Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

La composición de esta pintura es compleja. Cabe señalar varios temas clave desde un punto central: un camino a la izquierda; otro que desciende hacia el centro de la casa; una pendiente que forma una curva que escapa a la derecha; las ramas de los árboles crecientes oblicuamente hacia arriba. Los planos están vinculados muy estrechamente.

La siguiente pintura “Los Pavos”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1877. Tiene unas medidas de 24 x 33 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

El lienzo es parte de un conjunto de pinturas de Monet pintó en 1877 durante su estancia en Montgeron, en Ernest Hoschede.

El cuadro está pintado desde el fondo del Parque del Castillo Rottembourg, propiedad Ernest Hoschede. Se puede ver el gran césped del parque, protagonizado por unos cuantos pavos, uno de ellos se le cortó el cuello al enmarcarlo. La composición está cerrada por el bosque que bordean el césped, y en la parte inferior de la fachada trasera del Castillo.

La siguiente pintura “El Almuerzo”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 24 x 33 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

El encanto del lienzo en su mayoría proviene impresión de la instantaneidad, el cuadro menciona una familia de la que sólo unos pocos datos. El lienzo representa el final de una comida. Aparece un sombrero colgando de una rama de un árbol, un bolso y un paraguas descansando en el banco parece haber sido olvidado allí. Bajo la fresca sombra del follaje, el pequeño Jean Monet juega tranquilamente con unos tablones de madera.

La siguiente pintura “Nieve en Louveciennes”, obra del pintor Alfred Sistey (1839-1899), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 60 x 50.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

La campaña de invierno llama especialmente a Sisley que pinta los cuadros donde sobresalen la tristeza y el carácter lamentable de la naturaleza. Su temperamento reservado y solitario se adapta mejor al misterio y el silencio en el resplandor de los paisajes mediterráneos soleados de por ejemplo la pintura de Renoir.

Al igual que Monet, Sisley sigue el ejemplo de Courbet pintando paisajes nevados. Este tema atrajo a los impresionistas, es porque les permite estudiar las variaciones de la luz y el juego de diferentes tonos en su paleta. A través de toques de color que están en el lienzo, el suelo no es uniforme blanco, tirando a un iridiscente azulado.

La siguiente pintura “Las barcas, regatas en Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1874. Tiene unas medidas de 60,5 x 105 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

Claude Monet vivió y trabajó en Argenteuil a partir de diciembre de 1871 a 1878 y la mitad de los 170 lienzos fueron pintados durante esta etapa a lo largo del Sena. Este período es un momento impresionista, único en la historia de la pintura, donde la luz es el principal objeto de atención de los pintores.

La siguiente pintura “La cuenca de Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 60 x 80,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

En el lado izquierdo de la composición está ocupado por el paseo por Argenteuil, marcada por las sombras de los árboles que se levanta a lo largo del paseo. En el fondo está el puente sobre la carretera con en cada uno de sus dos extremos, un pabellón de peaje. A la derecha, en primer plano aparece el pontón de una casa de baños y un lavadero. Una parte destacada del cuadro se da al cielo azul surcado por nubes. El puente lo pinta Monet con cinco arcos aunque en realidad tenía siete.

La siguiente pintura “Regatas en Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 48 x 75 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

El cuadro destaca por la calidad de la luz, el pintor ha observado, que está tratando de transmitir al espectador una serie de relaciones de valores y colores, hace que aumente el interés sobre el lienzo. Está pintado en un período impresionista, único en la historia de la pintura, donde la luz es el principal objeto de atención de los pintores, además los cambios sutiles en el color y la intensidad de la luz que tanto buscaron los impresionistas.

La siguiente pintura “Zaandam”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1871. Tiene unas medidas de 47,8 x 73 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Monet se quedaría en Zaandam más de cuatro meses y produjo unos veinticinco cuadros. Pintó sobre todo el río se enfrenta al Zaan, a menudo con molinos o pequeños barcos de vela, algunas vistas al puerto y un retrato de la señorita Guurtje de la ciudad. También visitó un par de veces Ámsterdam, donde entre sus clientes se incluyen el Museo Nacional.

La siguiente pintura “Lilas, tiempo gris”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872-1873. Tiene unas medidas de 50,2 x 65,2 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Monet inserta al hombre en este colorido paisaje en el jardín de Giverny, lo que demuestra que la naturaleza tiene la ventaja sobre la figura humana. Los tres personajes están sentados a la sombra del color lilas y apenas se adivina; el pintor uso los colores oscuros (marrón, gris) para representarlos, que se fusionaría por completo en el fondo, solamente destaca el vestido blanco de la mujer no se siente atraído por el ojo del grupo pequeño en el centro de la parte inferior de la tabla.

La siguiente pintura “El puente de ferrocarril en Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873-1874. Tiene unas medidas de 54 x 71 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

La tabla representa las orillas del Sena, al pie del puente de la carretera en Argenteuil, que une Gennevilliers en Argenteuil, en el lienzo se ve el río y sobre el puente se adivina la máquina de tren por el vapor en el cielo.

La siguiente pintura “Cazando mariposas”, obra de la pintora Berthe Morisot (1841-1895), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1874. Tiene unas medidas de 46 x 56 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

En París, el Impresionismo estaba en su pleno apogeo, cuando cuatro pintoras alcanzan alturas de la excelencia artística. Se trata de Berthe Morisot, Mary Cassatt, Eva González y Marie Bracquemond. Teniendo en cuenta los prejuicios que eran sometidas las mujeres en el siglo XIX, se puede entender la fuerza de la convicción de que tenían que hacer valer dentro del grupo impresionista y serán aceptadas por los críticos, momento en que mujeres no podían ser admitidas en la Escuela de Bellas Artes.

La siguiente pintura “Vista de Saint Denis”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 61 x 81 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Este cuadro es un verdadero trabajo todavía discutido y abandonado a mitad de camino casi una obra sin terminar. Monet es sin duda el hombre que más contribuyó a persuadir al público de que la palabra “Impresionismo” exclusivamente significaba una pintura permanece en el estado de rudimento confuso, de un vago contorno.

La siguiente pintura “Barco anclado”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada entre 1871 y 1872. Tiene unas medidas de 48 x 75 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El barco que Monet retrato es una gran chalupa del siglo XVIII en la región de Normandía, hacia el trayecto entre Burdeos y Nantes. Era un gran velero dedicado a la carga sobre todo al transporte de pescado entre diferentes puertos de Francia.

La siguiente pintura “Amapolas”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

En este lienzo Monet diluye los contornos y contribuyó a crear un ritmo de color por medio de un paisaje de amapolas, en el primer plano, pone manchas rojas para crear una primacía visual. Así construye un primer paso hacia la abstracción que luego formaría parte de un estilo pictórico.

En este paisaje, la madre y el niño describen el primer y segundo plano son más que un pretexto para el establecimiento de una estructura oblicua. Dos áreas separadas desde la perspectiva creando una gama de colores que definen el cuadro, mayoritariamente está dominada por el color rojo, el otro por un color verde azulado. La mujer joven con un parasol y el niño en el primer plano son, probablemente, Camila, la esposa del artista, y su hijo Jean.

La siguiente pintura “Acuchilladores de parquet”, obra del pintor Gustave Caillebotte (1848-1894), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1875. Tiene unas medidas de 102 x 146,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

La composición es similar al de la obra fotográfica (líneas fluidas, encuadre, iluminación desequilibrada en contra la luz, perspectiva inusual a pesar de su exactitud, dando la impresión de que el suelo está inclinado y los raspadores brazos se alargan) es una de principales razones de su éxito temprano.

La siguiente pintura “Planchadoras”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1884 y 1886. Tiene unas medidas de 76 x 81,5 cm. Se exhibe en la Sala nº 30.

La elección de este tema se hace eco del naturalismo y las preocupaciones sociales de algunos artistas contemporáneos en la pintura, y también se produce en la literatura. Donde se puede ver la miseria de la gente de París. En las convulsiones de trabajo, superando la fatiga, estas planchadoras donde Degas refleja la mirada dura pero no sin ternura que el artista parecía estar dentro del grupo alineado con la clase obrera.

