Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

La siguiente escultura “Pescador napolitano”, obra del escultor Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), realizada en yeso, esta datada en 1858. Tiene unas medidas de 0.76 x 0.569 cm.

Se conservaba en el Louvre, pero desde 1986 se asignó al Museo de Orsay. Se da cuenta de este trabajo, de paso, en la Villa Medici en Roma.

Una versión de mármol está especialmente conservada en la Galería Nacional de Arte en Washington, mientras que existen muchas otras versiones.

La estatua representa a un joven en cuclillas, desnudo y llevaba en sus manos una caracola. Se le describe como un pescador y es la representación de un hombre con una concha marina que se acerca a su oído.

La siguiente escultura “El oso blanco”, obra del escultor François Pompon (1855-1933), realizada en piedra, esta datada en 1925. Tiene unas medidas de 163 x 251 cm.

El oso polar es una estatua de piedra del escultor francés François Pompon, en este caso optó por la simplificación de las formas en sus esculturas a partir de 1905. Alisó las superficies sensibles para liberar sus representaciones de animales de todos los lujos. Cuando el modelo del oso apareció en el Salón de Otoño de 1922, el trabajo destacó por su modernismo en la escultura heredado del siglo XIX.

La siguiente pintura “Retrato Pierre-Joseph Proudhon”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865. Tiene unas medidas de 0.72 x 0.55 cm.

Pierre-Joseph Proudhon (1809-1865), fue un filósofo político y revolucionario francés, y, junto con Bakunin, Kropotkin y Malatesta uno de los padres del pensamiento anarquista y de su primera tendencia económica, el mutualismo –propone una sociedad futura sin Estado donde la propiedad de los medios de producción pueda ser individual o colectiva siempre que el intercambio de bienes y servicios represente montos equivalentes de trabajo– que reflejó el intento del autor por llegar a un punto medio entre las ideas colectivistas y federalistas de la época.

La siguiente pintura “Entierro en Ornans”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1849. Tiene unas medidas de 315 x 668 cm. Se exponen en la sala denominada el Pabellón Amont del museo.

Courbet realizó el Entierro en Ornans en el año 1850, un período tan crucial en la historia de Francia como para la historia del arte moderno. Luis Felipe I de Francia fue depuesto en 1848 y pocos meses después Luis Napoleón Bonaparte, futuro Napoleón III, fue escogido presidente de la Segunda República Francesa.

En 1850, especialmente durante la Revolución Industrial, los impulsos espirituales de los románticos se quedan obsoletos delante el rápido desarrollo de las técnicas de producción y el surgimiento de una nueva sociedad. Se forman, entonces, dos clases sociales paralelas con aspiraciones contrarias: la burguesía se convierte en la clase dominante, y tiende a imponer su política y moral, mientras que la clase obrera trata de expresar sus peticiones. Los intelectuales empezaron a desarrollar los fundamentos de la doctrina socialista como Karl Marx y Pierre-Joseph Proudhon (que era amigo de Courbet y el retrato del mismo lo había pintado en 1865). En este contexto social, los artistas no están necesariamente junto a la clase trabajadora y su lucha (Courbet participará con la Comuna de París solamente en 1871), pero está en contra de la burguesía que rechaza las nuevas formas del arte. El artista verdaderamente innovador, tiende a aislarse y marginarse en sí mismo, después de la forma de vida bohemia y libre de los artistas románticos, a finales del siglo XIX aparece la imagen del artista maldito, que no está al servicio de las instituciones y de los poderosos como antes, y que sólo lo entiende una pequeña élite intelectual y artística.

En esta su obra maestra, Courbet transmite con el máximo realismo posible un funeral –posiblemente el de su propio abuelo materno–, un republicano convencido, constatándose la presencia de dos amigos jacobinos, aunque él mismo aparece en el extremo izquierdo como testigo, al que asiste toda la comunidad, desde los representantes del ayuntamiento hasta las plañideras oficiales –mujeres que se pagaban para llorar en los funerales–, pasando por los hidalgos y la familia del pintor. Incluso un perro perdiguero no quiere perderse el evento y se presenta en primer plano. Por comentarios del propio pintor sabemos que toda la población de Ornans, pequeña localidad cercana a Besançon y pueblo natal del pintor, quiso posar para el cuadro, resultando un conjunto de 46 personas a tamaño natural representados con enormes dosis de veracidad. Se puede decir que esta obra es un panfleto del nuevo estilo artístico defendido por Courbet considerado como un arte científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, progresista y social, cuya única fuente debía ser la observación directa del natural. Las figuras forman un grupo compacto y se recortan sobre las planas montañas de la localidad, representadas en diversas actitudes y posturas, siendo una de las mejores galerías de retratos de la historia del arte. La expresión de los rostros que no provocan ningún sentimiento de dolor entre los asistentes. La muerte no ha producido en estos hombres el dolor, la angustia, sino que la viven como un hecho cotidiano.

