Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

El siguiente cuadro “La Adoración de los pastores”, obra de Pietro Testa (1612-1650), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1638-1640. Tiene unas medidas de 88.3 x 125.50 cm.

Pietro Testa fue un artista italiano de la época barroca, apreciado principalmente por su actividad en el grabado y el dibujo. Es un nombre “de culto”, apenas popular en comparación con otros grabadores de calidad similar o incluso inferior. De carácter conflictivo, tuvo una agitada vida y murió ahogado en el río Tíber, seguramente por suicidio.

Testa siguió el precedente de Leonardo da Vinci en cuanto a la observación del paisaje y de los fenómenos naturales. Pasaba días enteros en el campo, observando y dibujando, lo que seguramente le restó tiempo para producir y perjudicó su salud.

La siguiente escultura “La Inmaculada Concepción”, obra de Giacomo Antonio Ponsonelli (1654-1735), realizado en mármol, esta datado en 1700. Tiene unas medidas de alto 113 cm.

Giacomo Antonio Ponsonelli comenzó a trabajar en su ciudad natal de Massa con su padre, John Ponsonelli, escultor y decorador, la realización de los primeros trabajos en Liguria en Finale Ligure y Savona. En 1680 se casó con la hija del escultor Filippo Parodi, pasando a vivir en Génova y empezando con el suegro una larga colaboración artística. Se especializó principalmente en el campo del retrato, acompañado del Parodi en Venecia y Padua, la ciudad en la que los dos realizan muchos trabajos entre 1685 y 1697. Durante este período, su trabajo fue fuertemente influenciado por el estilo Parodi, y su estrecha colaboración es difícil identificar con certeza las contribuciones de Ponsonelli las numerosas obras creadas durante este período.

El siguiente cuadro “Paisaje con Apolo y musas”, obra de Calude Lorrain (1600-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1653. Tiene unas medidas de 186 x 290 cm.

El cuadro muestra en la mitad izquierda una colina boscosa, representa una fusión de Helicón y Parnaso, una referencia de las montañas en la mitología griega que se asocian con la inspiración poética. Apolo está mostrado tocando su lira y está rodeado de sus nueve musas. Un número de poetas está vestido con una toga para tomar la difícil ascensión por el bosque para ser recibida por la figura de la Fama, que se sitúa en el umbral del templo en la cumbre de la colina. A continuación el templo, no es sólo posible distinguir el caballo alado Pegaso golpeando sus pezuñas contra una roca para liberar la fuente sagrada Hippocrene, la fuente de inspiración para poetas.

Las referencias a la fama, la inmortalidad y la creatividad a través de la composición habrían sido diseñadas para halagar al joven patrón de Claude que estaba fascinado por el mundo de la antigüedad clásica. Pero es la belleza del paisaje que se extiende más allá del dios del río que descansa en la mitad derecha de la imagen que capta nuestra atención. Los paisajes de Claude fueron creados en el estudio, pero utilizando dibujos y bocetos que realizó en los viajes al campo de Roma como una materia prima para futuras pinturas. Sus lienzos finales son evocaciones idealizadas, bajo los efectos de un sentido de anhelo por el mundo clásico. Sin embargo, de pie delante de este trabajo, es fácil entender cómo sus contemporáneos estaban igualmente sorprendidos por la luminosidad convincente y la frescura de su visión.

El siguiente cuadro “San Sebastian”, obra de Francesco Furini (1603-1646), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1640. Tiene unas medidas de 50,5 x 38,5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Francesco Furini fue un pintor barroco italiano, uno de los más relevantes de Florencia en el siglo XVII. Es un artista peculiar, pues produjo cuadros de un atrevido erotismo aún después de hacerse sacerdote.

Gran admirador de la escultura clásica, que había podido estudiar en las colecciones de los Medici de Florencia, visitó Roma en 1619, y allí conoció el tenebrismo de Caravaggio y sus seguidores. Entre ellos parece que tuvo una especial relación con Bartolomeo Manfredi y Giovanni da San Giovanni.

El siguiente cuadro “Cupido”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1618-1620. Tiene unas medidas de 70 x95 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro es un fragmento que originalmente formado la parte inferior derecha de la imagen más grande, una de las obras seculares raras de Procaccini. El manejo y la influencia en la pintura muestra el claro influjo de Rubens, en muchas de las obras Procaccini había estudiado en Génova. Una observación porque la aljaba y cortinas detrás fueron añadidas por una mano posterior.

