Paton (1821-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1861; tiene unas medidas de 121.5 x 99.20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Esta composición elaborada fue influenciada por Holman Hunt en el cuadro “El despertar de la conciencia” (Tate, Londres). Representa Lutero después de pasar por una crisis y por el cuestionamiento de la propia fe. La agonía de Cristo en el jardín, se representa en el atril, se hace eco de las propias incertidumbres de Lutero, mientras que al fondo sobre la pared se puede ver un tondo con la figura del Papa, colgado con el fin de ocultar un mural de Cristo crucificado, alude a las prácticas corruptas de la Iglesia contra la cual el reformador se rebela.

El siguiente cuadro “La disputa de Oberón y Titania”, obra de Sir Joseph Noel Paton (1821-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1850; tiene unas medidas de 99 x 152 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

La pintura es una interpretación imaginativa de un incidente en la obra de Shakespeare “El sueño de una noche de verano. Donde Oberon y Titania, rey y la reina de las hadas, pelea por la posesión de un niño cambiado (un niño humano, llevado al reino de las hadas y que sustituye por un niño de hadas). Las principales figuras están rodeados por una multitud de criaturas más pequeñas hadas, algunos de forma grotesca, otros más bellas, cuyo carácter sobrenatural excusado su apariencia y comportamiento sensual.

El siguiente cuadro “Reconciliación de Oberón y Titania”, obra de Sir Joseph Noel Paton (1821-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1847; tiene unas medidas de 76 x 122.60 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa como Oberon y Titania están reunidos y punto de resolver la confusión inducida por el arte de la magia entre los dos amantes humanos mostrados para dormir separados.

El siguiente cuadro “Francesca da Rimini”, obra de William Dyce (1806-1864), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1837; tiene unas medidas de 142 x 176 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Su tema fue inspirado por los malogrados amantes descritos por Dante en su poema épico “El Infierno”. Donde Francesca, está casada con un anciano marido y deforme Gianciotto, la llegada de su hermano más joven Paolo y se enamoraron. Gianciotto sorprendió a los amantes y los asesinó. Él se incluyó originalmente en la composición de Dyce.

Aquí damos por terminado la visita a este impresionante museo, nunca habíamos imagino que este galería pudiera atesorar este repaso tan importante que hemos hecho por la historia de la pintura desde sus principios de los maestros de la pintura italiana para llegar a la pintura escocesa.

Son las 17,00 horas ya no hay ninguna posibilidad de visitar mucho más, la verdad es que llevamos todo el día metidos en el interior del museo y cuando salimos no conocemos nada de la ciudad.

Decidimos subir hacia la parte más alta para poder ver el interior de la catedral de Edimburgo. Pero antes, ya que estamos en la puerta, admiramos el monumento gótico dedicado del escritor Sir Walter Scott.

Es un monumento victoriano de estilo neo gótico, está coronado con un gran pináculo, con las paredes de piedra ennegrecidas que resguardan la escultura blanca del poeta. El momento está decorado con 68 estatuas figurativas. En las pilastras inferiores hay dieciocho cabezas que representan a poetas y escritores escoceses: James Hogg; Robert Burns; Robert Fergusson; Allan Ramsay; George Buchanan; Sir David Lindsay; Robert Tannahill; Lord Byron; Tobias Smollett; James Beattie; James Thomson, John Home; María, reina de los escoceses; el rey James I de Escocia; el rey Jaime V de Escocia; y William Drummond.

A su lado está la figura ennegrecida y cubierta de verdín de David Livingston, fue un explorador y misionero escocés que se ha quedado petrificado en la ciudad y solamente sirve de parada para las gaviotas en la concurrida avenida de Princess Street.

Nada más salir a la calle nos damos cuenta que estamos en la capital mundial de los artistas callejeros, enfrente de la Galería Nacional de Pintura hay un espacio que es ocupado de forma espontánea por estos artistas, tocan su canción favorita, pasan la gorra y se marchan a otra cosa mariposa. Da igual el país o qué tipo de arte expresen, puedes escuchar un grupo de música escocesa con gaitas y dos minutos después una imitación de tambores lejanos de oriente, pero sin ojos rasgados.