Toma como modelos a sus padres, hermanos y amigos, y a varios habitantes de aquella localidad, y los reúne en un retrato colectivo, justamente en el momento en que se va a realizar la colocación del féretro en el hoyo que aparece en el centro de la parte inferior del cuadro, invadiendo el espacio del espectador.

Es una composición abierta. La obra viene determinada por las figuras representadas de pie a tamaño natural que están dispuestas horizontalmente, a modo de friso, imitando los sarcófagos de la antigüedad romana. El friso que forman los personajes, mostrando una isocefalia –donde todos los personajes deben tener su cabeza a la misma altura, situadas en la misma línea–, sigue la misma ondulación rítmica que la montaña del Jura, que sirve de fondo y que era el paisaje auténtico de Ornans. Los personajes están puestos sin ningún tipo de jerarquía, pero las mujeres se mantienen separadas de los hombres a la derecha; entre ellas se encuentran las hermanas del pintor: Juliette llorando y Zoé ocultando el rostro en un pañuelo y Zélie pensativa. La horizontalidad de los dos precipicios del fondo y de las nubes se contrapone con la verticalidad de los personajes.

La perspectiva viene dada por el claroscuro, los diferentes planos en los que se distribuyen las figuras y su superposición y el fondo con los acantilados que se alza detrás de los personajes.

La línea del horizonte está por encima de las cabezas de los asistentes al entierro, a 1/7 partes del cuadro. No hay una simetría clara. La estructura compositiva de la tela tiene su centro en la acción que tiene lugar en la única obertura existente en la línea de los acantilados.

La luz es barroca, inspirada ligeramente en Caravaggio. Busca contrastes entre el primer plano, donde está el ataúd y los religiosos que hacen la ceremonia, y la franja de personajes vestidos de negro. La luz no se utiliza para acentuar el dramatismo de los personajes, sino para dar corporeidad y volumen a los cuerpos. En el cuadro domina una luz crepuscular que acentúa la soledad del paisaje.

Utiliza una gama cromática muy reducida para aumentar el dramatismo de la escena. En el cuadro predomina el color negro y el blanco, también hay rojos en las togas y los birretes de los maceros, en los que se ve la influencia de Velázquez y Zurbarán. El color blanco prevalece en las personas y en los objetos del primer plano, como la serie de pequeñas manchas blancas (de los pañuelos, las toquillas, los cuellos de las camisas y del perro) que se expanden por todo el cuadro. Junto a estos colores sobresale una serie de tonos ocres-terrosos y verduscos del paisaje que dan uniformidad al cuadro. Por lo tanto, estamos viendo que Courbert reacciona contra el romanticismo y el idealismo clásico.

La siguiente pintura “El estudio del artista”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1854-1855. Tiene unas medidas de 361 x 598 cm.

Este enorme taller es probablemente la más misteriosa composición Courbet. El cuadro trata de retratar toda la vida del artista, es decir, amigos, trabajadores, los aficionados al mundo del arte. A la izquierda, el otro mundo de la vida trivial, las personas de la miseria, la pobreza, la riqueza, los explotados, los explotadores, las personas que viven de la muerte.

Entre los primeros, en la parte derecha, en efecto, reconocemos el perfil con barba del patrón Alfred Bruyas y detrás de él desde la parte delantera, el filósofo Proudhon. El crítico Champfleury está sentado en un taburete mientras que Baudelaire está leyendo. La pareja en el primer plano personifican los amantes del arte y sólo, cerca de la ventana, dos amantes representan el amor libre.

En cuanto a la vida trivial, nos encontramos con un cura, un comerciante, un cazador podría tener los rasgos de Napoleón III, o un trabajador inactivo y un mendigo que simbolizan la pobreza. Tenga en cuenta también la guitarra, la daga y el sombrero con el colocador masculino estigmatizar el arte académico.