El siguiente cuadro “La cocinera”, obra de Bernardo Strozzi (1581-1644), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630-1640. Tiene unas medidas de 174,60 x 160 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Esta pintura recientemente redescubierta es la segunda versión de Strozzi de “La Cuoca” (la cocinera) que se halla en el Palazzo Rosso, Génova. Este fue uno de los cuadros de género de moda a finales del siglo XVII. Estas pinturas formaban parte de un grupo de pinturas de género que Strozzi pintó en la década de 1620. La representación de escenas de la vida cotidiana era relativamente nueva en la pintura italiana, y representaciones de sirvientes, pastores y músicos rústicos de Strozzi se encuentran entre las contribuciones más memorables y novedosas a este nuevo género.

La siguiente escultura “El rapto de Proserpina”, obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1686), realizado en bronce, esta datado en 1680-1700. Tiene unas medidas de alto 56 cm.

La obra es una copia a pequeña escala realizada por Bernini de la escultura en mármol realizada en 1621.

Bernini fue un escultor extraordinariamente dotado, un arquitecto excepcional, y un diseñador urbano y pintor. Aprendió el arte de la escultura de su padre y contemporáneos asombrados por su virtuosismo y sofisticación técnica, que rivaliza con los escultores de la antigüedad clásica. Durante su larga y prolífica carrera trabajó para una sucesión de ocho papas al servicio de la Iglesia católica y para sus familias. Él disfrutó de una reputación internacional y más que cualquier otro artista, a él se debe la forma de gran parte de Roma tal como aparece en la actualidad.

El siguiente cuadro “Personificación Poética”, obra de Francesco Furini (1603-1646), realizado en óleo sobre papel y plancha de madera, esta datado en 1640. Tiene unas medidas de 41.4 x 34.5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

La obra de este pintor refleja la tensión entre el manierismo de Florencia, ya un tanto conservador, y las novedades del barroco. Abordó temas bíblicos y mitológicos con un sfumato muy efectista. Presenta ciertos paralelismos con Guido Reni.

Se describe el estilo artístico como «lleno de una sensualidad morbosa». Sus figuras femeninas frecuentemente desnudas contrastan con su sentimentalismo religioso.

La siguiente escultura “Monseñor Carlo Antonio del Pozzo”, obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1686), realizado en mármol, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de alto 82 x 70 cm.

La potencia de la detención y la vitalidad de este retrato son típicas de los logros de Bernini con dichas obras. Su cincelado es tan fino que el mármol parece adquirir las propiedades de la piel, pelo y seda. El pequeño giro a la cabeza y los hombros y los pliegues ondulantes y los botones mejoran su apariencia natural, a pesar de que fue tallada quince años después de la muerte de la modelo. Bernini hizo el busto para el sobrino del arzobispo, Cassiano dal Pozzo, alrededor de 1622-4. Era una de las figuras más distinguidas y solicitadas en la vida cultural de Roma. El busto fue presentado en una posición prominente en su palacio.

El siguiente cuadro “San Jerónimo”, obra de un seguidor de Pier Francesco Mola (1612-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670-1675. Tiene unas medidas de 61 x 79 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Pier Francesco Mola nació en el canto italiano de Suiza, fue un pintor italiano del Barroco, trabajo fundamentalmente en la escuela de Roma.

Su estilo fue suelto, con una paleta muy naturalista, y un manifiesto interés en la exploración de las posibilidades del paisaje. Mola se rebeló contra el imperante clasicismo de alta conceptualización teórica, típico de muchos pintores romanos contemporáneos, tales como Andrea Sacchi.

El siguiente cuadro “Retrato de Gian Lorenzo Bernini”, obra de Goivanni Battista Gaulli conocido como Baciccio (1639-1709), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670-1675. Tiene unas medidas de 94 x 74.5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro presenta una iluminación espectacular y con el fondo oscuro contribuyen al fuerte impacto del retrato. La pintura fue hecha en 1675, cuando Bernini estaba en sus finales de los setenta, y registra la imagen distinguida del escultor y arquitecto brillante y complejo. Baciccio, que según su biógrafo, alentó a sus modelos para moverse y hablar, mientras que los pintaba, ha capturado el estado de alerta del artista más viejo y el gesto de animación de la mano que emerge de los pliegues de la capa. Esta pintura se convirtió en el modelo para el frontispicio grabado con la biografía de Bernini de Baldinucci y para el retrato oficial de Bernini en la Academia Romana de San Lucas.