Pues nada… vamos a andar el resto de la tarde. Para empezar cogemos la empinada calle de The Mound que nos conduce a los ennegrecidos edificios de piedra, aquí todo lo construido en piedra es negro, ignoro si es por la contaminación, por la luz o bien porque la piedra es de ese color. Esta calle comunica con la N Bank Street que también tiene una pendiente considerable, por fin llegamos a la calle perpendicular que es una de las más importantes porque atraviesa Edimburgo de este a oeste y se llama Lawnmarket, durante el trayecto de menos de un kilómetro ya tenemos varios kilos de estos papeles de publicidad que se llaman flyers, dicen que la ciudad de Edimburgo debe tener la mayor rotativa del mundo dedicada a la publicidad callejera, además como no hay papeleras pues no la puedes tirar, yo las voy acumulando para pasárselas a mi mujer en colecciones de 10 en 10 pero el problema es que vamos cuatro y a cada uno nos dan un ejemplar de cada publicidad, es tan amplia y variada que va desde la nueva atracción llamada Britannia, donde se explora la recreación del palacio flotante de la Reina; otra publicidad que nos llama la atención el World of Illusions, dicen que es una diversión interactiva para todas las edades, ¡vamos…! la zona de los espejos del parque de atracciones de Madrid. Si quieres visitar el jardín botánico con sus 28,32 hectáreas también tenemos un anuncio. No puedo olvidar las muchas recomendaciones de la “The Scotch Whisky Experience” o no te marches de la ciudad sin visitar el Greyfriars Boddy, el perro más famoso de Escocia por su fidelidad. En el apartado de espectáculos de miedo son tan variados los flyers que nos dan hasta miedo qué no sabríamos cual elegir: The Edinburgh Dungeon, el City of the Dead Tours, el Mary King’s Close; el Mercat Tours, todos tienen su propio stand con figurantes donde te promocionan las Giras Fantasmales. Sobre los flyers de restaurantes y casas de comidas mejor no tocarlo porque parece que Edimburgo es la feria de la gastronomía mundial y sus platos abarcan desde la India hasta Grecia sin paradas, no podemos olvidar el apartado dedicado a Serranos y Manchegos de la cocina española; en el apartado de fiestas sobresale los bares Latinos con sus fiestas hasta altas horas de la madrugada aquí es hasta las 3 a.m. En media hora que llevamos sueltos por la calles de Edimburgo estamos empezando a cogerla manía porque no tiene una papelera donde podamos depositar tanto flyers.

Otra de las leyendas que se han hecho famosas es que Edimburgo es la ciudad más traicionera del mundo porque puedes en un día disfrutar de las cuatro estaciones del año, la verdad es que nosotros solamente hemos disfrutado de dos, hemos salido en verano y a las 18,00 horas estamos en invierno y con manga corta, seguro que antes de marchamos pasamos por la primavera y el otoño para que saquemos el paraguas.

Ya he hablado de los artistas callejeros de Edimburgo pero según vamos andando vemos más y más… aquí los llaman perroflautas, no estoy muy de acuerdo con el adjetivo porque me parece un tanto despectivo, pero si, puedo afirmar sin temor a equivocarme que Edimburgo pude considerarse la capital, la Meca, para todo Artista Callejero Alternativo y estoy seguro que tienen como meta y será un pecado mortal no venir a Edimburgo alguna vez en su vida, y si Escocia no estuviera en una isla harían andando el camino de Santiago para llegar hasta este particular enclave presidido a su particular Hollywood.

Lo primero que vemos es el edificio de The Hub, tiene toda la pinta de una iglesia aunque nunca llegó a consagrarse. Fue construido entre 1842 y 1845, como el Victoria Hall, para albergar la Asamblea General de la Iglesia de Escocia. En 1999, el edificio fue transformado en el cubo, las oficinas y un espacio de actuación para el Festival Internacional de Edimburgo. El edificio es una impresionante combinación de galardonado diseño contemporáneo y la arquitectura de estilo victoriano clásico.