En esta vasta alegoría evidentemente contribuye, donde cada figura representa un valor distinto. En medio de todo esto, el propio Courbet, está acompañado por figuras benévolas: una musa femenina, desnuda como una verdad, a su lado un niño y un gato. En el centro del pintor se erige como mediador. Courbet se reafirma en la función social del artista en un extenso escenario, donde gracias a las dimensiones de la pintura se hace historia.

La siguiente pintura “Los ciervos de Hallali”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1869. Tiene unas medidas de 355 x 505 cm.

La escena representa un ciervo atacado por un grupo de perros de caza. Se dejó caer en el suelo cubierto de nieve. Dos personajes están a la derecha. El Breakers es Jules Cusenier, habitante de Ornans, mientras que el hombre a caballo es Felix Gaudy, de Vuillafans.

La siguiente pintura “Señora Louis Joachim Gaudibert”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1868. Tiene unas medidas de 216.5 x 138.5 cm.

En 1868, Louis Joachim Gaudibert, hombre de negocios de Havre, encargo a Claude Monet dos óleos sobre lienzo con el retrato de su esposa y uno suyo. El cuadro del barón se desconoce su paradero mientras que el otro, el retrato de la señora, se conserva desde 1986 en el Museo de Orsay, después de haber sido parte de las colecciones del Louvre 1951-86.

La siguiente pintura “Lectora”, obra del pintor Henri-Fatin Latour (1838-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1861. Tiene unas medidas de 100 x 83 cm.

Esta joven está inmersa en la lectura y corresponde con una de las hermanas del pintor. En un primer momento, Fantin-Latour acostumbra a sacar sus modelos desde su círculo familiar. También se dedica en esos momentos a pintar autorretratos.

La lectora es el primer cuadro sobre un tema que a Fantin particularmente le aficionaba. El tema, tomado de arte holandés y Chardin, significa que puede representar un personaje absorto en una actividad que lo deja indiferente a la obra del artista y la mirada del espectador. Fantin-Latour, insiste en el recuerdo de la escena como cuando pintó mujeres jóvenes cosiendo o tejiendo. La inmovilidad del modelo, la naturaleza muerta formada de dos libros en el primer plano, tonos apagados, apenas calentado por el rojo del sofá, todo ello contribuye a una atmósfera de calma y silencio.

La siguiente pintura “Rama de peonías blancas y tijeras de podar”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1864. Tiene unas medidas de 30 x 46.5 cm.

Manet se centra plenamente en su luz sobre dos flores, que parecen iluminar esta pequeña escena que es la mesa de su blancura. Es una de las virtudes de la luz en Manet: Los seres y objetos que no sólo las pinturas reflejan la luz que incide sobre ellos, sino que también emiten vibraciones.

La siguiente pintura “Almuerzo sobre la hierba”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1863. Tiene unas medidas de 208 x 264.5 cm.

La obra está inspirada en los antiguos maestros sacadas de dos obras del Louvre. El concierto Pastoral de Tiziano, a continuación, atribuido a Giorgione, proporciona al sujeto, mientras que la disposición del grupo central se basa en un grabado de Rafael “Juicio de Paris“. Sin embargo, en el Almuerzo sobre la hierba, la presencia de una mujer desnuda rodeada de hombres vestidos no se justifica por ningún pretexto mitológico o alegórico. La modernidad de los personajes hace obscenas a los ojos de sus contemporáneos, esta escena es considerada casi irreal.

Manet abandonó las gradaciones habituales para entregar contrastes brutales entre la luz y la sombra. Los personajes no parecen perfectamente integrados en la decoración, la maleza parece más esbozada más que pintada, donde la perspectiva se ignora, además carece de profundidad. Con el almuerzo en la hierba, de Manet no respeta ninguna de las convenciones aceptadas, sino que impone una nueva libertad para los modos de sujetos tradicionales en la representación.

La siguiente pintura “Almuerzo sobre la hierba”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865-1866. Tiene unas medidas de 412 x 600 cm.