El siguiente cuadro “La Transfiguración”, obra de Ludovico Carracci (1555-1619), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1588. Tiene unas medidas de 102.5 x 83.4 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Esta pintura ilustra el episodio místico que describen en tres de los evangelios cuando Cristo demostró su naturaleza divina a sus discípulos Pedro, Santiago y Juan. En una montaña remota se transforma, apareciendo en una visión que se describe en el Antiguo Testamento conversando con los profetas Moisés y Elías, el rostro lo muestra radiante de luz y su ropa blanca deslumbrante. Los apóstoles están aturdidos postrados en el suelo en poses complicadas. Pintado hacia 1588, esta es una obra típicamente espiritual de Ludovico Carracci, que con sus primos más jóvenes Agostino y Annibale eran influyentes artistas en su natal Bolonia habían fundado una academia a principios de esa década.

El siguiente cuadro “El Infante Moisés con la corona del faraón”, obra de Guido Reni (1575-1642), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1638-1640. Tiene unas medidas de 132.2 x 172.2 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Los protagonistas del cuadro no están muy claros, pero parece ser que el infante de Moisés está sosteniendo la corona del faraón justo antes del pisoteo. Esta acción simboliza su rechazo de la regla de Pharoah sobre los israelitas exiliados. El color pastel pálido y líquido, incompleto, aparentemente sin terminar, la técnica empleada tiene características comunes de las últimas obras de Reni. Él puede haber tenido la intención de dar algunos detalles, como los pies estirados al joven Moisés, más acabado, pero esto no es en absoluto cierto. La planta de color marrón medio visible ayuda a definir las sombras y medios tonos. La pintura fue probablemente una de los que se quedaron en el estudio del artista cuando murió.

El siguiente cuadro “La Santa Trinidad”, obra de Simone Cantarini (1612-1648), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1645-1648. Tiene unas medidas de 190 x 126 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Simone Cantarini, también conocido como il Pesarese y Simone da Pesaro es un pintor y grabador italiano que vivió y trabajó durante el barroco.

En 1635 marcha a Bolonia con el propósito específico de conocer a Reni. Así ocurrió, y Cantarini entró a formar parte del extenso taller del boloñés. Sin embargo, pronto la relación entre ambos se deterioró de manera ostensible. El fuerte carácter de Cantarini y la confianza en su propio talento y capacidades le hicieron rebelarse contra una posición subalterna. La tensión fue creciendo entre maestro y pupilo hasta que un incidente provocó la ruptura definitiva: Reni enmendó ante el resto de sus compañeros una Transfiguración que Cantarini acababa de ejecutar para los Barberini.

El siguiente cuadro “San Antonio de Padua reanimando un hombre muerto”, obra de Andrea Sacchi (1599-1661), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635. Tiene unas medidas de 110.7 x 76.2 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra el momento que es sacado un muerto de la tumba, su color es amarillento, se coloca en la presencia de San Antonio que ante la gente le devuelve a la vida. Su fama de obrar actos prodigiosos nunca ha disminuido y aún en la actualidad es reconocido como el más grande taumaturgo de todos los tiempos.

El siguiente cuadro “San Pedro Penitente”, obra de Giovanni Francesco Barbieri es conocido como Guercino (1591-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1639. Tiene unas medidas de 103.7 x 85.8 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra la noche del arresto de Cristo, Pedro fue interrogado sobre si conocía a Jesús. Tres veces negó que él lo conociera, pero más tarde se lamentaban amargamente de su negación y se arrepintió, es el momento en que se muestra aquí. Esto es casi seguro que la pintura encargada en 1639 por el cardenal Ciriaco Rocci, legado papal de Ferrara, para los que se registra el pago en la cuenta del libro Guercino en abril de ese año. Un boceto preparatorio de la pintura está en el Museo Teylers de Haarlem y otras dos pinturas de Guercino de este tema son conocidos. Una réplica de este taller de composición se encuentra en el Palazzo Venezia, Roma.

El siguiente cuadro “Una Alegoría (fábula)”, obra de Domenico Theotokopoulos es conocido como El Greco (1541-1614), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1590. Tiene unas medidas de 67.3 x 88.6 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Este cuadro tuvo varias interpretaciones y copias, en este caso podemos ver el busto de un personaje (probablemente una mujer de piel oscura ocultando su pelo) con cuello blanco e imprecisa túnica parda; tiene en su mano izquierda un tizón al que sopla para prender una candela que sostiene con la derecha. Tras él, sobre su hombro, asoma un mono (colgado de una cadena apenas visible) que parece contribuir a avivar la llama soplando también. Al otro lado, en primer plano, se recorta, de perfil, un hombre, riendo, con manto amarillento y gorra de color rojo. Toda la pintura está resuelta con pinceladas sueltas y vibrantes.