Seguimos la misma calle hasta llegar a un extremo donde cambia de nombre, aunque se trata de la misma, ahora se llama High Street. Ante nuestros ojos aparece un ensanchamiento con forma de plaza ocupada por la Catedral de San Giles, destaca por su cúpula central con forma de corona.

La entrada a la catedral es gratuita, aunque se puede hacer una donación de 3 libras, lo que si es obligatorio el pago de 2 libras para poder sacar fotografías en su interior, imagino que es para la compra del copyright y poder disponer de los derechos de autor de las vidrieras, esculturas, capiteles, etc, recomiendo pagarlo porque es muy poca cantidad de dinero y son muy puntillosos los celadores en ver si portas la pegatina que acredita haber pasado por caja. El horario de visita es de 9,00 horas a 19,00 horas, por eso es recomendable dejar la visita para cuando cierran los museos y no sabes que hacer.

La catedral de Edimburgo se empezó a construir en el siglo XII, está dedicada a la veneración de San Giles, es el patrono de la ciudad y un santo muy apreciado por tullidos y leprosos. Oficialmente no tiene la categoría de catedral porque para la iglesia presbiteriana no existe esa categoría.

La visita a la catedral comienza por el pasillo de la derecha donde se encuentra el retrato realizado en bronce en bajo relieve del autor Robert Luis Stevenson (1850-1894), obra del escultor americano Augustus St. Gaudens, esta datado en el siglo XIX.

Robert Louis Balfour Stevenson fue un novelista, poeta y ensayista escocés. Su legado es una vasta obra que incluye crónicas de viaje, novelas de aventuras e históricas, así como lírica y ensayos. Se lo conoce principalmente por ser el autor de algunas de las historias fantásticas y de aventuras más clásicas de la literatura juvenil, como La isla del tesoro, la novela histórica La flecha negra y la popular novela de horror El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, dedicada al tema de los fenómenos de la personalidad escindida y que puede ser clasificada como novela psicológica de horror. Varias de sus novelas continúan siendo muy famosas y algunas de ellas han sido llevadas varias veces al cine del siglo XX, en parte adaptadas para niños.

Si continúas por la nave derecha llegas al Pasillo Santo de la Sangre, es una pequeña capilla que contiene el monumento a James Stewart, conde del Moray. Fue regente de Escocia a partir de 1567-1570 en que murió asesinado. Durante su entierro John Knox predicó un sermón conmovedor. En la parte baja de la escultura yaciente hay inscrito el poema escrito el día antes de su ejecución: Dispersa mis cenizas, espárcelas en el aire. Señor, usted sabe dónde están todos estos átomos, Tengo la esperanza de que una vez recuperará mi polvo, y confío que me alzará con los Justos.

En la ventana podemos ver el vitral donde se representa el sermón de John Knox. Tras conocer al reformista escocés George Wishart, Knox abandonó la fe católica y se adhirió al protestantismo. En 1546, el cardenal David Beaton, que ese mismo año había ordenado la ejecución de Wishart, fue asesinado en el castillo de St. Andrews. Knox se unió a los reformadores que habían encabezado la revuelta, predicó enardecidamente contra el «papismo» y, tras la toma del castillo por los franceses, fue llevado como galeote a Francia.

El primer día de marzo 1546 Wishart fue quemado en la hoguera en el Castillo de St. Andrews. Sus palabras mientras ardía en el fuego hoy son recordadas como las de un verdadero mártir de la fe: “Yo los perdono con todo mi corazón, ruego a Cristo también perdone a los que hoy, por ignorancia, me han condenado a muerte”.

Más adelante esta la zona donde se firmo El Convenio Nacional. En esta iglesia se firmó el importante Convenio Nacional (el National Covenant), en 1638, un manifiesto en el que un grupo de escoceses declararon su apoyo abierto a la renuncia al papado y la reforma del culto propiciada por el clérigo John Knox y sus seguidores; una firma que llevaría a muchos de ellos a la persecución y a la muerte, y finalmente al establecimiento de la iglesia protestante en Escocia.