En 1865, Claude Monet comenzó a pintar su propio Déjeuner sur l'herbe en respuesta al de Manet. No obstante, este inmenso cuadro (4,6 por más de 6 m) quedó incompleto. Representa una escena más socialmente aceptado de ocio burgués, pero puesto que se trata de una demostración del nuevo estilo impresionista, se pone más el acento en los efectos de luz que en el tema como tal. El juego sutil de sombra y luz demuestra las ventajas de la pintura con escenas al aire libre y contrasta con la falta de luz natural del taller de Manet. Después de que esta pintura monumental resultase dañada por la humedad, Monet la dividió en tres partes. Las secciones de izquierda y el centro están ahora al museo de Orsay, pero se perdió la tercera. Un estudio para el cuadro se encuentra en el museo Pushkin.

En 1961, cerca de un siglo después del Déjeuner de Manet, un Pablo Picasso que envejece elige atacar este gran monumento del arte moderno. En menos de dos años, hizo más de 27 pinturas, 6 grabados sobre linóleo y 140 dibujos siguiendo el cuadro de Manet.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con la caldera”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865-1866. Tiene unas medidas de 64.5 x 81 cm.

Entre sus primeras obsesiones pictóricas involucradas en la búsqueda de los volúmenes, que están muertos, incluyendo las patatas cocidas para significar su nueva conquista pictórica del siglo XX de Cézanne. Para la vida todavía es un patrón como cualquier otro, lo que equivale a un cuerpo humano o una montaña, pero que se presta particularmente bien a la investigación de la zona, la geometría de los volúmenes, la relación entre los colores y las formas. Cuando el color se encuentra en su poder, el lienzo está en su plenitud.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con la caldera”, obra del pintor Adolphe Monticelli (1824-1886), realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 49 x 63 cm.

Vincent van Gogh se inspiró en Monticelli, aunque nunca llego a conocerle ya que este último murió en 1886 unos meses antes de que Van Gogh llegara a París. Pero una vez instalado en Arlés, Monticelli estudió la técnica de la pintura y experimentó con ciertas obras y en particular esta pintura es expresiva y de gran colorido. Monticelli varias veces pinto un ramo de flores para recoger el patrón en un cuadro con una gama completa de sus tonos más ricos y bien equilibrados, escribió Vincent a su hermano Theo en de marzo de 1888.

La siguiente pintura “El pavimento de Chailly”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865. Tiene unas medidas de 43,5 x 59,3 cm.

Estamos ante un paisaje de Fontainebleau donde Monet deja entrever en el cuadro un triángulo de cielo que se hunde entre los árboles. El follaje, tallos, hierba cubren con su maquillaje verde y marrón brillante, en contraste, del blanco y azul del cielo y las nubes.

La siguiente pintura “Mar gruesa en Etretat”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1868-1860. Tiene unas medidas de 66,2 x 130,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

El paisaje de Monet fue pintado el mismo lugar que Courbet, pero unos meses antes que él, donde se encuentra famoso Porte d'Aval en el momento que las furiosas olas rompen contra la costa. Cuando el maestro del realismo trata de dar un significado simbólico y poético mostrando delante de explosiones repentinas y salvajes de la vida orgánica en un cielo trágico, Monet se centra sólo en la impresión directa. En el cuadro se sugiere más de lo que se describe y da la escala mediante la introducción en el borde del mar, donde las siluetas de los pescadores están observando la furia de las olas.

La siguiente pintura “Tren en el Campo”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1870. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

Cuando Monet realiza este cuadro la visión del ferrocarril es todavía muy tímida. Sólo la locomotora es visible, aunque esta parcialmente oculta detrás de los árboles dejando ver solo su penacho de humo. La máquina, que aún no ha ganado su estatus como un objeto estético, es en realidad vetada por árboles frondosos.

Técnicamente, el pintor realiza todavía múltiples toques de colores dispersos. Los matices, con tonos homogéneos y unos contrastes brillantes, se dividen en grandes áreas en una distribución simplificada de la luz y la sombra. El conjunto da finalmente, con respecto a los tonos, lo que hace bastante similar imitando a la de las primeras fotografías.

La siguiente pintura “Acantilados en Etretat”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1870. Tiene unas medidas de 133 x 162 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

Etretat atrae a pintores, seducidos por la pureza del aire y la calidad de la luz. Durante el verano de 1869, Courbet llega y se asienta en esta pequeña ciudad en Normandía. Se muda a una casa en la playa, que se encuentra apoyada directamente sobre el acantilado d'Aval desde donde realiza muchas pinturas.