El siguiente cuadro “San Cristóbal” obra de Orazio Borgianni (1578-1616), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1612-1615. Tiene unas medidas de 104 x 78 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro representa como en otras ocasiones la enorme figura de San Cristóbal se cierne sobre el fondo oscuro, como se inclina bajo el peso del diminuto niño de Jesús. Según la leyenda, fue sólo cuando Cristóbal llegó al otro lado del río, después de haber llevado a un niño al otro lado, cuando Cristo reveló su verdadera identidad. Explicó al santo que había estado llevando el peso del mundo sobre sus hombros. La configuración nocturna hace hincapié en la luz divina de Cristo y se suma al drama. Borgianni pintó varias versiones de esta composición.

El siguiente cuadro “Una anciana friendo huevos” obra de Diego Velázquez (1599-1660), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1618. Tiene unas medidas de 100.5 x 119.5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Velázquez tenía dieciocho o diecinueve años cuando pintó esta imagen tan notable. Demuestra claramente su talento para la pintura de género de las personas y los objetos cotidianos directamente de la vida. Su fascinación con materiales y texturas contrastantes y el juego de luces y sombras sobre superficies opacas y reflectantes dio lugar a pasajes brillantes de la pintura, especialmente los huevos para cocinar en aceite caliente y la variedad de utensilios domésticos. Al inicio de su carrera Velázquez pintó una serie de estas escenas de cocina o taberna, llamada “Bodegones españoles”.

El siguiente cuadro “La Virgen Inmaculada Concepción con San Joaquín y Santa Ana” obra de Francisco Zurbarán (1598-1664), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635-1640. Tiene unas medidas de 255.5 x 177 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

La Virgen María aparece en un pedestal con cabezas de querubines por encima de una luna creciente, bañado en luz dorada. Las figuras que la acompañan son sus padres, los Santos Joaquín y Ana. El tema de la Inmaculada Concepción se refiere a la propia concepción milagrosa de la Virgen en su madre en el vientre de Ana, no a la concepción de Cristo. Era un tema popular en Sevilla, pero la inclusión de los padres de la Virgen es inusual. Desde San Joaquín y Santa Ana fueron particularmente venerados por los monjes cartujos esta pintura puede haber sido hecho para un cartuja.

El siguiente cuadro “El Salvador del Mundo”, obra de Domenico Theotokopoulos es conocido como El Greco (1541-1614), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1600. Tiene unas medidas de 73 x 56,50 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro representa la figura de medio cuerpo de Cristo que mira directamente hacia nosotros con la mano derecha levantada en señal de bendición es una forma tradicional de composición. A pesar de una obra tardía, este lienzo recuerda la pintura de un icono bizantino realizada durante la juventud de El Greco. El artista incluye una esfera de cristal o de un globo terráqueo que representa el mundo; más habitualmente este tipo de imágenes se compone de un libro de escritura. Su pincelada es fluida y extensa utilizando del color blanco, admirablemente transmiten la idea de la luz divina. La pintura puede haber formado parte de una serie, popular en España, que representa a Cristo y los doce apóstoles.

El siguiente cuadro “Un filosofo” obra del taller de José Ribera conocido como El Españoleto (1591-1652), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630-1640. Tiene unas medidas de 126 x 93.4 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

José Ribera hizo muchos retratos de filósofos, se decía de él que cogía gentes de los bajos fondos de Nápoles para que sus rasgos fueran más naturales, en lugar de recrear un personaje su barroquismo daba miedo.

El siguiente cuadro “Herminia encuentra a Tancredo herido”, obra de Giovanni Francesco Barbieri es conocido como Guercino (1591-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650-1652. Tiene unas medidas de 244 x 297 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Este gran cuadro dramático ilustra una escena de un gran poema épico de Torquato Tasso sobre las cruzadas: “Gerusalemme Liberata” (Jerusalén Liberada) (1581). Herminia ha llevado al punto donde su amante Tancredo yace gravemente herido. Su escudero Vafrino se arrodilla sobre él. Las posturas complementarias, gestos y expresiones de los tres personajes reflejan sus emociones y la intensidad del momento. Las tonalidades sombrías del paisaje mejoran la gravedad del evento. Fabricio cardenal Savelli, era el legado papal de Bolonia, encargó la imagen en 1650, pero permitió que los duques de Mantua pudieran comprarlo antes al artista en 1652.