La siguiente pintura “La Place des Pirámides”, obra de Giuseppe de Nittis (1846-1884), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1875. Tiene unas medidas de 92,3 x 75 cm. Se exhibe en la Sala nº 30.

Giuseppe de Nittis se marcha al extranjero para hacerse famoso como un gran pintor vuelve a la ciudad de París y se instala en al avenue du Bois (hoy avenida Foch), nada más llegar anunció su ruptura con la pintura oficial. A partir de ese momento se dedica a pintar el paisaje de las calles de París y de otras grandes ciudades.

La siguiente pintura “Los descargadores de carbón”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1875. Tiene unas medidas de 54 x 66 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El cuadro no se puede considerar como una crítica social, el punto de vista es una expresión del paisaje urbano para dejar patente un espectáculo banal y de la vida cotidiana. Pero los tonos apagados de gris a verde, dan a la escena un ambiente apagado. Las siluetas contra la luz, despersonalizada, dispuestas en líneas paralelas al ritmo mecánico de las puertas, son también una imagen de la tristeza de las condiciones de trabajo de una parte de la sociedad de la época.

La siguiente pintura “La calle Montorgueil, en París el día 30 de junio de 1878”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre tabla, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 81 x 50 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El cuadro ofrece la visión distante de un paisaje urbano, por un pintor que no se mezcla con la muchedumbre, sino que observa la escena desde la ventana. Los tres colores que Monet hace vibrar son los de la Francia moderna.

La técnica impresionista con sus múltiples pinceladas de colores sugiere la animación de la muchedumbre y las banderas flotando al viento.

La siguiente pintura “La estación Saint-Lazare”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1877. Tiene unas medidas de 75 x 104 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo. Es considerada entre las diez obras maestras del museo.

La estación Saint-Lazare es una serie de doce telas de la estación parisina de Saint-Lazare, realizadas por Claude Monet, cuando se interesó por la vida moderna de su tiempo tras haberse dedicado a la pintura de los paisajes rurales.

Monet hizo doce pinturas de la estación en diversas condiciones atmosféricas y desde diferentes puntos de vista. Él comento: “Pensé que no sería banal estudiar en diferentes horas del día el mismo motivo y notar los efectos de luz que modificaban de una manera tan perceptible, de hora en hora, la apariencia y los colores del edificio”.

La siguiente pintura “Las Tullerias”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1876. Tiene unas medidas de 75,5 x 68,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Monet nos presenta una panorámica perfectamente difuminada del Jardín de las Tullerias en París. Fueron muchos artistas de la época que se fijaron en este rincón de la capital para dar forma sus lienzos, quizás atraídos por los restos de un convulso pasado político.

La siguiente pintura “Victoria Dubourg”, obra del pintor Henri Fatin-Latour (1836-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 92.5 x 76 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

Victoria Dabourg conoció a Manet en 1860, con el que se hizo amigo e inspiró sus primeros trabajos. En 1866, mientras se estaba copiando las obras maestras del Louvre, conoció a Henri Fantin-Latour, con quien se casó 15 de de noviembre de, 1876. Esta sirvió de modelo al pintor en algunas de sus mejores obras pictóricas.

La siguiente pintura “Henri Cordier”, obra del pintor Gustave Caillebotte (1848-1894), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 65 x 82 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

Uno de los aspectos más agradables de la obra de Caillebotte es la serie de retratos de personalidades de su rico entorno. La identidad de muchos de éstos se ha perdido hoy, pero no el de Henri Cordier (1849-1925), un especialista en asuntos chinos, y como profesor de la historia, la geografía y la legislación de los países del Lejano Oriente en la Escuela de Oriental idiomas en París.

Cordier vivía en China de 1869 a 1876. Ha sido editada una bibliografía de obras sobre el Imperio Chino, su Biblioteca Sínica, publicada entre 1878 y 1895, y fue uno de los fundadores, en 1882, de la Revue d'Extreme Orient. La Gran Enciclopedia también nos dice que fue galardonado con un tercer grado de la clase de chino mandarín.

No sabemos cómo Caillebotte y Cordier se conocieron, pero sin duda eran amigos, aunque el artista nunca aceptó encargos de retratos, ya que no tenía necesidad de vender sus pinturas para vivir. Aquí, Caillebotte opta por centrarse en el lado intelectual de Cordier. Está representado en la concentración profunda, rodeado de libros, con la escritura ocupada en una posición mal definida.

La siguiente pintura “Un rincón del apartamento”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1875. Tiene unas medidas de 81.5 x 60.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

En 1878 Monet reside en Argenteuil, una ciudad cerca de París. Durante este período pinta diferentes cuadros de su esposa Camilla, acompañado por su hijo mayor Jean nació en 1867. Aquí aparece dentro de la segunda casa que tuvo Monet en Argenteuil, con el fondo se ve en la oscuridad, probablemente la figura de Camille sentada sobre una mesa redonda.

La siguiente pintura “Stephane Mallermé”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1893), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1876. Tiene unas medidas de 27.5 x 36 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

Este retrato, pintado en 1876 data de la publicación de La Siesta de un Fauno de Mallarmé, un largo poema ilustrado con grabados de Manet. El año anterior, el pintor y el escritor ya habían estrechado lazos para la publicación de una traducción ilustrada del Cuervo de Edgar Allan Poe.

Su amistad procede de 1873 y durante casi 10 años, ambos hombres se ven a diario, para hablar de pintura, literatura, nueva estética, pero también de gatos y de moda femenina. Como lo hizo antes con Zola en 1866, Manet emprende este retrato para agradecerle la publicación de un artículo, impreso en una revista inglesa. Mallarmé era docente de inglés en el Liceo Condorcet. En este artículo había elogiado la pintura de Manet y situado al pintor en cabeza del movimiento impresionista.

La siguiente pintura “La Señora Jeantaud delante del espejo”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1875. Tiene unas medidas de 76 x 85.5 cm. Se exhibe en la Sala nº 32.

El cuadro representa el realismo familiar y cómodo de esta pintura es característico de los retratos de la década de 1870, pero la composición es del todo original. De hecho, la mujer es presentada de perfil y casi perdida, el modelo aparece tres cuartas partes del cuerpo, y parece que echar un vistazo en el espejo antes de salir. Por consiguiente, su reflexión se enfrenta al espectador y parece mirarlo.

La siguiente pintura “Charlotte Dubourg”, obra del pintor Henri Fatin-Latour (1836-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 118 x 92.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXII del Museo.

Esta tabla es sin duda el retrato más ambicioso que Fantin-Latour que había hecho a su hermanastra, tanto por su tamaño como por cuidado de la escena. La pose de la mujer joven en el sofá rojo acompañada por un pequeño perro negro. Su atención parece dibujada por algún evento de alto nivel para inmovilizar el momento.

El siguiente cuadro “Moret, al borde del río Loing”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892. Tiene unas medidas de 60.5 x 73.5cm. Se exhibe en la Sala XXXII del museo.

En 1880 se produce una gran oportunidad en la vida de Sisley y en su obra. El pintor abandona la Seine-et-Oise, donde vivió y trabajó desde 1871 para instalarse en Seine-et-Marne, donde eligió para vivir hasta su muerte en 1899. Se instaló permanentemente en Moret-sur-Loing en septiembre de 1882, probablemente atraídos por la singularidad de esta ciudad y su ubicación privilegiada a orillas del Loing.

El siguiente cuadro “La Mezquita”, obra de Auguste Renoir (1841-1919), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1881. Tiene unas medidas de 73.5 x 92 cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Parece que el cuadro fue realizado en Argel, en el escenario de antiguas murallas turcas destruidas durante varias décadas antes por el ejército francés. La escena está llena de personajes, la alegre multitud que se congregaba alrededor de cinco músicos. A lo lejos las cúpulas y minaretes de la Kasbah aparecen, con vistas a las aguas azules del Mediterráneo.