La siguiente pintura “Idilio Pastoral”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865-1866. Tiene unas medidas de 65 x 81,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

En el cuadro se puede ver un hombre vestido de negro, con aspecto soñador, está tumbado sobre la hierba, observa a las mujeres desnudas que le rodean, acompañado de otro joven también vestido a la moda de la época. En la esquina derecha del lienzo observamos a un barquero que enciende su pipa, recortando su figura ante la vela desplegada sobre la que resbalan las últimas luces del atardecer.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta, trozo de carne”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1864. Tiene unas medidas de 24 x 33 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Este año 1864 será ocupado por Monet que viaja hasta el bosque de Chailly, no lejos de Barbizon, donde se encuentran: Renoir, Sisley y Bazille durante las vacaciones de Semana Santa. Bajo la influencia de los pintores de Barbizon, todos se comprometen a observar la naturaleza y convivir con la misma. Sus primeras pinturas no tienen nada que ver con las impresionistas.

La siguiente pintura “Homenaje a Delacroix”, obra del pintor Henri Fantin-Latour (1836-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1864. Tiene unas medidas de 160 x 250 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El pintor muestra un homenaje particular donde presenta el respeto que el pintor tiene por los artistas que encarnan la modernidad en la segunda mitad del siglo XIX. Así Henri Fantin-Latour logra, un año después de la desaparición de Delacroix, este retrato colectivo destinado a hacer de él un homenaje que no había recibido en toda su vida.

Alrededor de un retrato de Delacroix, y a partir de una fotografía tomada hace diez años, la escena juntos escritores y artistas. Especialmente podemos reconocer a sí mismo Fantin-Latour, con la camisa blanca y la paleta en la mano, James Whistler se coloca en el primer plano, Edouard Manet, con las manos en los bolsillos, y por supuesto Baudelaire, sentado a la derecha, con el rostro desencajado.

La siguiente pintura “Berthe Morisot con un abanico”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 60,4 x 45.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Vestido de negro con mangas de tul y las piernas cruzadas, manifiesta una ironía impregnada con una ternura lúdica, Berthe elegantemente vestida con un vestido negro y largo con unos zapatos blancos, juega con el pintor mediante el despliegue de un abanico en frente de su cara, evitando convertirse en un retrato real. Sus ojos brillantes son visibles entre las varillas del abanico. La figura de Berthe envuelta en un paño negro destaca contra la pared de fondo monocromo. Berthe se sentó en diagonal para que destaque todo su cuerpo. Manet dejó un espacio vacío a la derecha de su amiga

La siguiente pintura “Rubia de los senos desnudos”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 62.5 x 52 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El lienzo muestra una mujer con los senos descubiertos es uno de los arquetipos de la sensualidad, y que fue muy utilizados en la pintura veneciana. Tal vez “La mujer que descubre que su seno” de Tintoretto le ha podido servir de inspiración directa. Es cierto que las mujeres han mostrados sus pechos a los artistas durante miles de años, Manet no dejó de hacer su visión más fresca y más ingenua.

El pecho opulento, que descubre una camisa abierta, es como el ramo de una floristería, sirve para el virtuosismo de un impresionista, superando Renoir en su propio terreno.

La siguiente escultura “Joven danzarina”, obra del escultor Edgar Degas (1834-1917), realizada en bronce con una patina de varios colores, esta datada en 1881. Tiene unas medidas de 98 x 35.2 x 24.5 cm. Se encuentra expuesta en la sala 31 del museo.

Al bronce base de la escultura se ha equipado con el pelo real, llevaba un tutú y zapatillas de baile reales, refleja una hiper-realismo, un realismo llevado hasta los extremos. Presentado en una caja de cristal en la forma de un espécimen de museo, revela un antropólogo casi naturalista. Los críticos no se equivocan: la obra fue acusada violentamente de representar a la niña de una manera bestial; se comparó con un mono o un azteca.

La edición de bronce hecha después de su muerte, la estatua del museo de Orsay es una copia, que trató de conservar mejor las características de la cera. La jaula de vidrio es el único elemento buscado por el propio Degas, afirmando la representación real de la bailarina.

La siguiente pintura “La casa del ahorcado, Auvers-sur-Oise”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 55 x 66 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

Cézanne adoptó los colores brillantes y el toque fragmentado de los impresionistas. También abandonó los temas dramáticos o literarios de un solo tema, incluso una representación banal. Pero si se trata de una obra maestra impresionista, la casa del ahorcado revela un impresionismo muy personal, revisado por Cézanne.