La siguiente escultura “La Beata Ludovica Albertoni”, obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1686), realizado en bronce, esta datado en 1670. Tiene unas medidas de alto 19 x 44 x17.6 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Es un replica en bronce de la famosa escultura de Ludovica Albertoni fue una mujer noble de Roma que ingresó en la Orden de los Franciscanos tras la muerte de su marido. Vivió una vida piadosa trabajando para los pobres bajo la protección de los padres franciscanos de la iglesia de San Francesco de Ripa, lugar éste donde fue enterrada a su muerte en el año 1533. Es recordada sobre todo por sus visiones místicas y con el paso de los años la iglesia de San Francesco se convirtió en lugar de culto a Ludovica siendo beatificada en 1671, año en el que la Familia Altieri decide construir una capilla dedicada a ella. Varios artistas presentaron sus proyectos pero finalmente fue a Bernini a quien se le encargó el trabajo que decidió aceptarlo sin cobrar.

El siguiente cuadro “Paisaje clásico”, obra de Gaspard Dughet es conocido como Gaspard Poussin (1615-1675), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1658. Tiene unas medidas de 244 x 297 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El carácter y la iluminación de esta escena pacífica fueron inspirados directamente por el paisaje y la arquitectura de la campiña romana. Las figuras, entre ellas la madre y el niño en el primer plano, el pescador en el lago y los de la barca más allá, fomentan la exploración del espacio de la imagen, proporcionando acentos de color y de luz, pero teniendo un punto puramente visual que sirve para un papel en la narrativa. Contribuyendo a la armonía global de la composición que cumple con el ideal clásico en su equilibrio con una cuidada estructura. Se considera que es una obra tardía del artista.

El siguiente cuadro “Moisés golpeando la roca”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1637. Tiene unas medidas de 98.5 x 136 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra el pasaje en que encuentran agua. Entonces Moisés y Aarón se apartaron del pueblo y fueron a la entrada del tabernáculo, donde pusieron el rostro sobre la tierra. Allí la presencia gloriosa del Señor se les apareció, y el Señor le dijo a Moisés: «Tú y Aarón tomen la vara y reúnan a toda la comunidad. En presencia de todo el pueblo, háblale a la roca y de ella brotará agua. De la roca proveerás suficiente agua para satisfacer a toda la comunidad y a sus animales

El siguiente cuadro “La Elevación de la Cruz”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1615. Tiene unas medidas de 218 x 148.6 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra una diagonal dramática con el cuerpo torturado de Cristo en la cruz, esto proporciona un enfoque poderoso para la composición cargada emocionalmente y físicamente de mucha energía. La iluminación teatral mejora el dolor y el poder de la escena, que ilumina, por ejemplo, las heridas de Cristo y la cara afligida de María. Los destellos de colores brillantes: azules profundos, rojos y verdes se suman a su impacto. El trabajo puede haber sido pintado como una de varias escenas de la pasión de Cristo, que Procaccini produjo entre 1615 y 1620. Su ubicación prevista y el posible patrón, sin embargo, no se conocen.

La sala VI del museo Muestran la serie titulada “Sacramentos” del pintor Nicolas Poussin. Los siete sacramentos fueron encargados por el amigo de Poussin el romano patrón Cassiano dal Pozzo a mediados de la década de 1630 como un conjunto, cada uno representa a los Sacramentos de la Iglesia Católica Romana. Consistían en los ritos: Bautismo, Confirmación, Eucaristía, Penitencia, Extremaunción, Ordenación y Matrimonio. Poussin y dal Pozzo recogieron las escenas de la vida cristiana que mejor ejemplifican los rituales de los sacramentos que ilustran con escenas del Nuevo Testamento, o en los primeros días del Cristianismo.

El siguiente cuadro “El Sacramento del Bautismo”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644-1648. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

La escena muestra a San Juan bautizando a Cristo en las orillas del río Jordán. La inclusión de las ruinas en el paisaje fue pensado para evocar el mundo antiguo y dar a la escena un entorno auténtico. El tema del bautismo de Cristo tenía una larga tradición visual, que Poussin habría sabido. De acuerdo con la convención, todos los centros de acción sobre la figura de Cristo y de San Juan, con la paloma del Espíritu Santo flotando por encima, ante el asombro de los tres hombres en el extremo derecho. El bautismo es el medio por el cual una persona entra en la fe cristiana, y es el primer sacramento que reciben. A través del acto del bautismo, los cristianos creen que una persona comienza su vida espiritual y son adoptados como hijos de Dios.