El siguiente cuadro “Un rincón en el bosque de Sablons”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1883. Tiene unas medidas de 60.5 x 73.5cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Hasta 1870, Sisley pintó en su estudio de París, en su taller dibujo sujetos en la capital y sus alrededores. La invasión de Prusia le obliga a marcharse de París hasta huir e hizo su primera visita a Louveciennes donde consigue retratar una serie de paisajes donde los efectos de la guerra no estuvieran presentes.

El siguiente cuadro “La Pastora”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1881. Tiene unas medidas de 81 x 64.8. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Jacob Abraham Camille Pissarro nació en St. Thomas (Islas Vírgenes) el 10 de julio de 1830 y murió en París el 13 de de noviembre de 1903. Es un pintor impresionista y neo-impresionista francés original, Dinamarca.

Conocido como uno de los mejores pintores del Impresionismo, pintó la vida rural francesa, particularmente paisajes y escenas de campesinos que trabajan en los campos, pero también es famoso por sus escenas de Montmartre, y escenas de todo el Louvre y las Tullerías.

La siguiente pintura “El efecto nieve en Vetheuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878-1879. Tiene unas medidas de 52.2 x 71 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

Esta obra pertenece a una serie que pintó Claude Monet sobre el momento de la nevada en Vetheuil, que sufrió tras las grandes heladas del invierno de 1879. El pintor, que siempre manifestó un vivo interés por la representación efímera y cambiante, se proponía captar el momento en que el hielo se quebraba en pedazos y la corriente lo arrastraba río abajo.

El siguiente cuadro “Corral de Saint-Mammes”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1884. Tiene unas medidas de 73.9 x 92.9 cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Entre 1880 y 1894, Sisley frecuento los muelles y el borde de la ciudad de Saint-Mammes. Allí pintó más de doscientos de sus pinturas representan alguna parte de Saint-Mammès o de su municipio. En el cuadro se representa el corral de una antigua posada situada cerca del muelle.

El siguiente cuadro “Joven campesino hace fuego”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1888. Tiene unas medidas de 92.8 x 92.5 cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Cuando pintó este cuadro, Pissarro sigue siendo un importante representante del movimiento impresionista de la que es uno de los fundadores. Sin embargo, a partir de 1886, estaba más interesado en la investigación de los jóvenes artistas.

La siguiente pintura “Mujer con un paraguas hacia la izquierda”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1886. Tiene unas medidas de 131 x 88.7 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

Cuando decide pintar un modelo, Monet no se puede disociar el paisaje circundante. Este retrato etéreo es un testimonio de amor, tanto por la naturaleza como por Suzanne, su hija favorita.

La siguiente pintura “Mujer con un paraguas hacia la derecha”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1886. Tiene unas medidas de 131 x 88.7 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

El cuadro está pintado en Giverny, al regresar de un paseo, Monet vio a su hijastra, Suzanne Hoschedé, en lo alto de una ladera rodeada de ortigas.

Suzanne Hoschedé, que entonces tenía dieciocho años, será el último modelo de Monet, que, desde hace muchos años, se estaba dedicando principalmente al estudio de la luz en los paisajes.

La siguiente pintura “Una Olimpia moderna”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873-1874. Tiene unas medidas de 46 x 55 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

Las primeras obras de Cézanne, fueron ejecutadas en colores oscuros, fuertemente inspiradas por los antiguos maestros y en las composiciones de Delacroix, Daumier y Courbet. Característico de este período, era una pintura de 1870 donde ya mostraba Olympia moderna. En respuesta a la gran lienzo de Manet que causó un escándalo en el Salón de 1865.

El siguiente cuadro “Vista del canal Saint-Martin”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1870. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se exhibe en la Sala XXXV del museo.

Sisley dedica su pintura en la ciudad de París y alguna de sus obras en el canal Saint-Martin, es un canal de 4,55 Km. de longitud (2 de ellos subterráneos) situado en París. Recorre los distritos X y XI. Fue creado en sus orígenes para traer agua potable a la capital. Su inauguración se produjo en 1825. Está compuesto de nueve esclusas y dos puentes giratorios, su desnivel total es de 25 metros.

La siguiente pintura “Crisantemos”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 54.3 x 65.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

En este caso Monet pinta una naturaleza muerta con un jarrón y un gran ramo de crisantemos donde se destaca el color más que la forma, está realizada en exterior siguiendo en énfasis del pleinerismo, pintura realizada al aire libre.

La siguiente pintura “Joven maquillándose”, obra del pintor Berthe Morisot (1841-1895), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1877. Tiene unas medidas de 46 x 39 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

El cuadro representa una escena de la vida cotidiana dentro de la clase burguesa. Esta mujer lleva joyas que muestra que lleva una vida fácil. El lugar donde está ubicado es un lugar íntimo, por ejemplo, su habitación. Tenemos problemas para distinguir el fondo, esto es debido al efecto del impresionismo, las líneas no están claras. Los colores cálidos dominan con naranja, oro, marrón, y distintas variantes del color blanco, lo que representa la pureza y la belleza de las mujeres. Es una pintura luminosa donde la luz se dirige hacia el personaje.

La siguiente pintura “Joven en el jardín”, obra del pintor Mary Cassatt (1844-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada entre 1880-1882. Tiene unas medidas de 92 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

Una paleta brillante claro no habla del buen trabajo de Mary Cassatt, pintor estadounidense que introdujo el impresionismo a los aficionados y coleccionistas al otro lado del Atlántico. Gran amigo de Degas, participó en las exposiciones impresionistas a partir de 1879.

Se puede considerar un retrato, la mayoría son de mujeres y niños inmortalizados en la intimidad de su vida cotidiana, son frecuentes en su obra. La muchacha en el jardín, también llamada: Costura de la mujer, representa con la originalidad: la figura de una joven al aire libre.

La siguiente pintura “Playa de Etretat”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1883. Tiene unas medidas de 66 x 81.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

La región de Etretat costa retiene la atención de Monet desde el invierno 1868-1869. Entonces, el artista regresa cada año desde 1883 a 1886. Al igual que muchos artistas, como Gustave Courbet, Monet fue cautivado por el aspecto pintoresco del lugar. También en este lugar se inspira unas cincuenta pinturas.

La siguiente pintura “El puente de Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1874. Tiene unas medidas de 60.3 x 80 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

En 1874, es la fecha de la primera exposición impresionista, donde aparece el puente de Argenteuil, fue pintado siete veces desde diferentes puntos por Claude Monet. El puente con la vía férrea se extiende por el Sena aguas arriba del pueblo, y este tramo fue pintado cuatro veces. Esto significa que el artista está jugando en contrapunto a la fluidez de ríos con la masa geométrica del puente y sus pilares en el que encuentra múltiples reflexiones.

Aquí el primer plano está ocupado por yates amarrados. Los efectos de la luz en los mástiles, sino también en los tejados de los edificios visibles en la orilla en el fondo, permiten juegos de colores complementarios (naranja y azul) que aumentan la intensidad de la luz.

El siguiente cuadro “Mañana soleada, otoño”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1897. Tiene unas medidas de 54.5 x 65 cm. Se exhibe en la Sala XXXV del museo.

Camille Pissarro introduce en el arte de los elementos innovadores que han hecho posible la conquista escénica de algunos fenómenos atmosféricos hasta ahora no han sido expresados, una penetración más íntima y profunda de la naturaleza. Por lo tanto, se ha ampliado el campo de los sueños, después de haber sido uno de los primeros –la primera quizá– para comprender e innovar el gran hecho de la pintura contemporánea, donde la mayoría de los pintores intentan representar la luz.

La siguiente pintura “El Arroyo de Robec”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

El Robec es un pequeño río del Sena Marítimo, un afluente del Sena, cerca de la Aubette sur y Cailly noroeste.