El órgano de la catedral ocupa un lugar destacado de la nave derecha, fue creado por Rieger de Austria e instalado en 1992. Hay un panel que presionando el botón se ilumina el interior.

Siguiendo llegamos al pasillo de Chepman tiene un elaborado monumento (1888) dedicado a James Graham, Marqués de Montrose, fue el líder de la causa real en el conflicto religioso civil de los años 1640. Lo ejecutaron en 1650, y más tarde fue sepultado en la cripta debajo del pasillo.

Hay un gran pasillo se llama de Preston, es una capilla grande donde se encuentran colgadas las banderas heráldicas de los Caballeros del Cardo, Fue construido en 1454 para acomodar la famosa reliquia de Edimburgo, el hueso del brazo de St. Giles, y como el monumento al hombre que lo dono a la ciudad sir William Preston. La reliquia fue perdida en los disturbios de la reforma en 1560.

El pasillo comunica con el portal que da entrada a la capilla de la Orden del Cardo. Es considerada como uno de los honores más altos del país pertenecer a la orden de caballería de Escocia.

El orden del cardo tiene sus raíces en la Edad Media, pero la orden fue presentada en 1687 por el rey Jaime VII de Escocia (rey James II de Inglaterra). La nave de Holyrood Abbey fue adaptado como su capilla, pero en 1688 la abadía fue saqueada por los disturbios de Edimburgo, furiosos por la lealtad católica Rey James. Después de eso, los caballeros del Cardo no tenían capilla durante más de 200 años.

La Capilla del Cardo fue diseñada por Robert Lorimer y terminó en 1911. Contiene una sillería para 16 miembros, el puesto del Sovereign y dos puestos reservados para los reyes. La capilla contiene una gran riqueza de detalles, tanto religiosa como heráldica, y gran parte de ella peculiarmente refiere la historia de Escocia, incluyendo los ángeles tocando la gaita.

A lo largo de los lados de la capilla están la sillería para los caballeros, los cuales están limitados por marquesinas ricamente talladas con unos pináculos donde los caballeros se elevan por encima.

Entramos en la zona más antigua de la iglesia lo ocupa el Coro o presbiterio que fue construido entre 1320 y 1380, aquí se encuentran las únicas columnas que quedaron en pie de la antigua iglesia románica.

Caminando por la nave izquierda llegamos a la Capilla de Chambers, es el lugar donde se encuentra el monumento a William Chambers, editor y rector, emprendió la restauración de la catedral en 1872.

El siguiente espacio está dedicado a la Capilla de San Eloy, es el santo patrón del gremio medieval más importante de Edimburgo, el Hammermen (trabajadores del metal) quienes construyeron el altar y la capilla. Contiene el monumento de 1894 a Archibald Camphell, marqués de Argyll, enemigo de Montrose en 1640 y líder de la facción de oposición que apoyó el establecimiento de la iglesia convenida. También cayó en desgracia y fue ejecutado.

En un lugar destacado se encuentra la estatua dedicada a John Know, Ministro de St. Gile de 1559 a 1572, ya hemos visto que era un famoso predicador y un líder de la reforma de la iglesia Escocesa.

Siguiendo por la pared sur podemos ver la Capilla de Albany, fue construida en 1409, se asocia al duque de Albany y al cuarto conde de Douglas, los dos nobles más poderosos de Escocia, acusados de asesinar al heredero al trono.

La iglesia de San Giles tiene una excelente selección de vidrieras, las primeras fueron colocadas en 1873. Las más famosas son la hermosa ventana de Burne-Jones y el sorprendentemente y diferente vidriera del Gran Oeste que conmemora a Robert Burns, el poeta nacional de Escocia, y datada en 1985.

Durante la Edad Media, ya no quedaba ninguna vidriera en la iglesia, tan solo, unos pocos fragmentos diminutos que sobrevivieron a la Reforma. Éstos se pueden ver en dos de las ventanas del pasillo bajo. Los reformadores no estaban de acuerdo con las vidrieras, porque representaban a distintos santo e imágenes.