El cuadro representaba una zona todavía rural donde al fondo Monet pinta las chimeneas de las nuevas instalaciones industriales, a la derecha se encontraban las antiguas casas del pueblo y a la izquierda los edificios levantados que correspondían con los antiguos molinos de agua.

La siguiente pintura “Bailarinas azules”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1893. Tiene unas medidas de 85.3 x 75.3 cm. Se exhibe en la Sala XXXVI.

Degas se encuentra muy influenciado por el mundo de la danza, creó su primera obra dedicada a su nueva pasión en 1872: “La antesala de la Danse”. Produjo una serie de pinturas dedicadas al ballet, la danza y bailarines.

Además de la fantasía que le ofrece este entorno, se ve un campo de estudio de acuerdo con su concepción de la pintura: el movimiento, composición general, el ritmo. Se interesa por todo lo que representa: las sesiones de ejercicio, ensayos, la atmósfera entre bastidores y espectáculos.

La siguiente pintura “Granjero sentado”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1900-1904. Tiene unas medidas de 73.3 x 60.3 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

Paul Cézanne en su búsqueda de escenarios hace una viaje a las raíces retratando gentes del mundo rural, en este caso es un granjero que se muestra en su entorno con un único apero de su garrota en primer plano, sus manos son firmes, trabajadas y alargadas.

La siguiente pintura “Golfo de Marsella desde el estanque”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878-1879. Tiene unas medidas de 58 x 72 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

Cézanne emplea un encuadre panorámico, utilizando un punto de vista elevado como si estuviera asomado a una terraza o desde una ventana. La vista panorámica desde el entorno del lago al fondo las montañas, estructurando todas ellas a través del color, quien se convierte en el vehículo unificador y constructor de la obra de Cézanne.

La siguiente pintura “Puente de Maincy”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1879. Tiene unas medidas de 58.5 x 72.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

Cuando la influencia del pintor sale del mundo de los impresionistas, realiza pequeños cuadros que están salpicados de brillo. Hace sentir el flujo de aire a través del espacio y juegos de agua creando reflexiones múltiples. Sin embargo, las claves largas y rectas que teje en la composición sensual de los trabajos posteriores.

La siguiente pintura “Manzanas y naranjas”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1899. Tiene unas medidas de 74 x 93 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

La composición es un ejercicio de investigación esencial para Cézanne; en esta tabla, es evidente que la vista contiene una intención estética diferente; Se traza una línea diagonal desde la parte inferior de la mesa, pero no alcanza el borde derecho, deteniéndose antes de llegar a ella, esta es la línea de la superficie de una mesa de madera. Cézanne parece exagerar sus puntos de vista, pero su intención no es estética, es por ello muestra una sensación: la de la altura y de elevación, pero esto a través de un tema que es de las cosas de pequeño tamaño.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con cebollas”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1896-1898. Tiene unas medidas de 66 x 82 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

El cuadro es una naturaleza muerta que además de las cebollas, cuya forma esférica se presta a la investigación sobre el volumen, Cézanne representa algunos objetos simples. Además del cuchillo, hay una botella, un vaso y un plato. El uso repetido de tales accesorios en sus naturalezas muertas revela el pintor centra su interés en el diseño de objetos, el tratamiento del espacio y examina el impacto de la luz sobre las formas.

La siguiente pintura “Los Jugadores de cartas”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890-1895. Tiene unas medidas de 66 x 82 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

El cuadro tiene todos los volúmenes definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz. Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha.

La siguiente pintura “Montaña Sainte Victoire”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Pertenece al género del paisaje. El tema de la pintura es la montaña Sainte-Victoire en Provenza en el sur de Francia. Cézanne pasó mucho tiempo en Aix-en-Provence en aquella época, y desarrolló una relación especial con el paisaje. Esta montaña en particular, que destacaba en el paisaje que lo rodeaba, la podía ver desde su casa, y la pintó en numerosas ocasiones.

La siguiente pintura “Gustave Geffroy”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1895-1896. Tiene unas medidas de 110 x 89 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Gustave Geffroy escribió varios artículos alabando la pintura de Cézanne, en este cuadro se representa formando un fuerte triángulo en el centro de la mesa. La decoración está formada por libros, tinta, rosa, una estatuilla de Rodin, gracias a esta información se identifica las actividades y los gustos del personaje, sin hacer referencia a la existencia de una colisión.

Además, la agradecida simpatía de Cézanne fue dando paso a la irritación por lo que su modelo demasiado ecléctico en sus gustos artísticos y demasiado poco respetuoso con la religión.

La siguiente pintura “La mujer y la cafetera”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890-1895. Tiene unas medidas de 97 x 31 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Cézanne en este lienzo no hace una reproducción exacta, siguiendo el modelo fotográfico. El pintor ha querido experimentar las leyes de su pintura, para construir la verdad con sus propios medios artísticos, a la altura de su período de “constructivo” (los componentes estrictamente verticales de los objetos adecuados se oponen a los poco verticales reclinados a la izquierda situados de parte posterior).

La siguiente pintura “La mesa de cocina”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888-1890. Tiene unas medidas de 65 x 81.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Cézanne concede una inusual importancia dada por Cézanne a esta naturaleza muerta fue pintada en el taller del pintor y para descubrir algunos de sus objetos familiares: una gama de colores y tinta colocados en la parte superior del cuadro en el lado izquierdo; una cortina, una silla y, a la derecha, el pie de otra silla. Sobre la mesa, en el centro de la obra, la composición obedece a la forma triangular. Se puede ver manzanas, peras, una cesta y algunos botes que se encuentran en muchas de sus naturalezas muertas, un gran mantel blanco y un misterioso limón.

La siguiente pintura “La rueda”, obra del pintor Edouard Vuillard (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1907-1908. Tiene unas medidas de 235 x 165 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Este cuadro revela una nueva atención del pintor por la naturaleza que es una reminiscencia de la pintura impresionista. Antes de este pajar animado por el juego de luces, uno piensa que, puede ser una inspiración de la serie de Meules expuestos por Monet en 1891. En comparación con sus primeras pinturas murales (como los jardines públicos, 1894), el espacio se ensanchó y la luz brilla a través de la superficie de la tela que parece abrirse como una ventana. Aunque fiel a la técnica de la pintura al temple, por lo general de manera amortiguada, Vuillard logró adaptarse a sus nuevas aspiraciones, es el modo que resulta más adecuado para dar cuenta de todas las vibraciones de color de un día soleado.

La siguiente pintura “La Musa inspira al poeta”, obra del pintor Henri Rousseau (1844-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1908-1909. Tiene unas medidas de 146 x 97 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

En el cuadro están retratados como una caricatura Guillaume Apollinaire, y su amante, Marie Laurencin. Este gran lienzo muestra el poeta y su amante, la “musa” que le inspira, detrás de un banco de hierba en el borde de un bosque se vuelve cada vez más denso hacia la parte inferior de la tabla. La Poesía y pintura sirven como intermediarios entre nosotros y la naturaleza misteriosa. La disposición simétrica de caracteres rodeada de árboles también se conecta con esta tabla, más allá de los límites del género, con obras como la boda y bromistas alegres.

La siguiente pintura “El estanque de los nenúfares, Armonía verde”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1899. Tiene unas medidas de 92.5 x 89.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

El tema principal de la pintura es el puente de madera que atraviesa el extremo del lago de Giverny. La forma arqueada de la madera está pintada de verde y por la forma de las barandas le valió el nombre de “Puente japonés” Monet abordar este tema en 1895 (probablemente inspirado en una de las estampas japonesas en su colección), dos años después de su construcción. La exuberancia de la vegetación se refiere más a los jardines mediterráneos. El artista pone de relieve una armonía general equilibrando la composición, eligiendo un formato casi cuadrado donde predominan los tonos verde y azul, estos colores verdes de las plantas acuáticas desde el pequeño estanque de cañas, el bambú y el iris en los bancos y en los árboles del fondo con un sauce llorón.

La siguiente pintura “El Jardín del artista en Giverny”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1900. Tiene unas medidas de 81.6 x 92.6 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Monet cuando realizó está pintura ya tenía 60 años de edad el año en que terminó la pintura y ya había logrado una serie de obras importantes. Había tenido un éxito extraordinario y ya era considerado una celebridad.

En 1900, el año de esta pintura, se vio involucrado en dos proyectos principales: una serie de pinturas del río Támesis en Londres y otra serie de su jardín de agua en Giverny, incluyendo algunos de sus famosas pinturas lirios de agua, tales como nenúfares.

La siguiente pintura “El estanque de los nenúfares, Armonía rosa”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1899. Tiene unas medidas de 90 x 100.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Monet cito al pintar esta serie “Me dan las pinturas, una tras otra. En la atmósfera, el color vuelve a aparecer ayer me encontré y esbozado en una de estas pinturas. Rápidamente me pase esta imagen y trato en lo posible de solucionar sin duda esta visión. Pero, por lo general, desaparece tan pronto que me levantó para dar paso a otro color ya visto otro día antes... Y así todo el día. “.

La siguiente pintura “Nenúfares azules”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1916-1919. Tiene unas medidas de 200 x 200 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo. Este cuadro es calificado como una de las diez mejores obras de arte del Museo.

En el cuadro carece de horizonte y el cielo, Monet se centra la vista en una pequeña área de la laguna, visto como un pedazo de naturaleza cercana. No hay puntos que mantenga la atención más que de otros, y la impresión dominante es de informar de la superficie. El formato cuadrado refuerza la neutralidad de la composición. Esta falta de referencia da al fragmento las cualidades del infinito ilimitado.

La siguiente pintura “Catedral de Rouen”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1882-1893. Tiene unas medidas de 200 x 200 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

La serie Rouen catedrales es una colección de 30 pinturas de Claude Monet que representa principalmente vistas de portal del oeste de Notre-Dame de Rouen (otras dos tablas representan el tribunal de Albano), son diferentes vistas pintadas y ángulos en especiales momentos del día.

La siguiente pintura “Montañas de heno, el fin del verano”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 60.5 x 100.8 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Corresponde con una serie de pinturas que Monet comenzó después de la cosecha de fines del verano de 1890 y continuaron hasta a principios de 1891. El tema principal de la serie eran las torres de trigo montadas sobre ruedas que fueron encontrados en un campo cerca de la casa del artista en Giverny, Normandía.

La siguiente pintura “Efectos del viento, serie del álamo”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 74 x 125.7 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Esta serie de obras incluye más de veinte pinturas de los árboles plantados en el pantano Limetz, en la orilla izquierda del río Epte, a unos dos kilómetros aguas arriba de Giverny. La naturaleza instantánea de estas pinturas es traducir la fuerza y la brevedad de la impresión sentían ante la naturaleza, los cambios de luz, el clima y las estaciones que llevan a cabo la atención del pintor en la serie.

En esta tabla, la composición del conjunto de curvas seguidas por los árboles, es particularmente exitosa, Monet mantuvo sólo tres árboles en primer plano acentuando la diagonal de la segunda.

La siguiente pintura “La bella Ángela”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 93 x 73 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Marie-Angélique Satre, hotel en Pont-Aven, fue considerada como una de las mujeres más bellas del país. En el cuadro tiene una pose rígida, el vestido ceremonial de la joven y la inscripción en el cuadro “Belleza Angele” para reforzar la solemnidad de esta representación. A la izquierda, Gauguin presentó una cerámica antropomórficas, inspiración peruana, lo que refuerza el carácter simbólico de la composición y aparece como una versión exótica del ídolo Bretón.

La siguiente pintura “El Aguacero”, obra del pintor Paul Serusier (1864-1927), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1893. Tiene unas medidas de 73.5 x 60 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Al igual que en los grabados, se da prioridad a la línea en el color. Para Sérusier, son demasiados colores en la noche, emplea tres o cuatro colores bien elegidos, eso es suficiente, y esto es expresivo; los otros colores solamente debilitan el efecto.

Aquí, los colores son reducidos a unos pocos tonos apagados y terrosos que evocan las de los frescos italianos. El aguacero también toma prestada una visión primitiva y atemporal monumental de la materia.

La siguiente pintura “La valla florida, Le Pouldu”, obra del pintor Paul Serusier (1864-1927), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 73 x 60,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Serusier elaboró un corto tratado en el que se desarrolla una teoría de curvas y formas simples, una teoría de los colores y un método de búsqueda de colores apagados. Es el recuerdo de toda su investigación estética.

La siguiente pintura “Bretones con paraguas”, obra del pintor Emile Bernard (1868-1941), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 85 x 105 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El artista excluye intencionalmente todo el realismo en su composición. El corte de escena aparece como un vitral con estas líneas entrelazadas que delimitan colores planos. Bernard crea correspondencias formales entre las sombrillas redondeadas y las colinas de la parte inferior, entre la vertical y las siluetas de los árboles derecho de las mujeres. El conjunto, personajes y paisajes, mantiene un mensaje hermético que permite que el artista se mantenga alejado de la realidad anecdótica.

La siguiente pintura “Lavandera de Laita”, obra del pintor Paul Serusier (1864-1927), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 73,2 x 92.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Paul Serusier buscaban en la pintura sobre todo para liberarse del realismo y el impresionismo. Valora la interioridad en el arte como un medio de comunicación entre las almas. Utiliza en sus cuadros planos con colores puros y abandonando totalmente la perspectiva. En sus paisajes, el horizonte se encuentra muy alto, dejando casi toda la superficie de la pintura disponible para la vegetación, edificios y personajes.

La siguiente pintura “Montañas de heno amarillo”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 73 x 92.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Gauguin fue una figura importante del simbolismo, participando como pintor, escritor y escultor de grabados y cerámica. Su experimentación audaz con el color fue lo que colocó los cimientos para el estilo sintetista –es un término utilizado por artistas postimpresionistas– del arte moderno, mientras que su expresión del significado inherente de los temas en sus pinturas, bajo la influencia del cloisonismo, fue lo que pavimentó el camino al primitivismo y el regreso al estilo pastoral.

La siguiente pintura “Retrato Eugene Boch”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 60 X 45 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Van Gogh conoce al pintor belga Eugène Boch (1855-1941) hacia la mitad de junio de 1888, cuando éste realiza una estancia de unas cuantas semanas en un municipio de las cercanías de Arlés. Hacia el 8 de julio, Vincent evoca a Boch en una carta a su hermano Theo: “Es un chico cuyo exterior me gusta mucho, rostro afilado, ojos verdes con algo de distinción”.

La siguiente pintura “L’Arlesienne”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 92.5 x 73.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El cuadro L'Arlésienne es también conocido como Señora Ginoux, o Retrato de señora Ginoux es el título dado a un grupo de seis pinturas similares de Vincent van Gogh, fueron pintados en la ciudad de Arlés, en noviembre de 1888 (o posterior), y en Saint-Rémy de febrero 1890. L'Arlésienne se pronuncia “lar sentar zyen”; que significa literalmente “la mujer de Arlés”.

La siguiente pintura “La Habitación de van Gogh en Arlés”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 57,5 x 74 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El dormitorio en Arlés es un cuadro de Vincent van Gogh que representa el dormitorio del pintor durante su estancia en la ciudad francesa de Arlés, un motivo sobre el que pintó tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor. Cerca de un año después, emprendió la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del Museo de Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.

En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: «los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde, afirmando: Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos». Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: «Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país». Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para Vincent es «un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas». Alcanza, a pesar de todo, una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la inestabilidad de la perspectiva.

Cuando Van Gogh, finalmente, en el verano de 1889, decidió rehacer algunas de sus «mejores» composiciones en un tamaño menor (el término que usó fue réductions) para su madre y su hermana Wil, El dormitorio se encontraba entre los que escogió. Estas réductions, acabadas a finales de septiembre de 1889, no son copias exactas.