Quizás una de las vidrieras más bonitas se encuentra en la venta del este. Fue construida el 3 de noviembre de 1877, muy similar a la que tuvo la primera vez desde la Reforma. En la sección inferior, se representa la crucifixión, con la figura de Cristo en la cruz ocupa el centro. María Magdalena se arrodilla a sus pies, con la Virgen María y San Juan en el primer plano, mientras que los enemigos se burlan de Jesús en la parte de la derecha. En la parte superior de la ventana está la Ascensión, los apóstoles agrupados alrededor miran con asombro como Cristo se eleva vestido con túnicas brillantes hacia una gloria señalada en color oro. La tracería en la parte superior está lleno de ángeles.

La gran ventana del oeste, fue instalada en 1985, es la obra de la artista islandesa Leifur Breiðfjörð, una de sus más grandes de su género. Se representan temas principales dentro de la poesía de Robert Burns, en un estilo semi-abstracto. La sección más baja es principalmente verde, que representa el mundo natural que se describe tan amorosamente. La sección central contiene muchas figuras humanas, ya que conmemora la unidad humana, independientemente de su raza, color o credo. La tracería superior contiene un sol glorioso de amor, marcado con un color rojo.

Una de las más bellas ventanas en San Giles fue diseñada por el prerrafaelita artista Edward Burne-Jones, y fabricado en los talleres de William Morris. El vitral se sitúa en el extremo oeste de la catedral cerca del Pasillo Albany, en la sección superior muestra la Travesía del río Jordán, y retrata las figuras de tres grandes heroínas del Antiguo Testamento, en la parte baja: Miriam, Ruth y la hija de Jefté. Su nombre no es conocido, pero ella fue sacrificada por su padre a causa de un desafortunado voto que había hecho.

Saliendo a la calle, en la puerta de la catedral se halla la estatua de Adam Smith, esta impasible con el cabello manchado por las deposiciones de las gaviotas y palomas. Fue un economista y filósofo escocés, uno de los mayores exponentes de la economía clásica.

Adam Smith basaba su ideario en el sentido común. Frente al escepticismo, defendía el acceso cotidiano e inmediato a un mundo exterior independiente de la conciencia. Smith creía que el fundamento de la acción moral no se basa en normas ni en ideas nacionales, sino en sentimientos universales, comunes y propios de todos los seres humanos.

En 1776, publicó La riqueza de las naciones, sosteniendo que la riqueza procede del trabajo de la nación. El libro fue esencialmente un estudio acerca del proceso de creación y acumulación de la riqueza, temas ya abordados por los mercantilistas y fisiócratas, pero sin el carácter científico de la obra de Smith. Gracias a este trabajo, que fue el primer estudio completo y sistemático del tema, Smith se conoce como el padre de la economía.

Llegamos a una antigua iglesia se llamaba Tron Kirk desacralizada, ahora se ha convertido en el Royal Mile Market. El cambio ha sido radical su construcción es del siglo XVII ha estado impartiendo culto hasta el año 1952 en que cayó en desuso, y paso a ser el centro de información turística y ahora se dedica como un espacio diáfano como mercado.

El interior todavía conserva algunas de sus antiguas vidrieras que se mezclan con las más osadas pinturas actuales. El mercado está ocupado por antiguos miembros de una selección de Artistas Callejeros que fueron llevados desde la calle al interior de la iglesia hacia el capitalismo más racional. En definitiva, es un mercado de turistas para turistas, dicen que poca gente de Edimburgo ha entrado a ver este mercado.

Aquí damos por terminado nuestra primera estancia en Edimburgo, solamente nos queda regresar hasta la calle Princes Stret, hasta ahí llegamos guiados por los pináculos góticos del monumento a Scott, enfrente se encuentra la parada del bus donde cogemos la línea nº 44 que nos devuelve hasta el P+R+Bus donde pasáremos la noche.