En el dormitorio el retrato en miniatura de la izquierda recuerda al autorretrato de Van Gogh Campesino de Zundert. El de la derecha no puede ser asociado de manera convincente a ninguna pintura existente de Van Gogh, aunque el de la derecha podría ser su amigo Paúl Gaugin o su padre, o aunque lo puso tal vez para adornar el cuadro.

Esta tercera versión, previamente en poder de la hermana de Van Gogh, Willemien y más tarde adquirida por el Príncipe Matsukata, entró en las colecciones nacionales francesas en 1959, después del acuerdo de paz franco-japonés.

La siguiente pintura “Los Alsacianos”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 91.5 x 72.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Esta pintura con sus colores otoñales de fuego es probablemente una de las primeras telas Gauguin en Arlés. Esto demuestra la necrópolis romana de Arlés que fue consagrada en el siglo III por San Trófimo, el primer obispo de Arlés, como cementerio para los cristianos. En el siglo XIX no quedaba nada del sitio, pero las avenidas de cipreses y algunos sarcófagos vacíos, que le daba un aire profundamente melancólico.

La siguiente pintura “La noche estrellada”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 72.5 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

La primera vez que pintó la esquina cielo de la noche en la terraza de un café en la plaza Forum en Arlés (Otterlo, Rijksmuseum Kröller-Müller). Y este punto de vista del Ródano, donde se transcribe magníficamente los colores que ve en la oscuridad. Domina la escena el color azul: el azul de Prusia, azul ultramarino o cobalto. Las luces de gas de la ciudad brillan un naranja intenso que se reflejan en el agua. Las estrellas brillan como piedras preciosas.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 50.5 x 61.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El cuadro de esta naturaleza muerta esta realizado mostrando una mesa donde están dispuestos varias frutas, algunos objetos. La nitidez y precisión de los contornos, el juego de sombras, la yuxtaposición de los sólidos y los volúmenes geométricos que podrían ajustarse a una en la otra.

La siguiente pintura “Macetas de gres y manzanas”, obra del pintor Emile Bernard (1868-1941), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1887. Tiene unas medidas de 46 x 54.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

La composición, la elección de las frutas y los objetos representados, Bernard evidentemente representa una admiración por Cézanne que ve las obras en la tienda de Tanguy. Sin embargo, las manzanas y las ollas de piedra de arenisca también se da cuenta de la investigación del artista para simplificar y estrictamente partir los planos de color que identifica una línea de negro. La profundidad es sugerida por las sombras y la sucesión de tres franjas horizontales de colores, el centro donde se destacan las frutas y las ollas en forma por el color y el material.

La siguiente pintura “La familia Schuffenecker”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 72.7 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Gauguin empezó esta pintura en enero de 1889 y finalizará en la primavera siguiente. Esto explica el contraste entre las pesadas ropas de Louise, la señora Schuffeneckers, la estufa y resplandeciente del fondo.

La influencia de Van Gogh se ve en los colores primarios opuestos, amarillos y azules. Los personajes son tratados de forma plana, como en los grabados japoneses colocados en la pared. Los dos niños en sus delantales rojos se describen con cariño. Se puede decir de los padres. Louise, Gauguin ofrece la imagen de una criatura hosca o el mal. Tal vez él quiere que no le den la bienvenida con entusiasmo cuando se trasladó en Schuffeneckers con un cierto descuido.

La siguiente pintura “La Siesta”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 91 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

El meridiano o la siesta fueron pintados durante la estancia de Van Gogh en Saint-Rémy de Provence. La composición se toma de un dibujo de Millet durante la parte de la tarde. Vicente justificó su acercamiento a su hermano Theo: Más bien se traduce en otro idioma, el lenguaje de los colores, impresiones del claroscuro en blanco y negro. Van Gogh había copiado muchas veces las obras de Millet que consideraba un pintor más moderno que Manet. Fiel a la composición original en los detalles de la vida todavía en el primer plano, Van Gogh se aprueba plenamente esta etapa de descanso que simboliza la vida en la Francia rural de la década de 1860. Esta representación personal es esencialmente una construcción cromática basada en el contraste de los colores complementarios azul-violeta y amarillo-naranja. A pesar del carácter pacífico de la materia nos encontramos con la intensidad única del arte de Van Gogh.

La siguiente pintura “Cabañas cubiertas con paja en Cordeville, Auvers-sur-Oise”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Esta es una verdadera transmutación impulsada por las fuerzas psíquicas que el pintor quiso reflejar en el paisaje de esta obra. Las casas tranquilas con techos de paja que todavía se pueden ver en las fotografías antiguas parecen creadas por una poderosa fuerza telúrica que ensancha los volúmenes. El dibujo desaliñado, girando agita el techo, espirales de ramas de árboles, nubes se transforman en arabescos.

La siguiente pintura “La iglesia en el Auvers-sur-Oise, desde el lado de la cama”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 94 x 74 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Después de su estancia en el sur de Francia, en Arlés y en el hospital psiquiátrico de Saint-Remy de Provence, Vincent van Gogh se trasladó a Auvers-sur-Oise, un pueblo cerca de París. Su hermano Theo, preocupado por su salud, le llevó a conocer al Dr. Gachet, el propio pintor, que se compromete a cuidar de él. Durante los dos meses que transcurrieron entre su llegada a Auvers 21 de de mayo de, 1890 y murió el 29 de julio, el artista hace unos setenta pinturas, más de uno al día, y muchos dibujos.

La siguiente pintura “El Jardín del doctor Paul Gachet”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 52 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Gachet es un gran aficionado al arte y un apasionado por el impresionismo, se hizo amigo de Monet, Manet, Renoir, Pissarro. Los invitó a Auvers, donde construyó un estudio en el ático de su casa. Cézanne incluso agregó una ventana. Es un especialista en enfermedades mentales y durante su estancia en la localidad trata a Vincent van Gogh y le aconseja pintar y pintar.

La siguiente pintura “El doctor Paul Gachet”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 68 x 57 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Después de que le dieran el alta a Van Gogh en el Hospital de Saint-Rémy, acudió a Auvers-sur-Oise, donde el doctor Gachet estaba dispuesto a atenderlo. El pintor acudía con frecuencia a casa del médico y éste aceptó posar para Vincent, que desde hacía tiempo buscaba un modelo para retratar al natural.

La siguiente pintura “Dos Niños”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 68 x 57 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Van Gogh en este caso se sintió atraído por el retrato de gemelos, dos personas iguales era algo que necesitaba una investigación de una mente que por entonces estaba enferma y necesitaba ordenar muchos de los conceptos.

La siguiente pintura “Retrato del artista”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 65 x 54,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Vincent van Gogh es uno de los artistas que más se ha retratada asimismo con más de 43 autorretratos, pintados o dibujados en una docena de años de trabajo. En la misma medida que estos maestros del pasado, se observan en el espejo sin complacencia. Para pintar a uno mismo no es un asunto trivial: es una pregunta que a menudo conduce a la identidad del espíritu.

La siguiente pintura “Rosas y Anémonas”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 51.7 x 52 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Vicent Van Gogh hace un ejercicio de color para representar un florero japonés lleno de flores. Los colores que estallan en sus naturalezas muertas, donde se puede ver un jarrón de porcelana de color verde oscuro, un ramo de flores sobre fondo azul turquesa espumoso.

La siguiente pintura “La señorita Gachet en su jardín en el Auvers-sur-Oise”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 46 X 55.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Se representa a la mujer del doctor Gachet, Marguerite cuando tenía 20 años y era una joven dulce. Aquí aparece entre las flores del jardín, destacando la sintonía de su vestido blanco con las rosas que la rodean al igual que el sombrero y el cabello dorado. El color rojo se aprecia al fondo correspondiendo a los tejados de las casas vecinas. El resto de la composición está dominado por el verde en sus diferentes tonos así como el malva del cielo. El color es aplicado con la soltura que caracteriza a Van Gogh, suprimiendo las formas al igual que hacía Monet. La pincelada intenta crear dichas formas para no caer en la abstracción.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con mandolina”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 61.7 x 51.3 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

El cuadro muestra una armonía de los colores suaves y formas redondeados con la mandolina que responde al centro de la composición, las peonías despeinadas que se oponen a la rectitud de la esquina del marco, el material por debajo de florero, donde aparece el mimbre, todo está vivo y tranquilo en este lienzo.

La siguiente pintura “Vairumati”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1897. Tiene unas medidas de 73 x 94 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

El cuadro representa una joven polinesia sentada a la cabecera de una cama y apoyada sobre su brazo derecho. Tiene el torso desnudo y una prenda enrollada a la cintura. Cerca de ella, a su espalda, una alegórica ave blanca apresa entre sus garras a un lagarto negro. Al fondo, en la esquina superior derecha del cuadro, se distinguen dos mujeres tahitianas sentadas en el suelo. No es posible determinar con exactitud lo que están haciendo, aunque su postura evoca una actitud ritual, que recuerda a los bajorrelieves de Borobudur. La muchacha tahitiana que constituye el motivo central del cuadro se reclina ausente sobre un lecho florido, cuyo cabecero dorado destaca sobre la tierra rojiza. El fondo está poblado de vegetación con tonos verdes y amarillos. A la manera de un encuadre fotográfico, los elementos en primer término, la muchacha y el lecho, aparecen con mayor nitidez que las mujeres y la vegetación del fondo, provocando una sensación de perspectiva. La luz incide desde el ángulo izquierdo de la imagen, proyectando las sombras hacia el lado opuesto, si bien de manera caprichosa. La luminosidad del pájaro blanco y del cabecero bruñido contrasta con el espacio umbrío que se abre a la derecha del cuadro.

La siguiente pintura “Retrato del artista”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1896. Tiene unas medidas de 73 x 94 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Paul Gauguin fue un pintor que cultivo sus propios autorretratos, en total están contados 16 retratos durante su vida de pintor, muchos de ellos son realizados ante la falta de un modelo y en otras por el cultivo de su propia vanidad.

La siguiente pintura “Retrato del artista y la cruz de Cristo”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890-1891. Tiene unas medidas de 30 x 46 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

En la figura central, mirando Gauguin se dirigen al espectador donde se expresa el peso sus dificultades, sino también su determinación de proseguir en su lucha artística. Está detrás de otros dos de sus obras, realizadas el año anterior, que se enfrenta un punto de vista estético y simbólico.

A la izquierda está El Cristo amarillo, imagen del sufrimiento sublimado, Gauguin, que presta sus propios rasgos. Pero el brazo extendido por Cristo sobre la cabeza del pintor también sugiere un gesto protector. El amarillo de la tabla, representa el color de la suerte del artista.

La siguiente pintura “La comida”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

En la naturaleza muerta se puede ver el racimo de plátanos para cocinar, llamada “fei” en tahitiano, ocupa casi una cuarta parte de la composición de la fruta con su enorme forma y el color tirando al bermellón y violeta, con una sombra proyectada sobre el mantel. Tenga en cuenta también el gran tamaño tallado del envase de madera que contiene la leche de coco, pero que se ha utilizado tradicionalmente para dar cabida a los peces. Para complementar su composición y añadir toques de color, Gauguin incluyó un cuenco de barro occidental, una calabaza se utiliza para transferir el líquido, de fruta se aprecia: la guayaba y parcialmente naranjas. Un cuchillo colocado oblicuamente indica la profundidad del espacio. El mantel blanco, con sus pliegues bien marcados, también es una reminiscencia de las composiciones de Cézanne o Manet.

La siguiente pintura “Arearea”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 75 x 94 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

La palabra arearea es tahitiana (en tahitiano normalizado ārearea) y quiere decir pasatiempo, diversión o entretenimiento alegre y gozoso. En el cuadro se observa en primer plano un perro y una pareja de mujeres, una tocando una especie de flauta y otra escuchando.

La corriente artística al que representa es el expresionismo. La obra recupera el concepto de la sinestesia, un recurso que intenta fusionar pintura y música. Además de la función decorativa se trata de activar los sentidos equiparando el ritmo de formas y colores con el sonido o el movimiento. La mujer que toca la flauta y las figuras del fondo que danzan refuerzan la asociación con la música.

La siguiente pintura “El caballo blanco”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1898. Tiene unas medidas de 140 x 91.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

En este caso, el trabajo no se reproduce con una escena real, sino con una visión imaginaria sintética de un paisaje de Tahití. Las ramas con giros complicados de un árbol nativo llamado bourao, una especie de hibisco y lirios y flores imaginarias en el primer plano de un marco decorativo alrededor del motivo principal. El cielo y el horizonte están ausentes de esta área cerrada.

La siguiente escultura “San Juan Bautista”, obra del escultor Auguste Rodin (1840-1917), realizada en bronce, esta datada entre 1878-1881. Tiene unas medidas de 204 x 63 cm.

Para demostrar su genio y silenciar a los críticos de su obra en 1878, Rodin creó la escultura de Juan el Bautista, la figura más jamás hubiera pensado realizar.

Por lo tanto, demuestra que no utiliza un molde. Revolucionó la escultura, por la expresividad de las formas, expresiones, emociones, sentimientos y sensualidad, caras de la perfección, y partes tan complejas como en las manos, los pies, etc. Él inventó su propio estilo “estilo de Rodin” con las nuevas técnicas de la escultura como el ensamblaje, el engranaje o la fragmentación, en total contradicción con el academicismo de la época.

La siguiente pintura “El Circo”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 180 x 148 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

Es la última obra de Seurat, fue empieza un año antes de morir de difteria. Realizó numerosos bocetos para esta obra y la dejó incompleta. Fue adquirido por Paul Signac que luego la revendió al coleccionista estadounidense John Quinn, con la promesa de dejarlo al Museo del Louvre.

Este cuadro trata el tema del circo, frecuentado en esos mismos años de 1880 por otros autores como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec. Seurat lo trata con la técnica puntillista, en un cuadro en el que predomina el color amarillo. Seurat redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro; predominan el amarillo y el violeta, complementarios. Usaba esos colores en estado puro, mediante pequeños toques yuxtapuestos que se fundían en la retina del espectador.

La siguiente pintura “Modelo de espaldas”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1887. Tiene unas medidas de 24.3 x 15.3 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

Durante el invierno 1886-1887, Georges Seurat emprende una nueva gran composición: Las Modelos. El cuadro se encuentra hoy en la Fundación Barnes, en Merion, Estados Unidos. Representa tres modelos mostrando una pose de desnudos en el taller del pintor. El artista ha reproducido en su propio muro Una tarde en la Grande Jatte, el cuadro manifiesta la nueva corriente pictórica de la que Seurat se convierte en el jefe de dicha tendencia y que el crítico Félix Fénéon bautiza neo-impresionismo.

Seurat ha realizado numerosos dibujos y bocetos previos a las Modelos, Con los que podemos vincular los tres estudios del museo de Orsay: Modelo de espaldas, Modelo de frente y Modelo de perfil.

En el Modelo de espaldas, el pintor representa su modelo desnuda, de espaldas, sentada encima de una sábana blanca. Recuerda una obra famosa que dio mucho que hablar cuando llego al Museo del Louvre en 1879.

La siguiente pintura “Señora Hector France”, obra del pintor Henri-Edmond Cross (1856-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 208,5 x 149,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

El cuadro muestra el gran retrato de Irma Clare, que entonces estaba casada con el escritor Héctor Francia, y la futura esposa del pintor, Cross tiene una gran influencia Neo-Impresionista. Poco a poco se incorpora con las teorías del grupo, a través del contacto con Signac, Angrand y Van Rysselberghe. De sus conversaciones con Seurat, ha recordado que “los colores de los objetos cambian su diseño”. La técnica de pinceladas separadas está aquí combinada, además, con un buen ojo para los arreglos decorativos.

El modelo es parte de una composición geométrica con la luz equilibrada y zonas de sombra. La luz de una noche de verano es invocada mediante el parpadeo de las lámparas. Un rododendro en el primer plano acentúa aún más el efecto de profundidad, ya se ha destacado por la silla colocada en un ángulo. Este elemento floral, decorativo se toma de la estampa japonesa, muy apreciada por los artistas postimpresionistas. Las formas geométricas en el suelo crean un espacio en la terraza.

La siguiente pintura “Cabello”, obra del pintor Henri-Edmond Cross (1856-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 61.5 x 46 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

En este trabajo el pintor representa a su futura esposa Irma como modelo cuando todavía era la señora de Hector Francia. La cara desaparece detrás de una espesa cortina de pelo, que se convierte en el único tema de la pintura.

El encuadre apretado alrededor del busto de la mujer se ve en una vista de tres cuartos da la figura un aspecto monumental, pero también refuerza la importancia del pelo, que es arbitrariamente recortada por el borde del lienzo. Este cultivo deliberado no es diferente al enfoque utilizado por los grabados japoneses que Cross tanto admiraba.

También ha utilizado una gran economía de medios, tanto en la composición, con el tema simplemente en contraste con un fondo neutro, y en su paleta, que es restringida a una armonía de marrones y malvas.

La siguiente pintura “Las islas D’Or”, obra del pintor Henri-Edmond Cross (1856-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada entre 1891-1892. Tiene unas medidas de 59.5 x 54 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

El tema es un paisaje sobre las islas D’Or se han eliminado todos los elementos pintorescos y el pintor se concentró en los efectos de la luz sobre el color. Los diversos elementos en el paisaje se convierten en tres grandes bandas de color: la arena, el mar y el cielo.

La siguiente escultura “Bañista”, obra del escultor Aristide Maillol (1861-1944), realizada en yeso, esta datada en 1902. Tiene unas medidas de 93 x 103 x 25 cm.

Aristide Maillol fue uno de los más famosos escultores de su tiempo. Su trabajo, en silencio, con base en formas completas desarrollado a partir del estudio del desnudo femenino, y simplifica el modelo, representa una revolución artística, anticipándose a la abstracción. Su creación marcó el punto de inflexión entre el siglo XIX y el XX. También ha inspirado a muchos grandes artistas, entre ellos Henry Moore, Arp y Laurens y encontró una resonancia entre Picasso, Brancusi y Matisse.

La siguiente escultura “Desire”, obra del escultor Aristide Maillol (1861-1944), realizada en plomo, esta datada en 1907. Tiene unas medidas de 120 x115 x 25 cm.

Es un alto relieve realizado en plomo. Esta escultura es parte de las obras robadas por los nazís, que se expone en el museo pendiente de la restitución posible a su dueño.

La siguiente pintura “El Pífano”, obra del pintor Eduard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1886. Tiene unas medidas de 160 x 97 cm. Se exponen en la sala XXIX del museo.

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un bufón de la época de aspecto declamatorio y tenido por actor, en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje.

Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles. El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo». Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada sobre la base de una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».

La siguiente pintura “El Baño”, obra del pintor Alfred Stevens (1823-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1887. Tiene unas medidas de 73.5 x 92.8 cm. Se exponen en la sala XI del museo.

El baño de calor originalmente tenía una purificación y regeneración como una virtud. El bautismo cristiano retoma esta idea, aunque condena el baño porque eran contrarios a la castidad. Los baños calientes, en particular. En otros balnearios tendían a excesiva sensualidad.

Sin embargo se empleaba la inmersión en agua fría como verdadera una mortificación. Aunque históricamente la Iglesia autorizó la bañera sólo por razones médicas.

El impresionismo y su afán de transformación, no supuso, sin embargo, una ruptura radical con el arte tradicional y académico, tal como se suele indicar de manera un poco simplista. El entusiasmo por la modernidad es una de las señas de identidad de la época, y contamina del mismo modo a realistas, impresionistas y académicos.

La siguiente pintura “Retratos del marqués y de la marquesa de Miramon y sus hijos”, obra del pintor James Tissot (1836-1902), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865. Tiene unas medidas de 177 x 217 cm. Se exponen en la sala XI del museo.

El cuadro esta realizado en la terraza del castillo familiar, donde el Marqués de Miramón posa con su esposa Teresa y con sus primeros dos hijos. Tissot domina aquí con elegancia las reglas del retrato de la sociedad y la composición aparece como la más compleja que ha diseñado previamente. La elección de un producto natural, poco común en la historia del retrato francés, se refiere a la tradición inglesa del retrato aristocrático situado en el campo. La relajación de la colocación del Marqués, una rodilla y apartar la mirada del niño. El perro elegante o incongruente anima la escena.

En 1859, Tissot había decidido afirmar su anglofobia adoptando el nombre de James. El cuadro está en perfecta sintonía con el gusto de sus modelos, es una de las primeras expresiones artísticas de esta pasión. Además, la bella nota otoñal de la obra es muy británica.

El retrato del marqués y la marquesa de Miramon y de sus hijos por lo tanto, un buen ejemplo de la técnica brillante, que tenia Tissot en la década de 1860.

La siguiente pintura “La cosecha en Borgoña”, obra del pintor Charles-Francois Daubigny (1818-1878), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1863. Tiene unas medidas de 172 x 294 cm. Se exponen en la sala XI del museo.

El teórico del naturalismo en la pintura, se describe en detalle este lienzo. El artista elige un momento del día – cuando los recolectores están en los viñedos, bueyes de descanso–- y todas las etapas del cultivo. Algunas mujeres recogen las uvas y las ponen en cestas que luego se vacían por los hombres. Estos serán encargados de depositarlos en el carro. El picnic –una jarra y una cesta cubierta con un paño–- está en el primer plano, listo para servirse en el momento de descanso.

La siguiente escultura “Las cuatro partes del mundo que apoyan la esfera celeste”, obra del escultor Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), realizada en yeso, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 280 x 177 x 145 cm. Se expone en el pasillo central del museo.

El barón Haussmann, era el prefecto de París que dio a la ciudad el rostro que vemos en la actualidad, encargó a Carpeaux en 1867, una fuente para el jardín del Observatoire. El escultor eligió representar las cuatro partes del mundo, girando en torno a la esfera celeste.

No sólo las cuatro alegorías bailan en un corro, pero además giran sobre ellas mismas. Europa a penas pisa la tierra con los pies, Asia, con su larga trenza, está casi de espaldas, África está de tres cuartos, América, peinada con plumas, tiene el cuerpo de perfil y el rostro de frente.

Este afán por el movimiento es una de las características del arte de Carpeaux. Su naturaleza apasionada era todo lo contrario de la calma neoclásica. Fue tan sólo en 1874, un año antes de la muerte de Carpeaux, que la fuente fue colocada, tras haberla fundido en bronce. El entrecruzado de las piernas desagradó mucho al público de la época.

Aquí damos por finalizado la corta visita a París, estamos un poco desmoralizados de ver la ciudad de París tan sola, parece como si hubiese sido abandonada en cualquiera de las películas de Mad Max.

Vamos directamente a la estación de Solferino donde cogemos el metro de regreso hasta la estación de Vicennes, donde en el entorno del castillo tenemos aparcada la autocaravana. Comemos rápidamente para no demorar mucho la salida y a las 15,00 horas salimos de París con destino a Burdeos, perdemos otros veinte minutos en la retención de la salida por las obras en la circunvalación, pero enseguida cogemos la autopista de peaje.

Antes de llegar a Burdeos nos vemos obligados a repostar en el peaje para no perder más tiempo echamos 20 euros para que nos permita llegar hasta nuestro destino.

Llegamos hasta el Centro Comercial de Le Lac en Burdeos (Francia) pero esta vez vamos a pernoctar en la zona del Leroy Merlin que me parece que ahora es más tranquila, además mañana es domingo y no abren el centro comercial. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: